EXPOSITIONS PASSEES
PARIS & ILE DE FRANCE
Année 2003

PARIS : Centre Georges Pompidou
" Jean Cocteau sur le fil du siècle "
Du 25 septembre au 5 janvier 2004

Cette vaste restrospective, intitulée  "Jean Cocteau, sur le fil du siècle" qui s'ouvre au Centre Pompidou 40 ans après la mort du poète, réunit plus de  900 pièces, dont des dessins, des photographies, des manuscrits, des sculptures, des objets qui illustrent de manière complète les diverses facettes de Cocteau, écrivain, dramaturge, poète, dessinateur d'exception et cinéaste admiré, qui fut sans doute l'un des créateurs les plus féconds du milieu du XXème siècle.
Figure majeure de la vie culturelle de son époque, Jean Cocteau incarne au-delà de l'image réductrice de sa disparité et de sa créativité diversifiée, toutes les contradictions et la complexité de sa  personnalité artistique, mais aussi celles de son temps.
Cette exposition  met en scène l'homme rendu célèbre par ses apparitions dans l'actualité culturelle et mondaine de l'après-guerre et l'artiste qui reste finalement encore assez méconnu dans la diversité de son oeuvre.

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Ce sont 335 dessins, 300 photographies, 22 tableaux d'artistes majeurs du siècle qui l'ont célébré,  une cinquantaine de manuscrits, des objets dont sa fameuse bague Cartier, ou son épée d'académicien, des sculptures et plus d'une trentaine d'installations audiovisuelles, avec des extraits de films et des documents qui illustrent là, le parcours et la personnalité de l'artiste. Une salle de projection  permet également notamment de revoir ses oeuvres de cinéaste : Le Sang d'un poète, Orphée, Le Testament d'Orphée, Les Enfants terribles, La Belle et la Bête, Les Parents terribles, ce qui permet de découvrir une oeuvre somplexe et multiple, souvent novatrice et parfois engagée.
Car Jean Cocteau est un homme qui entretient et exploite les contraires pour les rapprocher. A la fois  moderne et classique, révolutionnaire et conservateur, il est au centre d'une galaxie d'artistes les plus divers, qui lui permet de se lier d'amitié avec Picasso, de s'opposer à André Breton et à André Gide, de rencontrer Jean Marais, mais aussi Edith Piaf et  Coco Chanel  de se faire peindre ou  photographier par Kisling, Picasso, Modigliani, Delaunay, Man Ray, ou Andy Warhol, d'admirer Chirico, et Stravinsky, dans un croisement  des personnalités artistiques et de disciplines qui s'influencent entre elles en permanence.

L'oeuvre de Cocteau  a résisté aux modes successives, et demeure l'un des tout premiers artistes du XXème siècle pour qui le temps fût un matériau artistique dans son éphémère et son inacessible, et par la volonté qu'il voulut à vouloir tout vivre.

Illustration : Sanford Roth : " Portrait de Jean Cocteau " © Coll. Part. © ADAGP   Paris.

PARIS : Centre Georges Pompidou
" Sonia et Robert Delaunay "  
Du 1er octobre au 5 janvier  2004

Deux artistes en un. Le couple incontournable de l’art abstrait. Veuve de Robert en 1941, Sonia Terk-Delaunay (1885-1979)  joua un rôle décisif avec son mari dans la révolution des arts appliqués du XXème siècle. L’exposition consacrée aux époux Delaunay repose sur la donation faite en 1964 par Sonia et son fils Charles et présente 90 œuvres sur les 114 de la donation ( peintures, dessins, reliures, mosaïques et reliefs).
Robert Delaunay disait: " Il a fallu un Apollinaire en 1912 pour déceler les premiers pas, la première cellule de cet art neuf dont il a fait magistralement des définitions fondamentales entre l’ancienne peinture et celle qui venait, définitions ayant encore toute leur valeur ". Observation révélatrice pour mieux comprendre la démarche des Delaunay.

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Cette exposition constitue ainsi un voyage au travers l'oeuvre des deux artistes, dans laquelle celle de Sonia occupe une grande place, à l'égal de ce que fut son rôle, son influence dans le parcours de son mari. Elle   rappelle les différents étapes du parcours du couple d'artistes, avec pour principal objectif de montrer au travers les oeuvres présentes, leur contribution essentielle dans la peinture moderne.
Dans sa première exposition en 1904, Robert Delaunay, qui a alors 19 ans, présente des paysages impressionnistes. Il s'inspire ensuite de Gauguin, et du fauvisme, avant que de rencontrer au Salon d'Automne la même année, Matisse, Picabia, et Kandinsky. L'oeuvre de Seurat l'impressionne également, mais c'est en 1907, année de sa rencontre avec Sonia, puis avec la découverte de Picasso, que Robert Delaunay se met alors à développer une oeuvre abstraite fondée essentiellement sur la force de la couleur, de la lumière et sur le mouvement,  que Guillaume Apollinaire baptisera du nom d' "orphisme" ou de "cubisme orphique".

Au travers une conception théorique des couleurs que Robert étudie, et inspirée des travaux du chimiste Michel-Eugène Chevreul, il en arrive à la conclusion que la force de la lumière, son paradigme, son immatérialité, ne peuvent se représenter picturalement qu'au travers des couleurs. Sa méthode de représentation de la lumière, fut son principe artistique fondamental à partir de 1912, année où il publia " Lumière", un texte théorique qui eut une grande influence sur les artistes de son époque, et qui fut peu après, publié et traduit en allemand par Paul Klee.
Sonia, de son côté qui s'était faite connaître  en 1913 par l'illustration pour Blaise Cendrars de " La Prose du Transibérien", en partageant la démarche picturale de Robert, se consacre également à une carrière de créatrice de tissus, par des cartons sur lesquels sont assemblés des formes et des découpes de couleurs très vives inspirées des traditions de l'Ukraine où elle est née. Elle transpose de son côté le résultat de recherches sur la simultanéité des couleurs.
Cette exposition retrace ainsi la démarche créatrice commune de ces deux artistes à Paris, mais évoque également leurs sept années passées en Espagne et au Portugal,  et souligne le rôle essentiel, mais pas suffisamment reconnu en France, qu'ils ont eu l'un et l'autre dans le développement de l'art et de la peinture moderne.

Illustration : Sonia Delaunay : " Rythme couleur "  1969 Gouache sur papier 37,5 x 28,5 cm 
© Coll. Part. © ADAGP, Paris.

Dossier Delaunay

(LMDA)

PARIS : Galeries Nationales du Grand Palais
" Edouard Vuillard : Rétrospective "
Du 25 septembre au 04 janvier 2004

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Cette rétrospective est la plus grande exposition jamais consacrée à Edouard Vuillard (1868-1940 ). Après les expositions de Washington , et de Montréal , ce sont quelques 230 oeuvres qui sont présentées, à Paris, aux Galeries du Grand Palais dont une grande partie provient de collections particulières et n'ont jamais encore été vues par le grand public .

De nombreux tableaux, mais également des décors pour les intérieurs de maisons bourgeoises parisiennes, des photographies de ses proches que l’artiste réalisa à partir de 1897, des affiches et des cartons de décors de théâtre d’avant-garde sont également présentés et permettent de redécouvrir la diversité artistique du peintre.

Organisée chronologiquement, cette exposition donne au  visiteur la possibilité de découvrir l’oeuvre de Vuillard dans toute sa richesse. Grand admirateur des classiques - de Vermeer, Watteau et Chardin -, artiste inclassable comme son ami le peintre Pierre Bonnard, il s'est intéressé à tous les mouvements de son époque sans appartenir à aucune école, fauve ou cubiste comme ses contemporains Henri Matisse ou Pablo Picasso.

Au travers les petits formats aux constructions colorées proches des Nabis, jusqu’aux portraits des années trente dans lesquels il annoncait les thèmes favoris qui seront ceux
d' Edward Hopper plus tard, avec des scènes d' hommes et de femmes d’affaires dans leurs bureaux, Edouard Vuillard, homme renfermé apparaissait plutôt assez indifférent à son époque en réalisant ses scènes d'intérieurs qu'il affectionnait beaucoup.

Mais à partir de 1900, Edouard Vuillard avait un peu abandonné cette thématique, pour se consacrer à la découverte de la nature et des voyages. C'est ainsi qu'il avait découvert au travers un séjour en Suisse en particulier, sur les bordures du Rhin, et dans les campagne et les villages du canton de Vaud, de nouvelles sources d'inspiration au travers des paysages qu'il réalise alors dans de nombreux tableaux où les couleurs deviennent vives et les portraits plus lumineux dans leur univers familier.

Il renoue en peignant ces scènes d'extérieur, avec les années 1894, lorqu'il avait composé en particulier la fameuse série des neufs panneaux intitulés “Jardins Publics”, rassemblés d'ailleurs ici dans une seule salle pour la première fois depuis 1906.

Edouard Vuillard qui s'interresse très tôt à la photographie, prend également beaucoup de plaisir à réaliser des clichés qu'il prendra par centaines, dans sa famille, mais également en extérieur, lesquelles lui servent d'aide-mémoire pour la réalisation de certaines de ses toiles. Un certain nombre de ces photos sont donc présentées ici, avec notamment celles qui saisissent le visage de sa mère, dont il a peint souvent le portrait dans son atelier de couture ou les photos de ses amis Pierre Bonnard ou l'écrivain Tristan Bernard.

Cette imposante exposition s'attache à montrer ainsi une oeuvre beaucoup plus diversifiée et créatrice que celle que l'on retient communément de Vuillard, dont l'oeuvre intimiste domine il est vrai, et reste surtout célèbre pour ses scènes familiales où les personnages apparaissent comme figés dans des pièces lourdement décorées.

Illustration : Edouard Vuillard : " Sous les Arbres  " ( détail) - panneau de la série " Jardins Publics" 1894  - détrempe sur toile 212 x 96 cm - © Musée des Arts Cleveland © ADAGP, Paris.

PARIS : Musée de la Marine
" Les Génies de la Mer "
Du 5 février au 2 janvier 2004

Cette superbe exposition qui réunit un choix de de 77 œuvres puisées dans les collections du Musée National de la Marine, met en lumière le développement de la sculpture navale en France entre 1650 et 1850.
Elle permet de retracer l'évolution de cet art dans les ateliers navals et dans les arsenaux français et rend compte des étapes de la création dans les ateliers de sculpture, durant une période pendant laquelle tous les navires de guerre en bois étaient décorés de nombreux éléments d'ornementation, termes de poupes ou fronteaux de dunettes, et figures de proue. Des documents, archives et dessins du XVIème siècle sont également présentés.

Les artistes sculpteurs souvent à l'aide de simples dessins préparatoires, ou de figures en cire, réalisaient de riches décors comme en témoignent les élèments provenant des galères royales de Louis XIV, dont les 15 éléments provenant de la Réale de France (1694) .
Sur les vaisseaux, les ornements sculptés, d'abord exubérants à la fin du XVIIème siècle, deviennent plus sobres au fil des ans, par nécessité et par goût : le tableau   arrière disparaît progressivement, tandis que les figures de poupe se font moins imposantes, et que les figures de proue se transforment en bustes.
Installées à l'avant du bateau, face aux flots océan qu'elles pénètrent et dominent, les figures de proue deviennent alors l'emblème des vaisseaux dont elles constituent l'identité et l'élément décoratif essentiel en émergeance  au bout des lignes de fuite de l'étrave.
Les figures de proue sur  les grands voiliers en bois témoignent surtout de la valeur protectrice que lui accordaient les marins, confrontés aux incertitudes du voyage.
Les quatorze figures en cire, présentées également dont les plus anciennes datent des années 1750, apportent un témoignage exceptionnel à ce qu'était l'art de la céroplastie appliqué à la sculpture navale. Malgré leur fragilité, ces rares projets ont résisté au temps, tandis que nombre de figures de proue auxquelles elles ont servi de modèles ont disparu à jamais.

Des canots de prestige XVIIème siècle décorés de sculptures peintes ou dorées,   sont également présentés. Ces embarcations étaient d'usage dans les familles royales ou nobles, lors des fêtes nautiques données sur la Seine à Paris,  à Versailles, à Vaux le Vicomte sur les canaux.  Leurs décorations, et leurs sculptures, s' inspiraient  du répertoire mythologique et du bestiaire marin. Par la suite, ce types d'embarcation furent réservées aux différents chefs d'état pour leur permettre d'effectuer des visites ou des inspections dans les grands ports militaires.

Illustration :  Figure de proue - Personnage féminin XVIIIème ©

PARIS : Galerie nationale du Jeu de Paume
" Zao Wou-Ki : rétrospective"
Du 14 octobre au 07 décembre 2003

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C'est à une grande rétrospective consacrée au peintre Zao Wou-Ki, né le 13 février 1921 à Pékin , naturalisé français en 1964, que nous convie actuellement la Galerie du Jeu de Paume, avec la présence d'un centaine de toiles, pour certaines composées de tryptiques de grands formats, mais également des encres de chine, des aquarelles, en provenance pour la plupart de collections privées. Nombre de ces oeuvres sont présentées ici pour la première fois, dans une grande exposition à Paris dont la dernière qui lui était consacrée  remonte à plus de vingt ans.
Dans la cadre de la Galerie du Jeu de Paume qui rassemble l'une de ses dernières grandes expositions de peinture, avant de se voir transformée en Musée de la Photographie, les oeuvres toute en lumières de Zao Wou Ki présentées là donnent un relief tout particulier au lieu et à ses cimaises blanches, avant que ses fenêtres ne soient occultées pour les besoins de sa prochaine destination.

C'est en 1935 que Zao Wou-ki renonce à des études supérieures pour entrer à l'Ecole Nationale des Beaux Arts de Hang-Tchéou où il étudie la calligraphie, et l'art de l'encre de Chine, mais découvre la peinture occidentale par les peintures de Millet ou de Prudhon et s'interesse à la reproduction d'oeuvres des peintres impressionnistes français en s'essayant à la peinture à l'huile. En 1941, il parvient à réaliser une première exposition des ses oeuvres, faites d'arlequins à la manière de Picasso ou de Matisse .
Attiré par la peinture occidentale, et par la France en particulier, il décide après la guerre en février 1948 de quitter la Chine pour arriver à Paris et étudier Renoir, Matisse, Picasso et Modigliani pour lequel il a une admiration particulière. Nommé professeur de dessin à l'école des Beaux-Arts de Paris, en raison même de sa maîtrise des techniques traditionnelles chinoises, il entreprend peu après de voyager dans le midi de la France sur les traces de Cézanne, puis en Italie, en Espagne, aux Pays Bas, en Allemagne, pour y découvrir les oeuvres des maîtres occidentaux. Il découvre également Kandinsky, Paul Klee qui constituent pour lui les peintres qui lui permettent de concilier l'art asiatique de ses origines et l'art européen .
Henri Michaux et Vieira da Silva l'encouragent dans sa démarche et dans la réalisation de toiles telles que "Paysage avec des oiseaux", "Femme dans la forêt", "Paysage ou Femme endormie" qui soulignent déjà la délicatesse des tracés et l'attrait de la lumière.
Progressivement, l'artiste se libère de influences de la peinture figurative, mais également de l'influence de Klee, pour se consacrer à l'abstraction à partir de 1953. Parrallélement à ses recherches picturales, il s'interesse également à la musique et aux oeuvres de Debussy, Bartok, Satie et aux liens qui s'établissent selon lui entre les sons et la lumière.
Ses oeuvres prennent alors de l'ampleur, lors de sa séparation avec Lan-Lan en 1957, sa femme qu'il connait depuis l'âge de seize ans, pour devenir tempétueuses et sombres : " Avant l'Orage", "Foule Noire", " Montagne Déchirée". Il entreprend alors de voyager à nouveau, vers les Etats Unis, où il peint de grands formats avant que de rencontrer une jeune actrice chinoise Chan May-Kam avec qui il revient à Paris. Il noue des liens avec de nombreux artistes: Henri Michaux, Soulages, Hartung, Riopelle, Vieira da Silva et redécouvre ses véritables racines et ses sources d'inspiration qu 'il puise dans l'art asiatique. Des expositions sont organisées à Paris en 1960, puis en 1963 à la Galerie de France, mais également en Espagne où il reconnait son admiration pour Velasquez et Goya. Les expositions se multiplient en Europe, à partir de 1965, à l'Albertina de Vienne, en Autriche, en Allemagne, à Cologne, au Canada, en France, tandis que son oeuvre plus abstraite et reconnue par tous, s'inspire davantage de la spontanéité et du rythme de la calligraphie, dans laquelle se mêlent les différentes techniques et par quoi il se joue de l'encre, du lavis, du dessin, de la peinture à l'huile, de l'aquarelle, et des supports, le papier, la toile pour donner vie à la matière, au travers les traits, les points, les hachures, les frottis, les grains de ses empâtements.
Après le décés de May en 1972, il offre au Centre Pompidou " "En Mémoire de May" qui constitue l'une de ses oeuvres majeures. Il voyage au travers le monde, revient en Chine, jusqu'à la grande rétrospective qui lui est consacrée à Paris aux Galeries Nationales du Grand Palais en 1981. Il reprend à nouveau la réalisation de grands formats à partir de 1984, en voyageant régulièrement en Asie, au Japon, en Chine, pour créer en lui un lien permanent, entre l'Orient et l'Occident, qui lui est vital et nécessaire pour son inspiration
Zao Wou-Ki, internationalement récompensé, est élu à l'Académie des Beaux-Arts en 2002.
Il sera solennellement reçu sous la coupole de l'Institut le 26 novembre prochain.

Illustration : Zao Wou-Ki : " 13 -9 -73 "  1973 - Huile sur toile 200 x 162 cm
© Musée Ingres - Montauban © ADAGP, Paris

PARIS : Centre Georges Pompidou
" Jacques Henri Lartigue : l'album d'une vie"
Du 4 juin au 22 septembre 2003

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Né en 1894 dans une famille aisée, et fils de banquier Jacques Henri Lartigue se voit offrir son premier appareil photographique dès l'âge de sept ans. "Je vais tout photographier. Tout " avait-il dit alors.
Sa mère, sa tante, sa nourrice, ses cousins, son frère les jeux, les voyages , les vacances familiales en bord de mer sont les sujets de ses premières photos, mais aussi les voitures, les avions les planeurs, les courses de bobsleigh à roues, les  promenades en barque, les séjours à la montagne, et plus tard les portraits de Madeleine Messager, surnommée "Bibi", sa première épouse, mais aussi de Renée, de Coco, de Florette, de certaines élégantes du Bois de Boulogne, de ses amis Sacha Guitry et Yvonne Printemps, Denise Grey, Marlène Dietrich, mêlées à des photos du tournage de film, dont " Le Dieu du hasard" ou les  "Aventures du Roi Pausole" où il est l'assistant du metteur en scène, jusqu'à des travaux de commandes, dont le portrait officiel du Président Valery Giscard D'Estaing.

Jacques Henri Lartigue n'aura cessé de photographier, telle  pour lui une "manie", " une maladie" notera-t-il dans ces carnets, où il aura consigné soigneusement ses photos, mais aussi des croquis, des impressions, des histoires ou des petits événements du quotidien, comme un divertissement obsessionnel qui finira par lui apporter la célébrité à l'âge de 70 ans, par une exposition au Museum of Modern Art de New York en 1963, puis à Paris en 1975.

Cette exposition retrace ainsi de manière chronologique depuis 1902, l'enfance au Château familial de Rouzat dans le Puy-de-Dôme, les vacances à Pont-de l'Arche dans l'Eure, puis à Etretat, Trouville, Deauville, Villerville, jusqu'à sa mort en 1986 à Opio, les instants de bonheur vécu, au travers des extraits de son journal, des albums, et en 14.423 pages, qui remaniées sans cesse, constituent une mise en scène biographique et dévoilent le plus intime des autoportraits.

Des pages sombres existent aussi cependant chez Lartigue avec des photos des guerres, moments terribles qu'il ne préfére qu'évoquer, au travers des vues décrivant des scènes de liesse par exemple lors de la Libération de Paris. Des tirages anciens, et autochromes jamais exposés accompagnent également cette exposition, comme la nostagie d'un bonheur déjà lointain.

Illustration : Jacques -Henri Lartigue : " Houlgate - septembre 1919 " ©

PARIS : Musée Carnavalet
" Lucien Jonas et le décor mural "
Du 28 mai au 26 octobre 2003

"Figure du monde artistique des années 1920 et 1930, Lucien Jonas ( 1880-1947) étonna son époque par l'habileté de son crayon de dessinateur et celle de ses pinceaux de portraitiste et de décorateur mural. C'est ce dernier aspect qui est mis à l'honneur par l'exposition du Musée Carvavalet qui salue le don, par le fils de l'artiste, de près de 80 dessins de grands formats, préparatoires au décor disparu de la Salle des Fêtes de la Maison des centraux, et à ses projets pour le Foyer du Théâtre de la Cité, actuel Théâtre de la Ville.. le caractère virtuose de ses grandes feuilles colorées témoigne des splendeurs passées du style Art-Déco, dans une ville qui en fut le foyer.

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Natif du Nord de la France, Lucien Jonas ( 1880-1947) débuta dans un style réaliste assez sombre et acquit sa notoriété grâce à des scènes de la mine. Entraîné dans la vie parisienne, il étendit ensuite son activité au portrait officiel ou mondain et s'adonna au décor mural, genre qu'il avait pratiqué avec succès dans de nombreux  bâtiments publics de Valenciennes
( théâtre, musée, hôtel de ville, chambre de commerce, etc...) Victime du revirement de goût, il se consacra à la fin de sa vie au paysage parisien et balnéaire pour une clientèle d'amateurs.
Désireux d'assurer la conservation de la mémoire de son père, maître Jacques Jonas a récemment offert à Carnavalet un choix important d'oeuvres issues du fonds d'atelier. L'exposition célèbre cette donation exceptionnelle. Outre une dizaine de vues d'hôpitaux parisiens ( 1934) qui complétaient bien les collections topographiques du musée, ont été sélectionnées deux ensembles cohérents constitués au total de près de 80 dessins de grands formats.
Le plus important par le nombre illustre le décor disparu de la salle des fêtes et du restaurant de la Maison des Centraux, rue jean Goujon (1921). Mais au delà du caractère virtuose de ses grandes feuilles colorées, ces oeuvres témoignent d'un magnifique ensemble de style Art-Déco, dont on n'avait pas trace depuis sa malencontreuse destruction.
L'autre groupe de dessins concerne le concours de 1943, pour le décor du Foyer du Théâtre de la Cité, actuel Théâtre de la Ville, alors dirigé par Charles Dullin. Cette donation est  accompagnée par des photographies anciennes des décors et de documents architecturaux qui permettent de suivre leur réalisation.L'exposition présente ce fonds inédit centré sur l'activité parisienne de l'artiste, complété par le choix d'une trentaine de tableaux et de dessins issus de collections particulières. Cces derniers illustrent les autres grands chantiers décoratifs de Lucien Jonas, notamment dans le nord de la France, ainsi que des aspects variés de son oeuvre, des sujets miniers et de la guerre de 1914-1918, aux menus illustrés et aux maquettes de billets de banque."

Illustration : Lucien Jonas  - © Photothèque des Musées de la Ville de Paris © Jacques Jonas

PARIS : Musée du Louvre - Hall Napoléon
" Léonard de Vinci - Dessins et manuscrits"
Du 09 mai au 14 juillet 2003

Voici plus de cinquante ans qu'une exposition n'avait pas été consacrée en France à Léonard de Vinci  (1453 -1519), sans doute le plus grand génie de la Renaissance.
Ce sont cent trente dessins, dont quatre-vingt-huit de Léonard de Vinci, et douze manuscrits conservés à la bibliothèque de l'Institut de France prêtés pour la première fois depuis 1952,qui ont pu être réunis, dont quelques uns sont présentés pour la première fois dans une exposition à laquelle de nombreux musées, institutions ou collections particulières du monde entier ont participé. par le prêt de croquis, esquisses, schémas, ou pages de carnet, qui permettent de voir au plus près les traits réalisés par la main de ce grand génie. Des pages extraordinaires consacrées à l'architecture et à l'étude scientifique sont montrées également au public, aux côtés de portraits, de scènes de batailles ou d'études pour certains de ses tableaux les plus célèbres. Les dessins proviennent de la collection du Musée du Louvre (l'une des trois plus riches du monde) mais également des États-Unis, de Grande-Bretagne, d'Italie, d'Allemagne…

La présentation permet de retracer la vie, le parcours et l'oeuvre de Leonard de Vinci, né en 1453 dans la petite ville toscane de Vinci, non loin de Florence. Enfant naturel d'un notaire Piero de Vinci et de Caterina, une paysanne dont on ne conserve que le prénom, Léonard de Vinci décède en 1519 en France, où l'avait appelé François Ier.
Très tôt, le jeune Léonard qui montre de véritables dispositions pour le dessin. Réalisés de sa main gauche, il ne cesse de tracer, dessiner, de faire des esquisses, des croquis, qui montrent une immense capacité à l'observation. Toute sa vie, à la mine de plomb, au charbon, à la craie, à l'encre, il aura rempli des feuillets, des cahiers, des pages et des pages de dessins, accompagnés d'une écriture aux lignes serrées, écrites de droite à gauche.
Consacrés aux plantes, aux arbres, aux feuilles, aux animaux, aux chiens, chats, ours, chevaux, des folios entiers égalemnt sont consacrées aux armes, aux pointes de lance, aux épées de toutes formes, aux arcs, aux boucliers mais aussi aux engrenages, aux poulies, mais également aux schémas d'artillerie. 
En dehors de ses croquis techniques, Léonard réalise aussi des dessins d'anatomie, des études de musculture, sans notions autres que celles de l'observation, il dessine l' "Arbre des veines" qui montre l'emplacement du coeur, des poumons et des principales artères dans le  corps de l'homme. Il dessine égelement de nombreuses des études de visages, mais aussi des portraits aux délicats traits de Madone, jusqu'à des séries de portraits grotesques et de caricatures.
Aujourd'hui, il existe environ 4.000 dessins de sa main ou des ses élèves, très souvent de petites dimensions, mais il ne reste seulement que 15 toiles, dont la majorité se trouvent également au Musée du Louvre dont bien sûr " La Joconde", " La Vierge aux rochers, "La Belle Ferronnièrre, eu encore "Sainte Anne", " La Vierge et l'enfant", " Bacchus et St Jean Baptiste". Cette importante exposition montre pour le 550ème anniversaire de sa naissance, comment ont évolués ces centres d'intérêts, sa réflexion tout au long de sa vie, par rapport à son époque, et cette volonté quasi encyclopédique qui fut la sienne au travers son oeuvre.

Illustration : Léonard de Vinci : " L'Homme Vitruvien " vers 1490  Dessin ©  Academia Venise

PARIS : Musée du Louvre
" Michel - Ange : dessins du Louvre"
Du 26 mars au 30 juin 2003
>>>  prolongation jusqu'au 14 juillet 2003

Michel-Ange (1475-1564)  dessinateur, peintre, architecte, sculpteur, poète, né à Caprese, près d'Arezzo, en Italie, est l'un des plus grands artistes de la Renaissance.
Ses parents voulaient faire de lui un honorable commerçant, comme en comptait tant la ville de Florence sous le règne des Médicis.
De son vrai non Michelangello Buonarotti, il avait une admiration intense pour les peintres et les architectes qui décoraient alors Florence florissante, et il avait préféré entrer en apprentissage dans l'atelier du peintre Domenico Ghirlandajo plutôt que d'apprendre le métier du commerce. Très interessé surtout par la sculpture et les études anatomiques, et admiratif de la collection des statues antiques des Médicis, il se consacre plus au travail du marbre qu'à la peinture. En 1501, c'est la décoration du Conseil du Palazzo Vecchio, qui le fait connaître, puis la réalisation de la statue de "David" qui asseoit sa réputation.

Au fil de ses oeuvres toutes remplies d'une véritable énergie, il force l'admiration de ses contemporains, même lorsqu'il se consacre à la peinture, car il inaugure par son style, fait de couleurs vives et la présence de figures nues vigoureuses, une nouvelle manière de peindre qui marquera les arts du XVIème siècle et les siècles suivants. Un oeuvre telle que la "Sainte Famille", par exemple, montre tout ce qui le sépare de la représentation traditionnelle faite sur ce thème par les artistes antérieurs. La décoration à fresque de la Chapelle Sixtine à Rome en 1508, avec ses différents tableaux figurant les scènes bibliques et illustrant l'histoire de l'humanité fera l'objet d'un scandale durant des décennies, pour avoir représenté des corps nus sur la voûte de la Chapelle Pontificale, mais ses autres réalisations, comme le tombeau de Jules II, la façade de l'Eglise deSan Lorenzo, puis " Le Jugement dernier" fait à la demande du Pape Paul III au dessus de l'autel de la Sixtine en 1536, consacrera totalement son oeuvre aux yeux de ses contemporains, par sa représentation d'une vision apocalyptique du monde témoignant d'une profonde crise religieuse. C'est une période où Michel-Ange réalise de nombreux dessins à sujets religieux qui montent l'évolution de ses propres méditations, avant qu'il ne se consacre presque totalement à une oeuvre d'architecte qui lui fera réaliser l'Eglise Saint-Pierre, le Capitole, le Palais Farnèse, ou encore l'Eglise San Giovanni dei Fiorentini.
Michel-Ange suscite encore aujourd'hui l'admiration et les éloges par une oeuvre grandiose qui tout au long de sa vie  a été soutenue par un travail très exigeant de dessinateur. Selon les spécialistes de Michel-Ange ce sont près de six cents dessins autographes qui subsisteraient aujourd'hui, au travers les divers musées et collections dans le monde.
Le Musée du Louvre, pour sa part, conserve plus d'une quarantaine de feuilles originales. Celles ci qui n'ont jamais été présentées ensemble depuis 1975, sont proposées au public dans cette exposition à à l'occasion de la parution du catalogue raisonné rédigé par le professeur Paul Joannides, de l'Université de Cambridge.

Illustration : Michel-Ange : " Résurrection" - dessin  © Musée du Louvre
(LMDA)

PARIS : Centre Pompidou
" Nicolas de Staël "
Du 12 mars au 30 juin 2003

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En dehors d'une exposition à la Fondation Maeght, à Saint-Paul-de-Vence en 1991, et à l'Hôtel de Ville de Paris en 1994, il n'y avait pas eu de grande rétrospective en France depuis  plus de 22 ans, consacrée à Nicolas de Staël (1914-1955), le peintre du désespor qui voulait "fréquenter les nuages".
Avec la présentation de 220 oeuvres majeures, dont 135 peintures et 80 dessins en provenance de musées et de collections françaises et étrangères, de nombreux livres illustrés, des gravures et des documents inédits, cette exposition retrace l'itinéraire de l'artiste partagé entre l 'abstraction et la figuration, qui a 41 ans en pleine gloire, le 16 mars 1955, se jette par la fenêtre de son atelier au pied des remparts d'Antibes.

Nicolas de Staël né à Saint-Petersbourg en 1914 et jusqu'à son suicide, n'a conservé de son ascendance slave que le romantisme et le désespoir. Proche du Tsar, son père est vice-gouverneur de la forteresse Pierre-et-Paul. La révolution russe de 1917 contraint sa famille à s'exiler en Pologne, où meurent ses parents. Orphelin, il est recueilli par un couple russe de Bruxelles. A 16 ans, inscrit à l'Académie Royale des Beaux-Arts il est fasciné par la découverte des oeuvres de Rembrandt et de Vermeer. Arrivé en France en 1919, il découvre Matisse, Braque, Soutine, Cézanne, et voyage en Espagne, en Italie, en Algérie et au Maroc.
En 1939, il s'engage dans la Légion Etrangère et arrive au début des années 1940, à Nice avec sa compagne, Jeanine, rencontrée au Maroc. Il rencontre là Jean Arp, Sonia et Robert Delaunay,  Alberto Magnelli, et sous leur influence, peint ses premières toiles abstraites qu'il baptise "Compositions".
En 1943, il arrive à Paris, où il fait la connaissance de César Domela, unautre peintre de l'abstraction. C'est une période difficile. Il souffre de la faim et du froid et doit brûler les boiseries de son appartement pour se chauffer. Jeanine sa compagne meurt de cette misère, mais il continue à peindre, quelques oeuvres figuratives, mais aussin des oeuvres abastraites au besoin sur les draps de son lit, qui montrent l'influence sur lui de Magnelli et de Domela. La Galerie Jeanne Bucher accepte en 1944 de l'exposer, en pleine occupation allemande, alors que les nazis qualifient l'abstraction d' "art dégénéré".
Il continue néanmoins de travailler avec acharnement assailli en permanence par le doute, tiraillé entre l'illumination et le désespoir. Il se tourne de plus en plus vers l'abstraction, et ses oeuvres constituées d'un enchevêtrement de lignes et d'arabesques, révèlent une palette pétrie d'angoisse. 
Il passe un tournant entre 1950 et 1952, et se lance dans la composition de paysages, de natures mortes selon une approche de la réalité résolument nouvelle, sans doute sous l'influence de Braque, de Lapicque ou de Lanskoy. Il simplifie ses compositions, éclaircit sa palette, la peinture prend de la matière avec de larges à-plats, au couteau ou à la spatule. De ses tableaux émergent alors la couleur, la lumière, la vie, l'espace.
Il décide de retrouver alors la lumière du Midi, et s'installe à Antibes, à l'automne 1954, dans un atelier ouvert sur la mer. En six mois, il réalise, solitaire, plus de 300 toiles, aux thèmes variés, des natures mortes, des paysages, des scènes sur le port, un bateau, un vol de mouettes, une carafe sur une étagère. Sa peinture, qu'il applique alors au coton, apparaît de plus en plus transparente et fluide. "Je n'ai plus la force de parachever mes tableaux", écrit-il alors. C'est au pied  du fort Vauban au Cap d'Antibes que s'achève le 16 mars 1955 son parcours. Une immense toile qu'il n'a pas achevée, " Le Grand concert" reste orpheline ce jour là.

Toute l'œuvre de Nicolas de Staël s'est développée en un temps très court d'une douzaine d'année à partir de 1940, et c'est plus de mille toiles qu'il a peint pendant cette période, dans une violence de création et une passion rares caractérisées par l'antinomie constante entre l'expression figurative et l'abstraction. La  forte personnalité du peintre alliée à l' intelligence aiguë de son art et la perception particulière qu'il a de la  lumière et de l'espace  l'ont amené à réaliser une œuvre clé de l'histoire de l'art contemporain. Ses œuvres sont l'expression d'une passion permanente, et d'une simple relation du peintre avec ce qu'il voit : l'espace et la couleur sont les dominantes constantes de son art.
L'œuvre de Nicolas de Staël appartient à un registre élevé dans lequel s'exprime le passionnel et le lyrisme comme si le destin lui avait imposé tout au long de sa vie une trajectoire pour faire naître un nouveau rapport esthétique avec le réel.
Nicolas de Staël, au travers sa peinture, recherchait l'absolu.
"Toute ma vie, j'ai eu besoin de penser peinture, de voir des tableaux, de faire de la peinture pour m'aider à vivre, pour me libérer de mes impressions, de toutes les sensations, de toutes les inquiétudes auxquelles je n'ai trouvé d'autre issue que la peinture."

lIlustration : Nicolas  de Staël : " Figures au Bord de la mer "  1952 Huile sur toile 161,5 x129,5 cm
© Kunstsammlung Nordhrein Westfalen - © ADAGP, Paris.

Dossier -Pour en savoir plus

Les Billets d'Humeur de C. Ronsmans

(LMDA)

Actuellement

PARIS : Musée du Luxembourg
" L'aventure de Pont-Aven et Gauguin "
Jusqu'au 26 juin 2003

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C'est à partir des années 1860, que le petit village breton de Pont-Aven se fait connaître, avec la présence de plus en plus fréquente de peintres et d'artistes étrangers, mais aussi français, tous autant attiré par le charme, la lumière et l'exotisme de la Bretagne, que par la recherche de nouveaux motifs d'inspiration dans les paysages et dans les modes de vie simple des habitants à l'époque dans cette région.
C'est en juillet 1886, après un voyage au Danemark, que Paul Gauguin (1848-1903 ) découvre à son tour Pont-Aven, et le village du Pouldu, attiré par la réputation de la région, dans lequel résident déjà régulièrement près d'un centaine de peintre durant les beaux jours chaque année, accueillis chez l'habitant ou répartis entre les diverses auberges et hôtels des environs. Il y rencontre des artistes tels Charles Laval, Henri Delavallée avec lesquels il se lie d'amitié, et partage une vision impressionniste de la peinture.

ll revient à Pont-Aven en début 1888, date à laquelle, il écrit à un ami, Emile Schuffenecker : " J'aime la Bretagne. J'y trouve le sauvage, le primitif. Quand mes sabots résonnent sur le sol de granit, j'entends le ton sourd, mat et puissant que je cherche en peinture".
C'est durant l'été de la même année qu'il rencontre Emile Bernard, période charnière et décisive dans l'oeuvre de Gauguin, avec lequel il travaille et invente une technique baptisée  le "synthétisme". Il s'agit de traiter les sujets de manière à ne pas s'en tenir à la simple reproduction détaillée des paysages ou des personnages, mais de peindre de mémoire, pour ne retenir que l'essentiel des scènes selon un assemblage de couleurs posées par aplats, sans convention de composition ou de perspective. C'est un traitement symbolique du thème dans une nouvelle expression esthétique qui est recherchée.
Une oeuvre telle que " La Vision du Sermon" concrétise cette période essentielle dans son oeuvre et qui sera l’une des premières étapes de la naissance de ce que l’on appellera ensuite "l’ art moderne".
Ce mode de travail séduira immédiatement de jeunes peintres tels que Jourdan, Charles Filiger, ou d’autres qui feront évoluer ces recherches, comme Henry Moret, Chamaillard ou Maufra, ou encore Lacombe et Paul Sérusier, lesquels donneront naissance peu après au Groupe de Nabis.
Paul Gauguin reviendra encore en 1889 et 1890, puis une dernière fois en 1894, non pas à Pont-Aven, trop fréquenté pour lui, mais dans le village plus retiré en bord de mer du Pouldu, où il s'installera dans l'auberge de Marie Henry, dont il décorera la salle à manger.
"L'Ecole de Pont-Aven " qualifiera l'ensemble des peintres qui auront fréquentés Paul Gauguin sur place à cette époque où qui auront été influencés par ses recherches, avant qu'il ne parte pour l'Océanie en 1895.
Cette exposition, organisée dans le cadre du centenaire de la mort de Paul Gauguin, est la plus imortante jamais réalisée sur ce thème. Ce sont en effet 82 peintures qui sont présentées ici, de Paul Gauguin et d'artistes de Pont-Aven accompagnées de 26 dessins, afin de mieux percevoir sa démarche créatrice et celle des différents artistes qui l'auront cotoyé. Des estampes montrent également le talent de certains graveurs comme Seguin, Delavallée, O’Conor ou Maufra dans l’application en gravure des innovations de Paul Gauguin et d'Emile Bernard. Des céramiques, des sculptures des meubles sculptés par Gauguin lui même, illustrent l'influence qu'il aura eu également dans les diverses recherches d' artistes tels par exemple  Lacombe ou Ernest Ponthier de Chamaillard.

Illustration : Paul Gauguin : " La Vision du Sermon ou La Lutte de Jacob avec l'Ange "  1888 - Huile sur toile
73 x 92 cm © National Gallery of Scotland - Edimbourg

PARIS : Galeries Nationales du Grand Palais
" Chagall connu et inconnu "
Du 14 mars au 23 juin 2003

Les Galeries Nationales du Grand Palais, réunit pour la première fois depuis 1969 une grande rétrospective retraçant toute l'oeuvre de Marc Chagall (1887-1984), à la fois pour le meilleur de son oeuvre, celle des jeunes années, et pour la partie plus académique à partir de 1925, mieux connue du large public .
Au travers la présentation de quelques 180 oeuvres, dont 75 peintures, l'exposition   montre selon un parcours chronologique les 70 ans de création de l'artiste, depuis ses premièrs tableaux de 1908, jusqu'aux derniers réalisés en 1985. Selon cinq étapes,   les Années russes, le Théâtre juif, la Galerie des Fables, la Bible, et les Années françaises, le visiteur découvre comment Marc Chagall a évolué tout au long du XXème siècle auprès des grands mouvements artistiques sans s'y impliquer, et surtout en construisant une oeuvre originale dans l'ensemble de l'art moderne, aux antipodes de l'abstraction dans laquelle se sont engagés ses amis russes tel par exemple Malevitch ou Lissitzky.

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Né dans une famille pauvre de neuf enfants dans la ville de Vitebsk en Russie et élevé selon dans la tradition d'un judaïsme orthodoxe, il est imprégné par la règle de l'interdiction de la représentation, inscrite dans la Loi juive. Marc Chagall qui s'intéresse à la peinture, part à Saint-Pétersbourg où il suit des cours dans divers ateliers, dont ceux de Léon Bakst dans lesquels l'influence de la modernité française domine. Dès ses premières oeuvres, Marc Chagall mêle le modernisme à une certaine tradition russe teintée de thèmes propres à ses racines juives.
En 1909, il rencontre alors sa muse, Bella Rosenfeld, qu'il épousera six ans plus tard.
Venu à Paris pour voir de plus près le modernisme, il s'installe à la Ruche et peint sous l'influence de l'impressionnisme des oeuvres telles que "Le Poète aux oiseaux", en 1911, tout en s'interessant également au fauvisme et au cubisme. Il se noue d'amitié avec ses compatriotes Archipenko, Soutine, Zadkine, mais aussi avec Fernand Léger, Delaunay,  Modigliani. Des oeuvres telles que" Autoportrait aux sept doigts," A la Russie, aux ânes et aux autres", "Maternité", "Golgotha" réalisées en 1911, ou  telle "Adam et Eve", de 1912, témoignent de la croisée de ces diverses influences, mêlant la modernité à l'académisme, l'attrait pour l'époque et la tradition, l'homme et l'animal, et montrent la richesse de son imaginaire où se mêlent sur des fonds flamboyants, le lyrisme et l'allégorie.
Il repart à Vitebsk, et y épouse Bella Rosenfeld en 1915. C'est l'époque où il peint des oeuvres telles que "La Promenade" en 1917,  "Bella au col blanc" ou " Au dessus de Vitebsk" en 1922 qui sont autant d' évocations du bonheur, et qui achève la période probablement la plus riche et la plus inventive de son oeuvre.
Les changements que semble vouloir apporter la Révolution Russe de 1917, l'enthousiasment, et nommé Commissaire des Beaux Arts, il organise la décoration de sa ville de Vitebsk en octobre 1918, en peignant de nombreuses banderolles pour faire descendre selon lui l'art dans la rue. Il se sépare cependant de ses amis Lissitzky et Malevitch, dont il condamne le dogmatisme suprématiste et l'abstraction qui selon lui, ne traduisent aucun rêve, aucune magie.
Après une période marquée par les décors du " Théâtre Juif" de Moscou, il quitte la Russie pour aller vivre à Berlin, puis à Paris, où son ami Blaise Cendrars lui demande de revenir . Il se lance alors, à partir de 1925 dans une série d'illustration des Fables de La Fontaine, à la demande du marchand de tableaux Ambroise Vollard.
En 1931, celui-ci lui demande aussi de travailler à une illustration de la Bible et en particulier de l'Ancien testament. Chagall se rend alors en Palestine, puis visite l'Egypte et revient avec matière à poursuivre une oeuvre totalement hors du courant moderniste. Des oeuvres telles que " Moïse reçoit les Tables de la Loi" de 1931,
"Les Trois anges reçus par Abraham" ou plus tard "L'ange à la palette", de 1936, dans lequel les références sont multiples, traduisent chez lui une conception de l'art comme porteur d'une "promesse de bonheur" pour les hommes, et d'une dimension messianique dont il ne se séparera plus. Des oeuvres telles que la "Crucifixion Blanche de 1938, " La Guerre" de 1964 à 1966 ,
"La Vie" de 1964, présentes également dans cette exposition, sont autant de fresques allégoriques dans lesquelles cette dimension religieuse ne se sépare plus de la teneur onirique et poétique du peintre, mais sans l'inventivité de la période des années qui aura précédé son retour en France à partir de 1925

Illustration : Marc Chagall  : " Clown à l'âne"  1927 - Gouache sur papier 62,5 x 48,5 cm
© Coll. Part. © ADAGP, Paris.

PARIS : Musée Jacquemart- André
" De Caillebotte à Picasso"
Du 15 octobre au 15 juin 2003

Le Musée Jacquemart-André rassemble dans ses murs et pour la première fois à Paris, 85 chefs-d'oeuvre de la collection Oscar Ghez, en une exposition exceptionnelle qui permet de retrouver tous les grands courants artistiques de la peinture entre 1870 et 1950, dans la capitale des arts que fut Paris durant cette période.
Le collectionneur Oscar Ghez a voulu par son goût et ses choix surtout privilégier les oeuvres des peintres liés au  néo-impres- sionnisme, au fauvisme, et au cubisme, qui au travers de l'Ecole de Paris, ont contribués à l'écriture d'une page essentielle de l'histoire de l'art au XXème siècle, et de l'histoire de l'art dans son ensemble.

Avec des artistes présents tels que Renoir, Manet, Gauguin, Van Dongen, de Chirico, Utrillo, Soutine, Derain, Kisling, Foujita, Chagall, depuis Caillebotte et jusqu'à Picasso, c'est toute l'évolution artistique menant à l'expression de l'art moderne qui est représentée ici et développée sous un jour particulier.

Illustration : Affiche exposition : De Caillebotte à Picasso - Musée Jacquemart-André  Paris

PARIS : Musée d'Histoire Contemporaine
" No pasaran, images de la Guerre d'Espagne"
Du 27 mars au 14 juin 2003

L'histoire de la Guerre Civile Espagnole est celle d'une tragédie dans l'histoire européenne. L'avènement de la République en 1932 destitue le roi Alphonse XIII et plonge l'Espagne dans un combat entre les forces de gauche et les Phalangistes. En 1934, le Général Franco réprime les grèves et les soulèvements populaires dans les Asturies.
La victoire du Front Populaire en février 1936 accentue les tensions entre les différentes forces, tandis que l'armée et les garnisons espagnoles du Maroc, s'élèvent contre la République.
En réaction, à Madrid, et à Barcelone, le peuple prend les armes et forme des milices sous la direction des syndicats et des partis. Dans les faubourgs, des exilés antifascistes rejoignent les milices. Se forment à la hâte les centuries Thaelmann, Gastone-Sozzi et Commune-de-Paris, tandis que André Malraux fonde l'escadrille España. A l'opposé, les Phalangistes obtiennent l'aide militaire de Mussolini et de Hitler, tandis que la nouvelle République Espagnole demande en vain le soutien des démocraties occidentales qui décident la non-intervention.

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En France, au Mexique, en Hongrie se manifestent des  mouvements de solidarité enfaveur des Républicains espagnols.. En septembre 1936, l'Internationale Communiste (le Komintern), décide de procéder à l'enrôlement de volontaires dans le monde entier, qui arriveront à la mi-octobre en Espagne pour former les Brigades Internationales. Ce sont ainsi près de 35 000 militants ou sympathisants, anciens combattants, aventuriers, ouvriers, juifs de Palestine ou de Varsovie, Albanais, Algériens, dockers new-yorkais, médecins, infirmières, des humanistes, des communistes, des socialistes, des anarchistes qui se rassemblent en forme de solidarité dans un élan fraternel unique contre Franco. C'est le commencement de la Guerre Civile.
Le photo journalisme, est alors en plein essor. Des reporters, des photographes, affluent en Espagne pour les journaux du monde entier, les agences, et des cinéastes viennent sur place filmer les événements.
À Paris, le journal "Ce Soir" est lancé par le PCF et soutenu par le gouvernement espagnol. Le journal "Paris-Match" est créé. Des publications et des livres paraissent en nombre.
Robert Capa, parmi le nombre des photographes, prend des clichés très forts qui marquent et symbolisent à eux seuls la guerre civile espagnole. La plus célèbre de ses photos est celle de ce républicain près de Cerro Muriano, le 5 septembre 1936, qui en pleine course et dévalant une pente est foudroyé par une balle. Aux côtés de Robert Capa, sa compagne allemande Gerda Pohorylles, dite Taro, est tuée en juillet 1937 durant la bataille de Brunete.
Autant d'images de la guerre, dont on souhaite vainement à chaque fois qu'elle soit vraiment la dernière.

Illustration : Robert Capa : " Mort d'un militant de la CNT , près de Cordoue, à Cerro Muriano le 5 septembre 1936   " - Photo 
© Cornell Capa -Magnum

PARIS : Galerie Nationale du Jeu de Paume
" René Magritte"
Du 11 février au 09 juin 2003

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Cette importante rétrospective consacrée à René Magritte (1898-1967) , le chef de file des surréalistes belges retrace les différentes étapes de l'évolution du peintre depuis sa première période surréaliste des années 1925-1926, en passant par la période de relation aux images et aux mots de 1927 à 1930, puis à celle de la période de Bruxelles, où il cherche à amplifier le mystérieux dans son oeuvre.
Depuis la rétrospective Magritte organisée pour le centenaire de sa naissance par les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles en 1998, il n'y avait pas eu d'exposition de cette importance. Ce sont en effet quelques 150 peintures, dessins, sculptures, collages et photographies qui sont rassemblés, selon un parcours chronologique, donnant une priorité cependant à la logique conceptuelle de l'oeuvre qui met l'accent sur l'interaction entre le sens, l'image, la peinture et la réflexion sur le visuel de l'art.

Cette peinture " innommable", comme le dit le Commissaire de l'exposition, définit une oeuvre singulière, chez cet artiste, composée de rapports incongrus, inattendus, interrogateurs entre les objets ou les concepts, au travers des toiles célèbres qui provoquent toutes un étonnement visuel.
"Le Viol" et "L'Evidence éternelle", "La Lectrice soumise", "Le Fils de l'homme", " Le faux-miroir", " Le Modèle rouge", "l'Homme au Chapeau melon", "Ceci n'est pas une pipe", sont des oeuvres inscrites dans notre mémoire, pour avoir été vues, de multiples fois, mais sont surtout une réflexion qui interrogent par une dimension supplémentaire aux oeuvres, ce qu'est la représentation, ce qu'est la perception, le langage, le sens, le signifiant et le signifié, pour apparaître comme des supports de la pensée.
L'influence de Magritte, qui fut sans doute l'un des plus grands peintres du XXème siècle, est manifeste sur le pop art des années 60 et sur Andy Warhol, mais également sur des artistes tels que Jasper Johns pour " False Start, de 1959, Joseph Kosuth pour " One and Three Chairs" de 1965 ou d'autres.

lllustration : René Magritte : "La Mémoire " -1938- Huile sur toile 72,5 x 54 cm © Coll. Part. Houston

Les Billets d'Humeur de C. Ronsmans

(LMDA)

PARIS : Institut Néerlandais
" De Watteau à Ingres
Dessins français du XVIIIe siècle du Rijksmuseum
d' Amsterdam "
Jusqu'au 18 mai 2003

La très belle collection de dessins français du Rijksmuseum d'Amsterdam reste peu connue du grand public. Un choix des plus belles feuilles du XVIII^ème siècle est actuellement présenté à l'Institut Néerlandais à Paris. Presque tous les grands artistes de cette période sont représentés par une ou plusieurs œuvres. La sélection comprend également des projets décoratifs ou préparant des livres illustrés.
D'Antoine Watteau ( 1684 -1721 ), huit feuilles sont présentées, parmi lesquelles quelques-unes de ses fameuses études de figures à trois crayons. Parmi les douze dessins de François Boucher figurent également quelques très belles études, ainsi qu'un paysage d'un état de conservation remarquable. A côté des réunions galantes situées dans des parcs et des jardins qui ont fait la gloire de Jean-Honoré Fragonard, on trouve le seul carnet d'esquisses de l'artiste préservé dans son état d'origine.

Parmi les autres artistes présentés, on notera les noms de Charles-Joseph Natoire, Jean-Baptiste Oudry, Hubert Robert, Jean-Baptiste Greuze ou Gabriel de Saint-Aubin. Des feuilles de Pierre-Paul Prud'hon, Anne-Louis Girodet et Jean-Auguste Dominique Ingres, datant des premières années du XIX^ème siècle, clôturent le parcours de l'exposition.

L'exposition a été présentée en 2002-2003 au Rijksprentenkabinet à Amsterdam. A Paris, les dessins sont montés dans des cadres anciens provenant de la collection du Rijksmuseum et de la Collection Frits Lugt. A cette occasion, le catalogue de l'exposition, rédigé par Robert-Jan te Rijdt, conservateur au Rijksmuseum, paraîtra en traduction française.

Illustration : Jean-Antoine Watteau : "Deux études d’une femme assise " - Sanguine sur papier crème,
202 x 340 mm © Rijksmuseum, Amsterdam

(Communiqué Institut Néerlandais)

PARIS : Musée d'Art Moderne
" Kasimir Malévitch "
Du 30 janvier au  27 avril 2003

Kasimir Malevitch (1878-1935), inspiré tout d'abord par les grands courants européens, du début du XXème siècle, l'impressionisme, le fauvisme, le cubisme, puis pionnier de l'abstraction  n'a eu de cesse dans sa démarche que de trouver l'harmonie suprême de la peinture pure, qui le fit aboutir à des formes géométriques de couleur sur fond blanc, puis ses "noir sur noir ", ses "blanc sur blanc ", mêlant la forme et l'espace.
Cette exposition permet de suivre le cheminement de sa pensée et de ses recherches, depuis la figuration jusqu'à l'absence de figuration, jusqu'à l'état de forme "zéro".
Depuis sa période impressionniste, avec " Femme au journal" réalisé en 1906, en passant par le fauvisme mêlé de néo-primitivisme russe, avec " Les Frotteurs de parquet", puis par le cubisme avec " Le Bûcheron" en 1912, Kasimir Malevitch glisse lentement vers l'absence de figuration qu'il baptisera "le suprématisme " dans une fusion de l'objet dans l'espace, jusqu'à un " monde sans objet ".

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Au travers son itinéraire, on peu reconnaître à ses débuts l'influence de Paul Cézanne, puis de Fernand Léger, mais Malevitch, après une période cubiste, puis  futuriste, en 1915  franchit le pas en exposant à Pétrograd, des tableaux totalement abstraits aux figures géométriques, dont le fameux " Carré noir sur fond blanc" et 37 autres oeuvres abstraites qu'il qualifie de " nouveau réalisme pictural" dans le "Manifeste du Suprématisme" qu'il fait paraître en même temps.
En 1927, il est invité en Allemagne, pour présenter son oeuvre avec 70 toiles et de nombreux dessins, qu'il confie sur place à un ami architecte, alors qu'il est rappelé à revenir en URSS, par le régime soviétique. On lui demande d'en revenir à une peinture figurative, correspondant aux exigences des réalités de son pays, en contrepartie de quoi il est nommé professeur à l'Institut d'Art de Léningrad, puis à l'Académie des Beaux Arts de Moscou. Interdit de quitter le pays, il est convié à participer à la politique d'un retour à l'académisme voulu par le régime. C'est ainsi qu'il peint alors des oeuvres figuratives, telle que "l''Homme qui court" peint en 1930, et qu'il réalisera des tableaux antidatés pour se protéger des tracasseries policières, et des portraits de famille avant que de mourir d'un cancer en mai 1935, sans avoir pu repartir.
Ce sont quelques unes des toiles présentées à Berlin en 1927, par Malévitch, et rachetées en 1950 par le Musée Stedelijk d'Amsterdam que l'on peut redécouvrir dans cette exposition.
En 24 peintures et quelques 50 dessins allant de l'impressionnisme au fameux suprématisme, le circuit se clôt par les oeuvres graphiques de la période post-suprématiste de cet artiste qui fut l'un des théoriciens majeurs de l'art du XXème siècle.

Illustration : Kasimir Malevtich : " Le Bûcheron " 1912  Huile sur toile 95 x 71  cm
© Stedelijk Museum  Amsterdam © ADAGP, Paris.

PARIS : Crypte du Parvis de Notre Dame
" Le Parvis de Notre Dame, archéologie et histoire "
Du 11 octobre au 27 avril 2003

Le Parvis de Notre Dame constitue l'un des sites archéologiques majeurs de Paris. Non seulement parcequ'il est implanté devant la cathédrale, mais surtout parcequ'il correspond au site primitif de l'Ile de la Cité. Il n' est pas étonnant que les savants et les archéologues se soient interressés à ce lieu fondateur de la capitale.
Ainsi dès 1624, des travaux permettent de découvrir en place des colonnes en marbre qui seront ensuite utilisées pour la décoration de la salle de bain de Marie de Médicis au Louvre. En 1710, des éléments de piliers des Nautes sont également découverts sous le choeur de la cathédrale. C'est en 1847 qu'une grande campagne de fouille est menée sur la partie est du parvis par Théodore Vacquer, qui découvre entre autres vestiges les restes d'une basilique attribuée à Childebert, l'un des fils de Clovis.
En 1965, une autre campagne de fouille est entreprise par Michel Fleury, face à la cathédrale qui permet de mettre au jour en 1970 une crypte archéologique.

Ces différentes découvertes qui sont autant de bribes éparses de l'histoire de la capitale, font l'objet de cette exposition, dont le but est de donner un sens à l'ensemble de celles-ci, en les rattachant à la genèse de Paris.
On découvre ainsi les grandes évolutions du parvis et son histoire, depuis sa création attestée en 1163,  jusqu'aux travaux d'Hausmann, et le récit détaillé de ces différentes fouilles, selon une présentation par périodes : depuis le Haut-Empire, en passant par le haut Moyen-Age, le Moyen-Age classique jusqu'à l'époque moderne, et à l'aménagement de la crypte en 1972.

Illustration :  Parvis de Notre-Dame en 1867 - Photo de A. Richebourg 
© Bibliothèque Historique de la Ville de Paris

PARIS : Bibliothèque Nationale de France
" Zola " et " Au Bonheur des Dames "
Du 18 octobre au 13 avril  2003 pour
"Au Bonheur des Dames"

La Bibliothèque Nationale de France retrace, à l'occasion du centenaire de la mort d'Emile Zola (1840-1902), tout ce que fût le parcours biographiqe, littéraire, et historique du grand écrivain français dans une exposition présentée à la Grande Galerie.
Plus de 400 pièces, composées, de manusctits, de livres, de tableaux, de photographies retracent la richesse, la diversité, l'engagement aussi d'Emile Zola dans son époque, et soulignent la particularité du regard, de la culture et des idées du grand écrivain naturaliste qu'il fût.
La visite se déroule en  trois étapes : " Ecrire ou le temps de l'apprentissage sous le Second Empire : 1858-1871",  puis "Décrire ou le temps de l'analyse  : 1891-1897 " période où Zola écrit les "Rougon-Macquart", et enfin "Dire, ou le temps de l'utopie, et l'Affaire Dreyfus : 1898-1902", avec la célèbre lettre au Président de la République : "J'Accuse" dans le Journal l'Aurore du 13 janvier 1898 .

Parallèlement, à la Petite Galerie, une exposition autour de l'oeuvre de Zola, "Au Bonheur des Dames" écrite en 1883, est présentée, à partir des documents et des manuscrits que Zola a laissé pour la préparation de ce roman. Ceux ci permettent ainsi de mieux appréhender et de mieux comprendre la relation entre les réalités de son époque et  le contenu de la fiction romanesque. C'est ainsi que sont mis en perspective, le temps lié à l'histoire du moment, le temps de l'écriture, et celui de la fiction.
C'est en effet l'époque de la transformation de Paris, avec les travaux d'Haussmann qui recomposent le visage de la capitale avec des architectures nouvelles et monumentales, c'est le plein développement des manufactures et des grands magasins avec pour conséquences toutes les mutations humaines et économiques du Second Empire, qui donnent   tous les ingrédients d'un contexte social explosif. Cette exposition à vocation pédagogique, est également illustrée de nombreux documents, dossiers, et journaux de cette fin de XIXème siècle.

Illustration : Journal l'Aurore : Emile Zola : " J'Accuse. Lettre au Président de la République"  - 13 janvier 1898 -
© Bibliothèque Nationale

PARIS : Centre Georges Pompidou -
Galerie d'Art Graphique
" Otto Dix, dessins "
Du 15 janvier au 31 mars 2003

Une centaine de dessins du peintre allemand Otto Dix (1891-1969), réalisés pendant la période entre les deux guerres contribuent dans cette exposition de la Galerie d'Art Graphique du Centre Pompidou, à la reconnaissance de l'oeuvre de cet artiste majeur de l'expressionisme.
On ne connaisait essentiellement en France qu'une période très courte du travail d'Otto Dix, allant des années d'après la Grande Guerre  de 1919 à 1926, et correspondant à la "Nouvelle Objectivité" sous la République de Weimar.
Engagé volontaire dans l'artillerie, Otto dix a vécu la guerre sur le front en Belgique et en France, mais cette expérience hantera ensuite toute sa vie.
Ayant dessiné les horreurs de la guerre sur le terrain, avec près de 600 dessins réalisés entre 1915 et 1918, son inspiration  et ses compositions réalisées plus tard en peinture sont habitées par la vision des soldats et des carnages. " La Tranchée " qu'il réalise en 1920, représente les soldats dans la boue des tranchées, et constitue partout où elle est exposée un plaidoyer contre la guerre. En 1924, sous le titre " La guerre", il réalise une série de dessins, qui retrace les horreurs qu'il a vécues

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Il lui arrive aussi de peindre des portraits ou des autoportraits, mais aussi des nus en cherchant à utiliser des techniques différentes. Mais ses modèles féminins s'inscrivent dans la suite des nudités peintes par Lucas Cranach, avec des corps de vierges, des corps de vieilles, des corps de femmes enceintes. Influencé par Dürer, et la peinture médiévale, il réalise " une Mélancolie", puis " Vanitas" en 1930, et à nouveau en 1932, un quadryptique intitulé " La Guerre", comme une prémonition et un rappel face à la montée du nationalisme allemand, de ses craintes de revoir ce qu'il a vécu quelques quinze ans auparavant.
Otto Dix, qui enseigne alors à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde est destitué   de ses fonctions par les nazis, dès 1933 qui voient dans ses dessins et ses peintures la manifestation d'un "art dégénéré", dont une partie sera détruite.
Cette exposition présente cette époque des "années de plomb" et de la montée   du nazisme.
Otto Dix parvient à trouver refuge sur les rives du lac de Constance, où de 1933 à 1939, il continue à peindre et à dessiner, mais en se limitant à des genres de peinture tolérés par le Régime : des paysages, des panoramas, et des compositions religieuses. Le "Cimetière juif sous la neige à Randegg" de 1935, ses "Saint-Christophe" ou ses "Triomphes de la mort", constituent des oeuvres de cette période, qui longtemps occultées pour des raisons de dénazification, sont présentées aujourd'hui pour permettre la synthèse de l'oeuvre dessiné d'Otto Dix.

Illustration : Otto Dix  : " La Guerre " 1932 - partie centrale du quadryptique  - Technique mixte sur panneau  de bois - 204 x 204 cm  - © Staatliche Kunstsammlungen Dresde.

PARIS : Institut du Monde Arabe
" Chevaux et Cavaliers Arabes
dans les arts d'Orient et d'Occident "
Du 25 novembre au 30 mars 2003

Ce sont les plus beaux objets liés au cheval et à la pratique équestre des cavaliers arabes à travers la civilisation arabo-islamique, costumes, parures, matériels, équipements, pièces de harnachement, étriers, selles, mais également des statuettes, des coupes, des gravures, des représentations sur papier ou sur toile, dans les arts d'Orient et d'Occident, qui ont pu être réunis ici, dans le cadre de l' exposition la plus importante jamais consacrée à ce sujet en Occident.
Davantage que le chameau, le cheval est présent partout dans toute l'histoire de la civilisation arabo-islamique, dans les visions prophétiques comme le symbole des armées conquérantes et victorieuses, ou comme représentation du périple et de l'ascencion du prophète Muhammad, tel que comptés par exemple dans la 17ème sourate du Coran.

La fascination pour le cheval arabe et les traditions équestres des pays arabes, a toujours été intense en occident depuis des siècles, et elle s'est largement exprimées au travers de multiples oeuvres en particulier d'artistes du XIXème siècle, d'inspiration romantique ou orientaliste.
Organisée selon un parcours en cinq étapes, cette très belle exposition propose aux visiteurs les différents aspects de l’art équestre islamique, d'abord à travers des objets d’art provenant de régions conquises par l’Islam. Ensuite, c'est la culture équestre arabe - ou furûsiyya - que l'on découvre et qui se développe à partir du IXème siècle, notamment avec l'édition de nombreux traités d’élevage et de soins, soigneusement illustrés.
Une troisième étape montre le cheval comme emblème du pouvoir, animal favori et compagnon des princes et partenaire de leurs plaisirs tels que par exemple avec la chasse, les courses, les jeux de polo, les fantasias.Il s'agit ensuite du cheval comme héros des grands textes, tel qu'on peut le découvrir dans les oeuvres, profanes et religieuses de la littérature arabe, entre les sourates du Coran et les épopées de Shâh Nameh. Et c'est enfin le cheval d’Orient dans sa représentation en Occident au travers les oeuvres des artistes romantiques du XIXème siècle comme en France chez Géricault, Delacroix ou Chassériau par exemple.

Illustration -en haut : Shah Tahmasp - Le Livre des Rois : " Le Jeu de Polo "  - Iran  1550
© Musée de Téhéran.
Illustration -en bas : " Le Monde dans un Cheval " - Inde XVIIème siècle, Golconde - Couleurs sur papier
36,4 x 49,8 cm  © Museum Fur Islamische Kunst de Berlin