Expositions Passées Paris 2010

Exposition terminée
	L'ISLE ADAM Musée Louis Senlecq " Clovis Trouille : voyous, voyants, voyeurs " Du 28 novembre au 07 mars 2010
Clovis Trouille " Remembrance" 86 x 70 cm - Huile sur toile -1930 © Coll. part. © ADAGP	A la suite de la rétrospective de 2007 du Musée d'Amiens et de l'acquisition de la toile "Le grand poème d'Amiens" (1945-1963), par le Musée de Picardie, le Musée Louis Senlecq rend hommage dans cette exposition, à Clovis Trouille, peintre iconoclatse, découvert par Salvador Dali en 1930, et apparenté au surréalisme, mais trop oublié aujourd'hui et baptisé alors par André Breton lui-même " le grand maître du tout est permis". Né dans l'Aisne en 1889, Clovis Trouille fréquente l'école des Beaux-Arts d'Amiens de 1905 à 1910, et devient peintre illustrateur. Travaillant pour des journaux régionaux, il se fait d'abord remarquer en 1907 par une toile impressionniste intitulée " Paysage au vieux mur ", puis la même année par une autre toile" Palais des Merveilles" qui illustre une fête foraine où il présente des femmes aux déshabillés suggestifs, qui marque à partir de là son goût pour la provocation et l'érotisme. A partir de 1920, installé à Paris, et employé comme maquilleur-retoucheur dans une fabrique de mannequin en cire pour vitrines de magasins, il commence à développer une oeuvre subversive, antimilitariste, et anticléricale. Lors d'une exposition à laquelle il participe en 1930, il est remarqué par les surréalistes tels André Breton, Dali et Aragon, pour une toile intitulée " Remembrance" sur laquelle sont représentés un prêtre et un académicien exprimant une lubricité des plus explicites. C'est à la suite de cette exposition qu'il se rapproche des surréalistes, tout en travaillant de manière très solitaire à son oeuvre personnelle. Bien que signataire de tracts surréalistes en 1948, 1949 et 1951, Clovis Trouille n'a participé que de manière périodique à l'activité du groupe. C'est à Salvador Dali qu'il doit son goût pour une technique picturale soignée, proche de l'exactitude photographique, mais dans le style particulièrement anticonformiste qui est le sien. Sensible aux ornements, aux costumes religieux, à la pompe des cérémonies, il trouve dans cette solennité, sous son air tranquille, matière à exprimer ses conceptions anticléricales, antimorales et antisociales : ces robes, ces costumes, ces déguisements, offrent pour lui un charme trouble, équivoque, et subversif, et l'envie de dévoiler tout ce qui se cache dessous ou derrière. Il s'interrogeait : « J'ai toujours été contre l'imposture des religions. Est-ce en peignant la cathédrale d'Amiens que j'ai pris conscience de tout ce music-hall ? » Les dessous féminins, les prêtres érotiques, les nonnes cloîtrées laissant parler leurs corps, qu'il représente comme dans " Rêve Claustral ", témoignent sans aucun doute de son anticonformisme, mais aussi de la pure expression de la réalité naturelle des hommes et des femmes, à la recherche de leur jouissance de la vie.
Clovis Trouille vers 1960 © ADAGP
Auteur d'environ 120 tableaux, Clovis Trouille aborde sous différentes formes ses thèmes favoris que sont l'érotisme, la mort, la religion, la patrie, dans une recherche iconoclaste et parodique, et une critique parfois violente de la société. Sa peinture magnifiquement libre, exaltant la couleur et la liberté des moeurs, fait de lui un peintre totalement à part dans la mouvance surréaliste. Revendiquant ses influences de la Renaissance, Clovis Trouille disait qu'il n'y avait pas eu de grands peintres entre Léonard de Vinci et lui, que Max Ernst et Miro n'étaient que des "barbouilleurs". Il resta peu connu car il n'a jamais recherché les honneurs ou la gloire. N'ayant presque jamais participé à aucune exposition autres qu'à quelques unes du Salon des Indépendants, il peignait pendant ses loisirs des toiles où les thèmes de l'anticléricalisme et de l'antimilitarisme revenaient en permanence. Il se disait avoir été très traumatisé par la Première Guerre mondiale, et manifesta à toute occasion son antimilitarisme, et son attachement depuis toujours aux idées anarchistes, ce jusqu'à sa mort en septembre 1975 dans la région parisienne. Musée Louis Senlecq - L'Isle Adam ( LMDA)

Exposition terminée
	PARIS : Musée Marmottan Monet " Fauves et Expressionnistes : de Van Dongen à Otto Dix " Du 28 octobre 2009 au 20 février 2010 >>> prolongation jusqu'au 07 mars 2010
Ernst Ludwig Kirchner " Femmes dans la rue " 1914. Huile sur toile 126 x 90 cm © Von der Heydt Museum - Wuppertal	Cette très belle exposition, offre un parcours dans l'évolution de l'art moderne au début du XXème siècle allant des peintres fauves à l'expressionnisme, jusqu'à la Nouvelle Objectivité, au travers les chefs-d’oeuvres prêtés par le Musée Von der Heydt de Wuppertal en Allemagne. De Munch à Van Dongen, de Vlaminck à Otto Dix, mais aussi avec Nolde, Braque, Dufy, avec les artistes du "Pont" (Die Brücke) et du "Cavalier Bleu" (Der Blaue Reiter), jusqu’à Beckmann, et Grosz, avec un ensemble de cinquante oeuvres, le visiteur est immergé dans l'atmsophère de l’avant-garde de l'époque, partagée entre les fauves français et les espressionnistes allemands L’ouverture de l'exposition commence par un portrait de jeune fille réalisé en 1905 par le peintre norvégien Edvard Munch, qui met en relief la problématique existentielle qui caractérise cette époque début de siècle. Car s'il s'agit alors de traduire les sentiments authentiques de l’homme, pour les expressionnistes allemands, il s'agit pour le fauvisme français de s'affranchir des conventions et d'exprimer la vie par la force des couleurs et de la matière. Les deux principaux mouvements qui marquèrent l’avènement de l’art moderne en Europe juste avant la Première Guerre mondiale, sont ainsi mis en face à face. D'un côté, ce sont donc les expressionnistes du groupe "Die Brücke" fondé à Dresde en 1905, avec des artistes tels que Kirchner, Heckel, et Otto Müller, et ceux de la Nouvelle Association des Artistes de Munich, qui donneront ensuite naissance en 1911 au " Blaue Reiter ", avec en particulier Kandinsky, Jawlensky, Marc, ou Macke. De l'autre, en France, le fauvisme est incarné par Dufy, Braque, Vlaminck et Van Dongen, lesquels montrent une préoccupation commune avec les artistes allemands de l'avant-garde. Les oeuvres de Munch, ou de Nolde apparaissent comme des précurseurs de l’expressionnisme, mais les tableaux de Kokoschka par exemple ou d’Oppenheimer mettent également en relief la caractère spécifique et indépendant de cette avant-garde. Car les apports artistiques des peintres allemands des années 1920 se nourrissent des turbulences de la guerre et engendrent une seconde génération d'artistes expressionnistes révolutionnaires, à l'approche de la Seconde Guerre mondiale, tels que Felixmüller, Otta Dix et Max Beckmann, au sein d'un courant appelé " La Nouvelle Objectivité ". La mise en comparaison des artistes de " Die Brücke", du " Blaue Reiter" et de leurs successeurs, avec les Fauves français dans la même démarche d'une recherche de l'humanité authentique, met en relief l’exacerbation des couleurs, du mouvement et de la spontanéité dans le Fauvisme. Les couleurs, la densité de la matière et du mouvement sont les représentations même de la jouissance de la vie, de l’extase, et de la quête de la plénitude de l'existence. Ces recherches de l'authenticité conduisent les fauves à retrouver les arts des origines, ce qui les conduit à s'intéresser aux arts tribaux africains ou océaniens et à l’art dit "primitif ". Dans l'expressionnisme allemand, c'est davantage la réalité de l'époque, l'angoisse, la fuite du temps qui préocuppent les artistes, comme une prémonition aux événements futures. L'intérêt pour les arts " primitifs chez les artistes de "Die Brücke" apparaîtra un peu plus tard vers 1910, lorsque ceux-ci peindront ensemble sur les bords du lac de Moritzburg des nus en plein air.
Otto Mueller " Autoportrait avec pentagramme " 1922. Huile sur toile 120 x 75,5 cm. © Von der Heydt Museum/Wuppertal
L’exposition montre ainsi les évolutions ultérieures de "Die Brücke", jusqu'à l’éclatement du groupe qui survient en 1913. Jusqu’aux années 1920, la guerre et les événements de l'immédiate après-guerre conduisent à des oeuvres très marquées par l'ambiance troublée de l'époque : chez Kirchner, les scènes de rue apparaissent dès 1913 jusqu'en 1915 avec '"Femmes de Rue ", dans lesquelles il restitue l’atmosphère oppressante de la capitale, mais aussi l'inquiétude devant le passé et l'angoisse face à l'avenir. Les oeuvres du " Blaue Reiter " mettent de leur côté en relief moins le devenir de l'homme que la volonté de s'élever au dessus de la réalité dans une démarche plus spirituelle et abstraite. C'est ainsi que Kandinsky, Jawlensky, Marc ou encore Macke défendent l’idée d'une union nécessaire entre l'impression et l'expression, entre l'intérieur et l'extérieur du sens artistique, en introduisant le "spirituel dans l’art". La stylisation des formes, la dynamisation des couleurs, amènent ainsi Kandinsky dans une oeuvre telle que " l'Église sur les bords du lac de Rieg " peinte en 1908 aux premiers instants de l’abstraction. Jawlensky de son côté avec "Jeune fille aux pivoines" en 1909 témoigne déjà de la dimension mystique et spirituelle de sa démarche. La création du " Blaue Reiter " par Kandinsky et Marc les conduisent à organiser des expositions avec des artistes plus proches de leurs visions, et de leur volonté de faire une synthèse entre ces différentes tendances. Leurs recherches seront brutalement interrompues par la guerre . Une deuxième génération d'artistes tels que Felixmüller, Dix et Grosz, s'engagera dans une critique de la société dominée par la corruption et la décadence tandis que Max Beckmann de son côté tentear de traduire ce qu' a été le traumatisme de la guerre, et la dérision de l’existence humaine. Ces artistes de la "Nouvelle Objectivité " seront ensuite les victimes du régime hitlérien, avec la confiscation de nombreues de leurs oeuvres en 1937 -1938 considérées comme "dégénérées" par les nazis. Ces oeuvres, fruits de dons et d'acquisitions ont enrichis peu à peu le Musée Von der Heydt, et constituent la collection la plus complète d’art expressionniste. Elles sont présentées ici aux côtés des oeuvres des fauvistes français, dans un ensemble où elles se mettent mutuellement en valeur, et permettent de mieux comprendre les évolutions artistiques engendrées par l'histoire de l'époque. Musée Monet-Marmottan (LMDA)

Exposition terminée
PARIS : Centre Georges Pompidou " La subversion des images " Du 23 septembre au 11 janvier 2010
images/ManRay10.jpg Man Ray " Noire et blanche " 24,1 x 29,2 cm - 1926 © ADAGP images/ManRay11.jpg Man Ray " La Prière " Photographie sur toile - 32 x 23 cm - 1930 © ADAGP	L'exposition « La subversion des images : Surréalisme, photographie, film » proposée par le Centre Georges Pompidou rassemble plus de 400 oeuvres et offre en cela un panorama exceptionnel de la période des Surréalistes. Une large sélection des photos de Man Ray, Hans Bellmer, Claude Cahun, Raoul Ubac, Jacques-André Boiffard, Maurice Tabard sont réunies auprès de clichés inédits, démontrant la variété des utilisations surréalistes de la photographie comme technique de transformation des images à des fins poétiques ou artistiques : collections d'images, documents bruts, photomatons, photographies de groupe, publications dans les revues, livres d'artistes, publicités, etc... L'exposition révèle au public des ensembles méconnus de montages photographiques et de collages, de la part d'artistes tels Paul Eluard, André Breton, mais aussi Antonin Artaud ou Georges Hugnet, ainsi que les jeux photographiques de Léo Malet ou de Victor Brauner et met en relief les travaux d'artistes moins connus, comme ceux d'Artür Harfaux ou de Benjamin Fondane, qu'elle contribue à faire redécouvrir au grand public. La subversion des images" se donne comme objet de s'interroger sur la photographie en questionnant précisément les utilisations de la photographie et de l'image, telle qu'elle a été traitée par les artistes surréalistes. Il s'agit aussi de présenter au public, un ensemble d'oeuvres peu ou pas connues, pour illustrer dans toutes ses dimensions ce qu'a été la culture photographique du surréalisme. Les différentes salles de l'exposition s'organisent autour de concepts-clés, qui permettent de croiser les travaux des artistes avec les différentes applications qui en ont été faites. Les principes essentiels du surréalisme ont pu en effet trouver dans la photographie la manifestation la plus complète et la technique la plus directe d'une expression subversive de l'art développée dans la revue " La Révolution Surréaliste".
L'exposition présente également une série de films et de courts-métrages réalisés par Luis Buñuel, Man Ray ou Germaine Dulac. Centre Georges Pompidou (LMDA)