Jacques Villeglé est un artiste français majeur de l'art d'aujourd'hui, âgé de 82 ans, qui dès 1949, a développé par la récupération et l'usage presque exclusif d'un matériau unique - celui des affiches lacérées trouvées au hasard de ses promenades urbaines - une oeuvre unique, foisonnante et d'une totale richesse formelle.

Jacques Villeglé  ne se revendique pas comme le concepteur d'un nouveau «ready-made» à la manière de Duchamp pour promouvoir l'objet trouvé ou récupéré, en l'occurrence, les affiches, au rang d'oeuvre d'art. Il est un flâneur, qui au fil même de ses promenades et dérives dans les rue de la ville, prélève sur les panneaux publics les restes d'affiches déchirées qui l'interessent d'un point de vue esthétique. Il n'agit que trés peu sur les affiches qu'il trouve, en dehors du collage qu'il en fait sur des toiles. Sa démarche n'est pas de rajouter une composition ou de la couleur à l'affiche marouflée, mais de découvrir dans la superposition des épaisseurs de papier lacérés, la beauté d'une forme, d'une couleur, d'une épaisseur de déchirures, celle d'une tache faite par une main anonyme, d'un graffiti, d'une écriture parfois, pour laisser apparaître l'aspect sauvage et spontané en soi de la vie civilisée et urbaine, riche dans sa sauvagerie, de figures de beautés vierges et uniques..

A ce titre, le travail de Jacques Villeglé se veut être le témoignage de la rude réalité de l'illusion urbaine de la vie qui fuit et s'exprime sur ses murs, à certains emplacements choisis de ses rues et de ses ruelles. C'est le cours de l'histoire en son déroulement et en son épaisseur qu'il récupère au travers ses rouleaux de papier décollés des palissades, comme un effet des expressions de la survie humaine plutôt que de l'art.
Il nous montre combien notre monde est conditionné par un environnement visuel quotidien, et totalement idéologisé. L'objet et le but de Jacques Villeglé est de donner à notre mémoire, matière à revenir sur elle -même, à refaire le temps, à reconsidérer sans concession le temps perdu de façon critique, ludique sans doute, mais aussi avec la lucidité et l'intransigeance d'une réelle conscience de soi et du monde tel qu'il va.

Jacques Villeglé étudie la peinture et le dessin à l'école des Beaux-Arts de Rennes où il fait la connaissance de Raymond Hains en 1945, qui restera son ami de toujours. Il travaille quelque temps chez un architecte, où il se familiarise avec les questions d'urbanisme et d'espace public, puis part à l'école des Beaux-Arts de Nantes en 1947 pour faire des études d'architecture. Il aime collecter sur les plages de Saint Malo, les bois flottés, les morceaux de métaux rongés par le sel marin, les objets de diverses natures rejetés par les flots et réalise même des petites sculptures à partir des débris récupérés du mur de l’Atlantique.

A partir de décembre 1949, il s'intéresse aux effets de couleurs, à la matière constituée par les épaisseurs de papier et aux formes laissées par des mains anonymes et noctambules et aux affiches déchirées et jetées au sol par des gestes vengeurs. Il se définit alors par antinomie comme un "affichiste" et déclare la "guerre des signes", les affiches représentant pour lui l'expression d'une culture monolithique de plus en plus envahissante.

« Le prélèvement, dit-il, est le parallèle du cadrage du photographe », et il se veut comme un simple collecteur de fragments d'affiches qu'il choisit et signe. Mais le véritable artiste est selon lui, celui qui a su déchirer et délaisser à un moment choisi l'ensemble en l'état de lambeaux.

En février 1954, Jacques Villeglé fait la rencontre du poète lettriste François Dufrêne, lui-même intéressé par le domaine des affiches lacérées, dont il recherche l'esthétique de l'envers ou du dessous.
En 1958, Villeglé rédige une mise au point sur l'intérêt des affiches lacérées intitulée "Des Réalités Collectives", préfigurant le "Manifeste du Nouveau Réalisme".
Il réalise en 1959, puis en 1960 ses premières expositions personnelles. Après sa rencontre avec Yves Klein puis Pierre Restany et Jean Tinguely, et leur participation commune à la première Biennale de Paris, il décide avec eux de constituer le groupe des Nouveaux Réalistes.

Avec son ami Raymond Hains, Jacques Villeglé s’approprie les affiches des panneaux publicitaires et des murs par les effets esthétiques que les déchirures abstraites lui procurent, tout en inscrivant son travail de récupération dans une démarche de contestation politique.
Il se plaît au détournement de la publicité pour les marques, pour la presse, mais également aux expérimentations lettristes de  Raymond Hains. Se voulant être le releveur de traces de la civilisation présente, plus particulièrement lorsqu'elles sont anonymes, Villeglé imagine à partir de 1969 un « alphabet socio-politique » en hommage à Serge Tchakhotine, auteur en 1939 d'un essai intitulé "Le Viol des foules par la propagande."

Depuis 1957, l'œuvre de Jacques Villeglé a fait l'objet de plus de 140 expositions personnelles en Europe et en Amérique, et l'artiste a participé à de nombreuses manifestations collectives. Ses œuvres ont été acquises par plusieurs musées européens, américains et africains. Mais ce n'est qu'à partir de la fin des années 1970 que Villeglé a pu vivre de son art. Il lui faudra attendre 1998 pour que le Musée National d'Art Moderne fasse l'acquisition d'une de ses affiches lacérées, et reconnaisse ainsi son oeuvre.


  Musée d'Art Contemporain - Marseille

(LMDA)

Henri-Edmond Cross (1856-1910) fait la connaissance de Seurat et de Signac en 1884 au Salon des Artistes Indépendants. L’année de la disparition prématurée de Seurat (1891), il expose son premier tableau divisionniste, et marque ainsi son ralliement au groupe des néo-impressionnistes. 

Comme eux, il accorda une attention particulière au dessin. Si Seurat, Luce et Angrand affectionnèrent plus spécialement le crayon, le fusain ou le pastel, Petitjean et Rysselberghe témoignèrent de leur intérêt pour l’aquarelle, mais Signac et Cross, eux, « l’aimèrent passionnément et y trouvèrent un mode d’expression dans lequel ils excellèrent » (Isabelle Compin).

Légère et rapide, elle leur permit de s’affranchir des règles strictes de l’élaboration du tableau pointilliste.
« Je me repose de mes toiles par des essais à l’aquarelle et des esquisses en me servant de cette matière. C’est amusant. L’absolue nécessité d’être rapide, hardi, insolent même, apporte dans le travail une sorte de fièvre bienfaisante… » écrivait Cross au peintre Angrand.
Installés près de Saint-Tropez, Signac et Cross, trouvèrent dans cette technique le moyen le plus sensible pour rendre la limpidité des lumières et des paysages méditerranéens.

Cross exécuta de nombreuses aquarelles, certaines comme de simples prises de notations sur le motif, et d’autres,   plus composées. Mais il fut aussi, et c’est ce que nous fait découvrir les oeuvres graphiques du fonds Senn, un merveilleux dessinateur.
Si certaines pièces s’avèrent être des études préparatoires pour des peintures, avec parfois des mises au carreau, d’autres s’affirment comme des œuvres à part entière. Il s’agit de dessins à la mine de plomb exécutés sur un papier vergé où l’artiste joue du grain du support pour accrocher la lumière. Les sujets sont variés : personnages, paysages, mais ils peuvent également se dérober, s’estomper au gré d’un traitement tout en frottements légers du crayon et devenir une fantaisie abstraite, pleine de poésie et de mystère.

Né à Douai en 1856, Henri-Edmond Cross, de son vrai nom Henri-Edmond Delacroix prend dès l'âge de dix ans des cours de dessin à l'Ecole des Beaux Arts de Lille et a pour professeurs Carolus Duran et Alphonse Colas et plus tard à Paris, François Boivin.
Il expose pour la première fois au salon de 1881 à Paris, sous son pseudonyme "Cross", traduisant ainsi son nom de famille en anglais pour éviter toute confusion avec Eugène Delacroix.

Il fait la connaissance de Seurat et de Signac en 1884 au Salon des Artistes Indépendants. En 1891, Henri-Edmond Cross quitte le genre impressionnisme qu'il avait pratiqué jusque là, en exposant son premier tableau " divisionniste", marquant ainsi son attachement à la démarche de Seurat, l'année même de sa disparition. Il rompt avec une esthétique de dix ans et adopte avec enthousiasme celle du groupe qui animait le Salon des Indépendants (manifestation dont il fut l'un des initiateurs dès 1884). Il présente ainsi sur les cimaises du Salon des Indépendants le portrait divisionniste de sa femme. Il choisit alors de vivre en grande partie de l'année dans le Var, à Saint-Clair au Lavandou.

Il s'engage politiquement et devient également un sympathisant des idées anarchistes de l'époque. Sa santé s'altère alors et l'accable avec des troubles rhumatismaux et oculaires. Il fait alors un séjour en Italie où il découvre les oeuvres de Tintoret et de Canaletto.

A la suite de Signac, Cross peint la Provence, et en magnifie sa beauté naturelle par des tableaux inédits et incomparables. Il se rapproche là des premières manifestations du fauvisme, dont on sent poindre en ce début du XXème siècle, l'expression d'une nouvelle harmonie chromatique, qui fera école par la suite par exemple avec  Matisse dans une oeuvre telle que " Luxe, calme et volupté ", en préfigurant ainsi l'arrivée des premiers moments de la nouvelle peinture abstraite.

C'est ainsi que Henri-Edmond Cross contribua avec ses amis néo-impressionnistes au bouleversement historique de l'histoire de la peinture, qui remit en question toutes les théories esthétiques sur l'art.

Au crépuscule de sa vie trop brève, Henri-Edmond Cross voulut visiter une nouvelle fois la Toscane avant de regagner la ville du Lavandou où il composa ses dernières oeuvres. En mai 1910, il fut tragiquement emporté à 54 ans par un cancer.

Musée Matisse - Cateau-Cambresis


(LMDA)

Gérard Vulliamy, peintre français d’origine suisse, ancien élève d’André Lhote, peint ses premières compositions abstraites en 1932.
Il intègre d’abord le mouvement "Abstraction-Création" d’Auguste Herbin, avec Jacques Villon, Jean Hélion, Anatole Jakovsky ... Puis il évolue vers un surréalisme tumultueux, développant un univers fantastique proche de celui d’un Jérôme Bosch. Cette évolution de l’art de Gérard Vulliamy se précise vers 1934 et culmine avec " Le cheval de Troie " réalisé en 1937, présenté dans cette exposition, et qui demeure une oeuvre majeure pour la peinture surréaliste de cette époque.
A l’occasion de la publication par la Réunion des Musées Nationaux d’une importante monographie consacrée à Gérard Vulliamy, il s'agit de
faire redécouvrir avec cette exposition l'oeuvre encore assez méconnue de cet artiste surréaliste, avec la présentation d'une centaine de ses œuvres sur papier :dessins, gravures et illustrations.



Né à Paris en 1909, Gérard Vulliamy est attiré très jeune par la peinture, et est encouragé par ses parents, par son père homme d’affaire et peintre durant ses loisirs, et par sa mère qui elle- même s’adonnait à la peinture et au dessin sur tissus. C’est ainsi qu’il se consacre naturellement au dessin, à la décoration, à la mode, et aborde la peinture en 1928.
Il fréquente pendant trois ans l'atelier d'André Lhote jusqu’en 1932, puis se rapproche du groupe "Abstraction-Création", où il rencontre Jacques Villon, Piet Mondrian, Robert Delaunay et Auguste Herbin avant de réaliser sa première exposition particulière à Paris à la Galerie Pierre l'année suivante.
Il s'intéresse à l'ethnographie et fait un stage au Musée de l'Homme, ce qui ne manque pas d’influencer certaines de ses toiles, tant au niveau de l’abstraction qu’au niveau de l’utilisation des couleurs. "Certaines sculptures nègres, dira-t’il, me paraissent aussi émouvantes que certaines sculptures romanes ".

Gérard Vulliamy est aussi intéressé par le fantastique et l’automatisme des forme : "Automatisme des formes et des mouvements, phénomènes d'érosion, avec une certaine corrélation entre les phénomènes d'érosion et les phénomènes intérieurs de l'être humain. Par-là même je cherchais à créer un espace dans lequel le mouvement m'amenait du paysage à l'intérieur des formes humaines, devenues êtres objets ou êtres végétaux, et inversement ", confiera t’il.
Attiré par les techniques également de la gravure, il réalise de nombreuses gravures au burin et des dessins, dans le style des primitifs en peignant sur bois avec des transparences et des glacis.
S'étant rapproché des surréalistes vers 1934, Gérard Vulliamy, il participe avec eux en 1938 à l' Exposition Internationale du Surréalisme à la Galerie des Beaux-Arts de Paris.
L’oeuvre majeure de cette période est « Le Cheval de Troie « qu’il peint en 1937, selon les techniques utilisées par les peintres de la Renaissance.

Après s'être joint au groupe suisse de peintres surréalistes et abstraits
"Die Allianz ", qui expose en 1937 à Zurich et en 1938 à Bâle, Gérard Vulliamy participe à la fondation en 1941 de « La Main à plume «, une revue clandestine, où il retrouve Gérard Schneider et Raoul Ubac, et à laquelle il donne des gravures.
En 1943, Gérard Vulliamy a épousé Cécile Éluard, fille de Gala, et petite-fille du poète.
Ayant eu l'occasion de connaître pendant cette période de guerre, des médecins psychiatres, il dessine de nombreux portraits de fous et de folles dont il illustrera les « Souvenirs de la maison des fous « de Paul Éluard en 1946 et illustre aussi en 1948, « La Crevette dans tous ses états « de Francis Ponge.

Depuis1944, le travail de Gérard Vulliamy évolue progressivement vers l'informel. En 1948 il revient définitivement à la peinture abstraite. Parlant de cette époque avec Jean Grenier, il dira : « De mon passage dans le surréalisme je gardais la passion du dessin, de l'écriture, de la structure d'une toile et de son mouvement. Mais je pensais espace couleur à travers la leçon de mes amis aînés Villon et Delaunay. C'est ainsi que graduellement je revins à l'abstraction vers l'année 1948.»

Gérard Vulliamy participe à de nombreuses expositions collectives en France et à l'étranger, notamment à la Kunsthalle de Berne en1949, à la la Kunsthalle de Bâle en 1952, au Carnegie Institute de Pittsburg en 1955, 1958 et 1961, au Musée de Neuchâtel ainsi qu'à l'Institut d'Art Contemporain de Londres.
Après deux expositions à la Galerie Jeanne Bucher en 1949 et 1950, Gérard Vulliamy présente aussi en 1952 et en 1959 ses peintures à la Galerie Roque.
D’importantes rétrospectives sont organisées en 1962 au Musée de Darmstadt en Allemagne, puis en 1978 au Musée Picasso d'Antibes. Gérard Vulliamy participe également au Salon des Réalités Nouvelles et au Salon de Mai.



Musée des Beaux Arts et d'Archéologie - Besançon


( LMDA )