EXPOSITIONS PASSEES
MONDE
Année 2006

 || Le mONDE dEs ARTS ||

Exposition terminée

ALLEMAGNE

KARLSRUHE : Staatliche Kunsthalle
" David Teniers le Jeune : 1610 -1690 "
Du 05 novembre 2005 au 19 février 2006

David Teniers le Jeune :
Le chirugien-barbier (détail)
Huile sur toile - 57,1 x 73,6 cm
© The Chrysler Museum of Art, Norfolk, VA.
Don de Walter P. Chrysler, Jr.

Le point de départ de cette exposition en est la riche collection des tableaux de Teniers du Staatliche Kunsthalle, constituée à l’origine par les Margraves de Bade ( une famille qui d’ailleurs collectionnaient déjà des Teniers de son vivant). Grâce à des prêts prestigieux des grandes collections publiques et privées d’Europe et des Etats-Unis, l’exposition réunit quelques 140 oeuvres de David Teniers et de certains de ses contemporains tels que Adraien Brouwer, Pieter Brueghel le Jeune et Jan Brueghel le Vieux. La dernière exposition consacrée à David Teniers s'était tenue à Anvers en 1991. La présente exposition est la première grande exposition consacrée à ce grand artiste en Allemagne.

Le Marquis de Caracena devient en 1659 le nouveau Gouverneur Espagnol, lequel ne conserve pas David Teniers comme peintre de cour. Caracena accepte d’être le parrain du fils de Teniers en 1662, et il soutient le peintre dans ses démarches auprès de la cour espagnole pour fonder une académie des Beaux-Arts.
En 1660, paraît le " Theatrum Pictorium " à Bruxelles. En 1662 il écrit sans recommandation une lettre au roi Philippe IV d'Espagne à Madrid, pour lui demander l’autorisation de créer une académie à Anvers , lequel lui donne la permission de créer cette académie, qui est officiellement inaugurée à Anvers en 1664.
Le roi Philippe IV d’Espagne, bienfaiteur et protecteur de Teniers, meurt le 17 septembre 1665. Le fils de David Teniers, David Teniers III meurt à Bruxelles le 11 février 1685. Isabella, la seconde femme de Teniers. meurt en 1686. David Teniers meurt à Bruxelles le 25 avril 1690. Il est enterré à Saint-Jacques-sur-Coudenberg, où reposent déjà sa première femme Anna et son fils David III.

Staatliche Kunsthalle

( LMDA - Petra Holtmeyer - Staatliche Kunsthalle Karlsruhe )

Exposition terminée

NEW YORK : Neue Gallery
" Gustav Klimt : le Portrait d'Adèle Bloch Bauer "
... Jusqu'au 18 septembre 2006

La Neue Gallery de New York, musée essentiellement consacré à l'art allemand et autrichien des années 1890-1940, vient de bénéficier du don de   Ronald Lauder,  fondateur du Musée et héritier du groupe Estée Lauder, et acquéreur lors d'une récente vente aux enchères, de l'oeuvre devenue la plus chère de tous les temps : " Le Portrait d'Adèle Bloch Bauer " de Gustav Klimt.

La Neue Gallery présente au public ce tableau  avec plusieurs autres oeuvres du grand maître autrichien,  jusqu'au 18 septembre 2006, avant qu'il ne soit inséré dans la collection permanente du Musée.

En dehors de sa valeur, ce tableau est chargé d'histoire.
D'un format de 136 x 138 cm, ce portrait a été réalisé en 1907 par Gustav Klimt dans une période que l'on a baptisé son "Cycle d'Or" . Il a été composé par Gustav Klimt à l'aide d'une technique particulière, composé de couleurs à l'huile sur fond de feuilles d'or collées sur toile, technique utilisée également pour d'autres oeuvres  telles que "Serpents d'Eau", ou "Danaé".

Le salon d'Adèle Bloch-Bauer (1881-1925) épouse du riche banquier Ferdinand Bloch-Bauer était l'un des hauts lieux intellectuels de la « Vienne 1900 ». S'y côtoyaient Sigmund Freud, Gustav Mahler, Arnold Schönberg ...

Adèle Bloch-Bauer modèle - mais peut-être maîtresse du peintre -, avait donné l'occasion à Klimt d'user de cette technique minutieuse et longue consistant à coller de fines feuilles d'or ou d'argent sur la toile, pour rajouter à la somptuosité  des motifs décoratifs et mettrent en relief les traits du modèle, comme on le fait des peintures d'icônes.
Avant de mourir, en 1925, Adèle Bloch-Bauer avait exprimé la volonté que son portrait, ainsi que quatre autres Klimt de sa collection, soient remis à l'Autriche après la mort de son mari.

Mais quand en mars 1938 l'Autriche est annexée par l'Allemagne, Ferdinand Bloch-Bauer s'expatrie en Suisse en abandonnant tous ses biens derrière lui. Le portrait d'Adèle et les autres tableaux sont mis en dépôt à la Galerie du Belvédère, ce qui correspondait au souhait d'Adèle.
Ferdinand Bloch-Bauer meurt sans héritier direct en 1945,  en faisant de ses neveux et nièces ses seuls héritiers. Mais les fameuses toiles, bien sûr, avaient été confisquées par les nazis, puis récupérées par le Musée de Vienne et conservées depuis lors, dans ses murs.

Gustav Klimt
"Portrait de Adèle Bloch-Bauer I "
1907
peinture et feuilles d'or
sur toile  136 x 138 cm
© Neue Gallery New York

Adèle Bloch-Bauer"
1907 ©

Gustav Klimt
1907 ©

L'une des nièces de Ferdinand Bloch-Bauer, Maria Altmann, exilée aux Etats-Unis réclamait depuis plusieurs années les tableaux de Klimt, recueillis par le Musée de Vienne et selon elle extorqués aux héritiers, après la guerre, en échange du droit à exporter d'autres objets précieux "restitués".
Un compromis avait été proposé au Ministère de la Culture Autrichien : le Belvédère pouvait être en situation de conserver les tableaux de Gustav Klimt contre un dédommagement évalué à environ 145 millions d'euros. Mais l'Autriche ayant refusé cette proposition, en s'appuyant sur la lettre d'Adèle Bloch-Bauer, considérée comme une lettre "testament" en bonne et due forme, Maria Altmann craignant les frais de procédure très élevés en Autriche, a décidé de porter l'affaire devant le Tribunal de Los Angeles et prenant comme avocat le   petit-fils du célèbre compositeur Arnold Schönberg, spécialisé dans les affaires de spoliation et vols d'oeuvres d'art par les nazis.
Le bien-fondé de cette démarche a été confirmé pour la deuxième fois en appel, en décembre 2002, ainsi que par l'expertise d'un juriste reconnu de l'université de Vienne, par les conditions douteuses dans lesquelles le Musée de Vienne était entré en possession de la collection Bloch-Bauer. Cette disposition faisant suite au scandale  fin 1998 causé par la saisie de deux oeuvres du peintre Egon Schiele, lors d'une exposition à New York, contraignant l'Autriche à adopter une loi obligeant les musées nationaux à vérifier
la provenance des oeuvres de leurs collections ­ et le cas échéant à les restituer.

Maria Altmann, a finalement obtenu gain de cause début 2006, alors que le tableau était depuis avril exposé au Los Angeles Country Museum of Art, et décidé de le proposer à la vente. C'est ainsi que l'acquéreur, Ronald Lauder, ancien ambassadeur des Etats-Unis en Autriche et héritier du groupe Estée Lauder a annoncé son choix finalement de l'offrir à la Neue Galerie de New-York, musée dont il est le fondateur.

Dossier Gustav Klimt

http://www.neuegalerie.org

(LMDA)

Exposition terminée

WASHINGTON : National Gallery of Art
" Le Douanier Rousseau : jungles urbaines"
Du 16 juillet au 15 octobre 2006

Henri Rousseau
" Le Combat du Tigre et du Buffle " 
1908
Huile sur toile : 172 x 191,5 cm
© Museum of Art

Modeste employé des douanes Henri Julien Félix Rousseau, dit Le Douanier Rousseau (1844-1910), autodidacte devenu peintre sur le tard, célébré par Alfred Jarry, Apollinaire, Picasso, Robert et Sonia Delaunay, ou Kandinsky, est aujourd'hui reconnu comme l'une des figures les plus originales de l’art de la fin du XIXème et du début du XXème siècle.
Cette très belle exposition qui rassemble au total 50 des tableaux majeurs du peintre, en provenance de grandes collections publiques ou privées, européennes, américaines, japonaises et russes, présente dans un parcours quasi chronologique l'oeuvre de cet artiste hors du commun des peintres de son époque, dont l'oeuvre interroge encore le public contemporain.
C'est au septième Salon des Indépendants, en1891, il a 47 ans, qu' Henri Rousseau, qui peignait jusque là des paysages ou des vues de Paris, décide de présenter une composition  toute exotique appelée
" Surpris", représentant un tigre apeuré par la foudre au milieu d'une jungle sous l'orage.
Cette oeuvre si particulière, lui vaut les  moqueries de la critique et du gotha journalistique, et même de la plupart des autres artistes, sauf Félix Vallotton qui écrit : " Monsieur Rousseau devient plus stupéfiant d'année en année... C'est l'alpha et l'oméga de la peinture... Tout le monde ne rit pas, du reste, et certains qui en auraient envie s'arrêtent bientôt ; il est toujours beau de voir une croyance, quelle qu'elle soit, si impitoyablement exprimée".
C'est un monde hors de l'ordinaire qui au fond, intéresse Rousseau, un monde hors de la réalité de sa vie misérable, hors de ses drames familiaux, de des déboires affectifs, et de ses échecs comme artiste peintre. Il se dit peintre réaliste, et ne veut peindre dit-il que la nature.

 
Henri Rousseau
dans son atelier Rue Perrel à Paris
devant son tableau
" Forêt Vierge au soleil couchant " 1906
Harry Bloomfield
© Petit Palais Genève

Il a été bercé par les contes traditionnels que lui racontait, enfant, une vieille tante durant son enfance à Laval. Impressionné quelques années plus tard par la lecture de Robinson Crusoe et de Paul et Virginie, Rousseau restera imprègné de la lecture qu'il fera de Jean-Jacques Rousseau et du concept de l'homme naturel et du bon sauvage.
C'est dans ces lectures, et dans la vogue d'une époque où les expéditions françaises vers l'Afrique, la Cochinchine se multiplient, que Rousseau puise son inspiration. Il fréquente aussi les musées, pour y copier des oeuvres, afin de parfaire sa technique, et il découvre les oeuvres de Rubens, Van Loo, Géricault, Delacroix, François Boucher, dont la " Chasse aux lions " l'impressionne considérablement, ou encore la tapisserie de la " Dame à la Licorne",  autant que Paul Gauguin, qui lui raconte en 1894 ses périples dans les Iles Polynésiennes. Paul Gauguin, puise beaucoup aussi dans ses promenades au Jardin des Plantes, au Muséum d'Histoire naturelle ou au Jardin d'Acclimatation, ainsi que dans l'imagerie populaire, les photographies et les cartes postales,
Malgré la légende qu'entretient son ami Guillaume Apollinaire, il n'a jamais quitté Paris, et c'est dans son atelier que Rousseau compose ses célèbres jungles. Ses mises en scène exotiques, ses forêts vierges sont autant de traductions de ce qu'est pour lui la vie, une jungle avec ses cruautés, ses peurs, ses beautés, comme celles de ses   épouvantes
d' enfant.
Les jungles de Rousseau sont celles d'une totale imagination créatrice et constituent un thème central et dominant dans son oeuvre, tel que nous le démontre cette exposition en confrontant une série de scènes à d’autres œuvres, portraits, paysages urbains et allégories. L'art d'Henri Rousseau est celui du détournement avant la lettre et avant que les dadaïstes, puis les surréalistes ne procèdent quelques années plus tard à un art complet du détournement, dans lequel ils le reconnaîtront comme un précurseur.

National Gallery of Art

(LMDA)

Exposition terminée

WASHINGTON : National Gallery of Art
" Cézanne en Provence "
Du 29 janvier 2006 au 07mai 2006

Paul Cézanne dans son atelier
Photographié par le peintre Emile Bernard
1904
© Coll. Part.
 

Paul Cézanne
La Montagne Sainte Victoire
1885-1887
© Coll. Part.

L' année Cézanne, qui célèbre la mort du peintre Paul Cézanne (1839-1906), commence par cette exposition de la National Gallery de Washington, dont l'objet est de resituer celui que l'on considère comme le père de la peinture moderne, dans les lieux et les influences de sa Provence natale.
Avec 117 oeuvres présentes, parmi les plus représentatives, c'est un voyage dans l'enchantement intense et émotif vécu par le peintre dans la campagne de sa région de naissance, ou auprès de sa famille et de ses proches, que l'on vit avec lui, au travers les tableaux rassemblés ici.

(LMDA)

GRANDE BRETAGNE

Exposition terminée

LONDRES : Tate Modern
" Kandinsky, le passage à l'abstraction : 1908-1922 "
... Jusqu'au 1er octobre 2006

Cette superbe exposition de la Tate Modern, nous présente le parcours intriguant qui conduit Wassili Kandinsky (1866 - 1944) de la figuration comme peintre paysagiste au modernisme et à l'abstraction radicale. En se concentrant sur la première moitié de sa carrière, l'exposition montre au visiteur les premieres oeuvres composées essentiellement de paysages entièrement inspirés par le langage figuratif, et les légendes traditionnelles russes.
Kandinsky, en effet, après avoir hésité entre une carrière universitaire dans le droit et les arts, pour lesquels il se passionne, avait décidé de se consacrer finalement à la peinture en 1896, de quitter Moscou pour Munich et d'y suivre les cours du peintre Franz Von Stuck  à l' Académie des Beaux-Arts .
Il fonde là un groupe d'artistes appelé "La Phalanx", dans laquelle avec ses amis peintres, il s'assigne le but de faire découvrir au public ce que sera selon lui le nouvel art, en opposition avec l'académisme qui se limite à la reproduction de modèles, de paysages, ou de sculptures antiques. Dans ce cadre, il rencontre le peintre David Burliuk, puis Vladimir lzdebsky en 1903 et participe à diverses expositions. C'est en 1904 que Kandinsky participe à la première exposition des Tendances Nouvelles à Paris , puis aux expositions de Saint-Pétersbourg et de Moscou, ainsi qu'au Salon d'Automne de Paris.
C'est à partir de là que progressivement, le modèle de Kandinsky évolue. Il se lie d'amitié avec des artistes tels que Jawlensky, Marianne Von Werefkin, Kanoldt, Kubin et Thomas von Hartmann , avec qui il crée"La Nouvelle Association des Artistes" ( "Neue Künstlervereinigung"). Peu à peu, les détails descriptifs de ses compositions s'estompent, et ce sont les lignes calligraphiques, les contours qui prennent du relief. En même temps, de grandes surfaces de couleurs vives apparaissent dans le but de stimuler les émotions.
Ses recherches esthétiques l'amène, à s'affranchir de l'expression figurative, et à dépasser l'expressionnisme, le futurisme et le cubisme qui dominent l'époque. Pour lui, il s'agit d'un engagement : l'art peut être aussi l'expression directe du monde intérieur de l'individu, et il vient à considérer que la peinture peut s'affranchir des formes et s'exprimer dans la seule dimension du trait, de la tache et de la couleur et qu'il peut à partir de là tout autant toucher l'âme de l'homme que la représentation figurative.

images/Kandinsky3.jpg
non disponible


Wassily Kandinsky 
" Paysage à la Tour " 
1908
Huile sur carton  75 x 98,5 cm
© Musée National d'Art Moderne
Paris

images/Kandinsky5.jpg
non disponible


Wassily Kandinsky
" Aquarelle Abstraite " 
1910
aquarelle  50 x  65 cm
© Musée National d'Art Moderne Paris

Wassily  Kandinsky
à Munich en 1909 © 

En 1908, Kandinsky trouve dans l'essai d'un jeune historien de l'art, K. Worringer publié en 1907 "Abstraktion und Einfühlung", la matière de ce qu'il appelle le trouble mental de l'homme devant le monde, et devant les découvertes scientifiques qui remettent en cause la validité de ses lois considérées comme immuables.
C'est dans ce contexte en 1910 , que Kandinsky réalise alors la première  "Aquarelle Abstraite " et qu'il s'engage dans la réalisation d'oeuvres qui deviendront les premières oeuvres entièrement abstraites de l'Art Moderne.
L'exposition montre ensuite comment en explorant les changements artistiques qui ont accompagné le mouvement de Kandinsky en Russie et son retour suivant vers l'Allemagne où il rencontre Paul Klee et Arnold Schönberg, créé en 1911 avec Franz Marc le groupe du "Blaue Reiter" ( Le Cavalier Bleu ) à Munich, il s'interroge sur les rapports entre l'esprit et l'expression artistique et sur la représentation abstraite par opposition au monde du figuratif.
Dans un essai, intitulé " Du spirituel dans l'art", et qu'il publie la même année, Kandinsky veut montrer qu il y a une nécessité intérieure, voire mystique dans l'abstraction. C'est l'élément de l'art pur et éternel qui confère sa valeur et son âme à l'oeuvre de l'artiste. L'oeuvre peut  échapper totalement à l'âme des contemporains et nécessiter des années et des siècles pour parvenir par son esthétique à toucher l'âme de l'homme.

Plus tard, en 1922 devenu un membre du Bauhaus, de nouvelles influences apparaissent   dans le language abstrait de Kandinsky : après cette première période d'une technique reposant sur la spontanéité gestuelle et lyrique, les éléments géométriques apparaissent et prennent une part dominante dans ses compositions, suivant l'esthétique du suprématisme. Elles resteront et demeureront alors la marque essentielle dans le reste de ses travaux.

Avec plus de 50 peintures et 30 travaux sur papier, dont beaucoup n'ont jamais été montrés au public, cette exposition donne l'occasion ainsi de mieux comprendre comment et pourquoi ce passage à l'abstraction s'est opéré, au travers l'oeuvre de l'un des plus grands maîtres de la peinture moderne.

Dossier kandinsky

Londres : Tate Modern

(LMDA)

MARTIGNY : Fondation Pierre Gianadda
" Camille Claudel et Rodin :
la rencontre de deux destins "
Du 03 mars au 11 juin 2006

Exposition terminée

Lorsque Camille Claudel (1864-1943) fait la connaissance d'Auguste Rodin (1840-1917) en 1882, elle n'a alors que dix-sept ans. Rodin jouit déjà d'une renommée très importante en tant qu'artiste .Camille Claudel, elle, soeur aînée de Paul Claudel, pétrit la terre, et ses premières figurines depuis son adolescence. Suivant d'abord les cours du sculpteur Alfred Boucher, elle se trouve engagée dans l’atelier d' Auguste Rodin à l’âge de 20 ans, qui reconnaît son talent, pour l'aider dans la réalisation dans les deux grandes commandes qui l'occupent alors, " La Porte de l'Enfer" et "Les Bourgeois de Calais".

La relation professionnelle qui lie Rodin à Camille Claudel se transforme rapidement. Elle devient sa collaboratrice, puis sa maîtresse dans une passion mutuelle qui unit les deux artistes pendant dix ans.
Des œeuvres comme " L'Eternel printemps" ou "La Valse" traduisent chez Camille Claudel son amour pour Rodin. Mais leurs relations se détériorent au fil du temps, autant par la passion, que par les crises de jalousie de plus en plus violentes Camille à l'égard de Rodin et de ses promesses non tenues.
Rodin ne cessera jamais de produire, tandis que Camille Claudel paralysée par ses souffrances intérieures s'enfermera dans la solitude. Dans son atelier de la Rue de Turenne, elle travaille avec ardeur modelant ses sujets avec la puissance de sa spontanéité, de sa vérité, de son émotion, de sa douleur, en mettant en relief dans des sculptures exceptionnelles, sa recherche de la pureté et de la volupté du mouvement.
Jusqu’à l’emprise tragique de sa maladie, qui la conduira à l'internement et à la claustration Camille Claudel sculpte avec acharnement et passion.
De son côté, Rodin demeure hanté par le visage de sa bien-aimée, dont il sculpte la beauté dans de superbes bustes de plâtre, de marbre ou de bronze. Il admirait à la fois, sa flamme créatrice, sa spontanéité, et le génie, de "cette féroce amie" comme il le disait parfois.

Camille Claudel
vers 1884
Photo de César
papier albuminé
15,5 x 10,3 cm
© Musée Rodin Paris
© ADAGP

Auguste Rodin
vers 1886
© Musée Rodin Paris
© ADAGP

images/Claudel23.jpg
non disponible

Camille Claudel
" La Valse "
Bronze 1895
© Coll. Part. © ADAGP

C'est à la découverte de cette histoire passionnelle et féconde que nous invite cette exposition  intitulée "Camille Claudel et Rodin : la rencontre de deux destins" . Au  travers un parcours chronologique et thématique, rassemblant près de 120 oeuvres et de nombreuses photographies et documents, les visiteurs découvrent  les univers artistiques puissants et indissociables des deux artistes,
Bien que leur production ait été différente, Rodin ayant réalisé des milliers de pièces au long de sa carrière, tandis que Camille Claudel ayant laissé une oeuvre plus restreinte mais non moins grandiose, on voit que le dialogue entre les deux artistes, s'est poursuivi pendant près de vingt-cinq ans au travers plusieurs phases créatrices de leur art.
Les sculptures réalisées par Camille Claudel avant la rencontre avec Rodin   montrent une artiste en recherche  de son style, tandis que est Rodin déjà en pleine possession de son talent. Puis ce sont les oeuvres de la période du bonheur fou entre eux, lesquelles occupent une place importante dans l'exposition, tout en soulignant l'influence mutuelle qu'ils exercent l'un sur l'autre. Au  temps de la passion succède toutefois des moments plus sereins, lors des périodes d'accalmie, mais aussi des oeuvres très torturées et exceptionnelles chez Camille Claudel, lorsqu'en proie au doute elle décide de prendre ses distances à l'égard de Rodin, qui sont comme autant de témoignages de ses souffrances intérieures, de son chagrin, et de son immense solitude.

Dossier Camille Claudel

Fondation Pierre Gianadda

(LMDA)

" TAGS "
------
Chaïm Soutine
L'Internationnale Situationniste

Giuseppe Arcimboldo
Jérôme Bosch
Félix  Vallotton
Sophie Taeuber
Clovis Trouille
Jules Pascin
Sandro Botticelli
Wassily Kandinsky
Unica Zurn
Georges Malkine
Balthus
Alfred Sisley
Le Mouvement Madi
Constantin Brancusi
Georges Rouault
Maurice de Vlaminck
Jérôme Bosch
Tamar Messer
Matthias Grünewald
Evariste Vital Luminais
Gustav Klimt
Paul Gauguin
Piet Mondrian
Roy Lichtenstein
Achille Othon Friesz

¤¤¤¤¤

PUBLICITE
-------
Librairie
Livres en Lignes

¤¤¤¤¤

  ACCUEIL | EXPOSITIONS | GALERIES | LIVRES D'ARTS | OBJETS D'ARTS | VIDEOS | DOSSIERS | ARCHIVES | RECHERCHE
|| EXPOS PARIS et ILE DE FRANCE || EXPOS FRANCE et REGIONS || EXPOS AUTOUR DU MONDE ||
 || Le mONDE dEs ARTS ||

© Le mONDE dEs ARTS