ANTIBES : Musée de la Carte Postale
" Francisque Poulbot ou l'Eternelle Jeunesse"
Du 1er octobre au 31 décembre 2002
Francisque Poulbot qui est né en 1879
à Saint-Denis (Seine Saint-Denis), est mort le 16 septembre 1946 à Paris. Entre ces deux
dates se situent les créations d’un artiste dont les œuvres furent si
appréciées et si représentatives de l’ univers de l’enfance, qu’au bout
du compte, l’on désigna sous le nom de " petit poulbot " tout
gamin malicieux, enjoué, espiègle, débordant de vie et se comportant en digne héritier
du " Gavroche " des Misérables de Victor Hugo.
Nous sommes en présence de l’un des rares cas où le nom propre du créateur est
devenu un nom commun pour qualifier des personnages s’assimilant directement à ses
œuvres.
Ce style immédiatement reconnaissable et reconnu par une large audience populaire
n’est certainement pas le fait du hasard. C’est pour son auteur le résultat
d’une longue observation et d’une imprégnation des mœurs et coutumes dans
le " maquis " de la Butte Montmartre au début du XXème Siècle, tout
comme dans le domaine des cabarets qu’il avait coutume de fréquenter pour y admirer
les éléments de décoration de ceux qui allaient s’avérer être ses
Maîtres : Steinlen et Toulouse Lautrec.
Dessinateur de presse de 1895 (date de la parution
de sa première œuvre) dans le journal " Le Pêle- Mêle",
jusqu’à 1946 dans " Benjamin ", sa participation à
d’innombrables revues se décline dans un inventaire particulièrement
impressionnant.
Catherine Saint Martin et François Solo (caricaturiste contemporain), ont réalisé
l’ approche la plus complète possible de cette immense activité. Les passionnés
pourront se reporter à leur excellent dictionnaire intitulé : " 5000
dessinateurs de presse et quelques supports " aux éditions Te Arte .
Simples reprises de dessins de presse ou résultats
d’une création spécifique, les œuvres de Francisque Poulbot se retrouveront
tout naturellement éditées en cartes postales.La carte postale, modeste œuvre
d’art accessible à tous, convient parfaitement au climat qui émane des scènes
enfantines où excelle l’ artiste. On remarque tout de suite la simplicité et la
justesse du trait qui traverse les années sans prendre une seule ride. Les propos
qu’il prête aux enfants sont souvent espiègles, incisifs mais toujours dénués de
méchanceté (gratuite). Habillée d’humour et de légèreté, c’est une grande
leçon d’humanisme qui se dégage de l’ ensemble de cette production.
NICE : Musée Matisse
" Matisse - Terrus : histoire d'une amitié : 1905-1917 "
Du 5 octobre au 31 décembre 2002
Le Musée Matisse de Nice présente dans le cadre de ses "Ateliers de
Recherche", une exposition consacrée à un sujet jamais étudié: l' histoire d' une
amitié entre Henri Matisse et le peintre catalan Etienne Terrus (1850-1922), qui
durera jusqu'en 1917, et qui sera à l’origine d’un nouveau mouvement pictural
" le fauvisme".
Matisse, et André Derain avaient décidés de se rendre à Collioure sur les traces de
Paul Signac qui y avait séjourné en 1887, fortement influencés qu'ils étaient tous
deux par ses recherches pointillistes. Matisse, en avait réalisé l'un de ces chefs
d'oeuvres de jeunesse avec sa toile intitulée "Luxe, calme et volupté ",
peinte fin 1904, en référence à un poème de Baudelaire : "L'invitation au
voyage".
Henri Matisse qui arrive à Collioure en mai 1905,
rencontre quelques jours après Etienne Terrus, dont il dit dans une lettre, "j'ai
rencontré un peintre des indépendants, ami de Luce, qui s'appelle Terrus et qui est
très agréable de compagnie ". André Derain rejoint Matisse quelques semaines plus
tard . "Avec mon mari, écrit Amélie Matisse, ils travaillent ferme malgré la
forte chaleur ".
C'est par cette rencontre avec Etienne Terrus et par cette fusion entre eux, que durant l’été, avec des discussions de travail, entourés de
leurs amis artistes, tels
Camoin, Manguin, Marquet, dont le sculpteur Maillol dira que ses couleurs sont "comme
des notes de Mozart", que nait l'idée que les couleurs doivent servir non pas à
décrire un paysage mais à procurer une sensation à l'artiste, comme à celui qui
regarde son oeuvre. " On ne peut pas vivre dans un ménage trop bien fait, un ménage
de tantes de province, dit Matisse. Alors, on part dans la brousse, pour se donner des
moyens plus simples qui n'étouffent pas l'esprit. " ? C'est de ce sentiment et de cette
émulation que naîtra dés l’automne suivant, la naissance d’un nouveau
mouvement pictural, que l'on appellera " le fauvisme".
Mais ce n'est pas seulement l'histoire
de cette amitié que racontent les lettres inédites et les soixante-dix-sept pièces de
cette exposition, créée par le Musée d' Elne, dans les Pyrénées-Orientales, où est
né et mort etienne Terrus, mais c'est également celle d'une
rencontre décisive entre deux artistes, qui donne un éclairage particulier à l'origine
du "fauvisme".
Mais elle est également un hommage à Etienne Terrus dont l'oeuvre est restée longtemps
anonyme, lui qui entré aux Beaux-Arts
de Paris en 1882, à l'âge de dix-sept ans, expose pour la première fois à
Perpignan à vingt cinq ans et décide de s'établir définitivement à Elne en voulant
vivre en harmonie avec la nature et avec son art, en conservant ses amitiés avec Matisse
qui est revenu sur Paris, mais également avec le sculpteur Aristide Maillol établi à
Banyuls-sur-Mer, Pablo Picasso et le poète Max Jacob, ou encore avec Vlaminck et Derain
installés un temps aussi dans le Roussillon.
LABASTIDE ROUAIROUX : Musée du Textile
" Maroc. Tapis de tribus"
Jusqu'au 17 novembre 2002
Invitation au voyage, cette exposition permet de partir à
la découverte de la culture berbère, au travers de somptueux tapis dont la plupart
datent du XXème siècle, et issus de collections privées et publiques. La mise en scène
inspirée de l'habitat traditionnel marocain, par ses couleurs, ses portes sculptées et
ses fontaines, s'articule aurour de 4 espaces, qui symbolisent les 4 régions du Maroc, en
partant du Nord ouest pour se terminer au Sud : le Moyen Atlas Oriental, le Moyen Atlas
Occidental, le haut atlas prolongé par le djebel Siroua, l'Anti Atlas et le Haouz de
Marrakech.
Y sont présentées des oeuvres textiles caractéristiques des principales tribus, que
celles-ci soient transhumantes, ou sédentarisées, proches des villes ou éloignées dans
les montagnes, parmi lesquelles les Beni Jelidassen, les Beni Sadden, les Marmoucha, les
Guerouane, les Aït Sougou, les Zaïane, les Rehamna, les Aït Bou Ichaouen, et d'autres
encore.
Ces tapis sont noués, tissés ou de
technique mixte. Ils sont réalisés en laine, en poil de chèvre, de dromadaire. Ils ont
un épais duvet ou bien sont tissés à plat, selon l'usage auquel ils sont destinés.
Tapis de réception, tapis de bât, tenture, couvetrture, telles sont les illustrations de
cette exposition. La culture berbère essentiellemnt orale, faite de poèmes,
de fables et de contes, s'illustre magnifiquement sur ces tapis grâce aux coloris, aux
motifs et aux symboles de l'univers et de fécondité, que les femmes marocaines ont
reproduits au grès de leur inspiration.
Au delà de cet univers artistique, l'exposition montre comment l'influence urbaine, par
l'arrivée du Tapis de Rabat d'origine ottomane,
s'est faite sentir sur les créations textiles berbères. Elle rend aussi hommage à ces
femmes qui n'ont de cesse de transmettre aux générations futures, leur culture par le
biais de cet art que constitue le tissage.
NICE :
Musée National Message Biblique Marc Chagall
" Les Della Robbia "
Du 29 juin au 11 novembre 2002
Les Della Robbia était une dynastie de sculpteurs dans la Florence des Médicis, qui
avait acquit sa réputation grâce à la terre cuite émaillée qu'elle produisait et à
une technique qu'elle avait découverte et dont elle conserva longtemps le secret .
Nombres de monument, d'églises en Toscane ou en Ombrie possédent des exemples de ces
sculptures de madones, de saints, d'anges, dont les coloris, le modelé, l'éclat sont
autant de témoignages de la spiritualité de l'époque.
Florence, en effet dans la seconde moitié du XVème siècle est une ville dont les
richesses proviennent du commerce de la laine et de la soie, de l'industrie du tissage, et
en font une ville importance sur le plan économique.
Tout comme les Médicis, Luca della Robbia (1399
-1482) est issu d'une famille de drapiers, mais il préfère se consacrer à la sculpture.
Il se met au service des familles riches de Florence et contribue à l’embellissement
des décors des palais et des églises, dont par exemple les reliefs en marbre de la
"Tribune des chants" dans la cathédrale de Florence. Reconnu comme un sculpteur
de grand talent, il invente une technique de sculpture en terre cuite émaillée qui fait
sa renommée dans ce domaine. Il est rejoint par un neveu Andrea della Robbia (1435-1525),
qui diversifie cette technique pour l'appliquer à la réalisation de retables, ou de
décors en médaillons comme ceux qui ornent le portique de l’Hôpital des Innocents
à Florence, puis par ses fils Giovanni (1469-1529) et Luca (1475-1548 ) qui
réalisent le décor du cloître de la Chartreuse de Galluzzo.
Le secret de la technique est un jour
révélé par l’une des femmes du clan Della Robbia, lequel voit alors l'apparition
de sculpteurs rivaux utiliser ce même procédé. La décadence de la famille commence
alors, tandis qu'elle est frappée en 1527, par l'épidémie de peste qui gagne Florence
et sa région. Luca Della Robbia parvient alors en France pour rejoindre son frère cadet
Girolamo (1488-1566), qui depuis 1517 travaille au service de François Ier.
Napoléon III avait fait l'acquisition en 1862 à
Rome, d’une partie de la collection du Marquis de Campana et avait permis ainsi au
Musée Louvre de faire entrer ces figurines dans les collections du musée avant
qu’elles ne soient dispersées dans différents musées français.
Ce sont ainsi cinquante de ces figurines choisies parmi les plus remarquables des Della
Robbia, qui sont réunies dans cette exposition, au côté de sculptures d'éléments
architecturaux, et d'objets liturgiques.
DAOULAS :
Centre Culturel
" Les Mondes Dogon"
Du 25 avril au 4 novembre 2002
L'Abbaye de Daoulas présente ici ce que fut l'expédition française de 1930 à 1932 en
pays Dogon au centre du Mali, à l'intérieur de la Boucle du Niger, expédition qui
servit de source à l'ethnologie française de terrain, pour mieux connaître cette partie
de l'Afrique Noire. Les pièces qui furent rapportées par les explorateurs
français sont à l'origine de la naissance du Musée de l'Homme à Paris.
Les Dogons qui ne sont plus qu'au nombre de 200.000 vivent répartis entre différents
clans dans de multiples villages, implantés le long des falaises de Bandiagara.
Leurs mythes primitifs et complexes remontent à des temps anciens et s'expriment au
travers des ustensiles, des objets rituels et un art très riche liés à ces croyances et
à des traditions ancestrales.
Ce sont 200 pièces de l'art et de l'artisanat Dogon
qui sont donc présentés, et permettent d'approcher de plus près cette culture qui
demeure encore assez peu connue du public, mais dont il faut espérer qu'elle puisse
survivre dans son intégrité, et ne perdre son identité, tant elle est depuis que cette
région est au patromoine mondial de l'UNESCO, l'objet de la curiosité sur place de
touristes de plus en plus nombreux en mal d'aventure et de sensation.
NICE : Musée d'Art Moderne et
Contemporain
" Rétrospective Niki de Saint-Phalle "
Du 16 mars au 27 octobre 2002
Le Musée d'Art Moderne et d'Art
contemporain de Nice accueille cette grande rétrospective Niki de Saint Phalle, dont
l'objet est de faire redécouvrir l'oeuvre atypique de cette artiste engagée dans le
féminisme à partir des années 1960, et dans le mouvement du Nouveau Réalisme.
Ce sont 325 oeuvres qui sont présentées ici, parmi lesquelles les 170 oeuvres, 63
peintures et sculptures et une centaine d'oeuvres sur papier, gravures et lithographies,
qu'elle a offerte au Musée de Nice en octobre dernier.
Née à Neuilly sur Seine en octobre
1930 , fille d'un banquier français et d'une mère américaine, elle s'appele de son vrai
nom Catherine Marie-Agnès Fal de Saint-Phalle, dite Niki de Saint-Phalle. Elle avait
suivi ses parents aux Etats Unis dès son plus jeune âge, pour habiter ensuite New York
à partir de 1937. Très marquée par ses visites au Metropolitan Museum of Art à New
York, elle s'interesse à la création artistique très tôt.
En autodidacte, et n'ayant jamais suivi d'enseignement artistique, elle commence à
peindre dans les années 1950. Impressionnée par l'oeuvre de Gaudi en 1955 lors d'une
visite à Madrid et à Barcelone, elle décide de faire de la sculpture. Elle dira
plus tard" Je n'ai jamais fait l'Ecole des Beaux Arts. La sculpture pour moi, ce
n'est pas la culture, mais une manière de vivre".
Elle se fait connaître par une première exposition personnelle où elle réalise
une "action painting" intitulée "Tirs à la carabine", dans
laquelle le visiteur tire à la carabine sur des sachets remplis de peintures variées qui
coulent sur la toile ou sur des couches de plâtre en relief. Elle ait des assemblages d'
objets coupants ou encore des assemblages de divers objets religieux, angelots,
crucifix qu'elle couvre de peinture dorée.
Elle sculpte également à partir de 1965 ses premières "Nanas" , dont le
sculpteur suisse Jean Tinguely avec lui réalise les armatures métalliques qu'elle couvre
d'abord de de papier mâché, de plâtre et de tissus. Ses "Nanas",
avec leurs formes énormes, rebondies, et colorées, réalisées en papier mâché à ses
débuts,puis dans le polyuréthanne ensuite, la rend célèbre alors dans le monde entier.
Devenue membre du groupe des Nouveaux Réalistes, elle épouse l'artiste suisse Jean
Tinguely en secondes noces en 1971,, avec qui elle réalise des sculptures monumentales
pour des commandes de musées, telle l' énorme "Elle" de 25 m de long du Musée
de Stockholm en 1966, présentant un sexe béant qui sert d'entrée aux visiteurs.
Parallèlement, elle poursuit un travail personnel de recherche plastique qui lui permet
d'être exposée à Paris, à Londres, à Amsterdam, à Munich et à New
York , mais elle doit aussi sa célébrité par la "Fontaine Stravinsky" ou
"Fontaine des Automates"Place Saint-Merri, près du Centre Georges Pompidou, à
Paris, qu'elle réalise avec JeanTinguely .
Après la disparition de Jean Tinguely en 1991, elle réalise ses premiers "tableaux
éclatés", série de peintures en mouvement, en mémoire de son mari, puis elle
compose la sculpture "Les Footballeurs" pour le Musée Olympique de Lausanne, et
s'installe en 1994 à San Diego en Californie.
Les oeuvres dont elle a fait don au Musée de Nice, que l'on découvre dans cette
exposition est le résultat d'un concours de circonstance qui l'avait amené déjà
à vouloir faire don à la France, il ya dix ans d'une partie de ses oeuvres. La France
était restée muette à cette proposition. Alors elle s'était adressée à la Ville de
Hanovre qui avait acceptée cette offre et explique le fait que cette ville possède
désormais le premier Musée du monde conssacré à Niki de Saint-Phalle. Est venu s'
ajouter à cet incident, la disparition il y a trois ans de la sculpture " La
Paysanne " dans les murs du Centre Georges Pompidou, une oeuvre de trois mètres de
haut et pesant plus d'une centaine de kilos, qui était l'une de ses premières
"Nanas", et qui n'a jamis été retrouvée.C'est pourquoi, de dépit, elle fit
le choix du Musée de Nice pour sa deuxième donation, ville où à une époque, elle
avait rencontré Yves Klein, Arman, et Ben.
Cette rétrospective s'explique ainsi par le fait que le Musée se trouve aujourd'hui en
possession de quelques 170 oeuvres, estimées à environ 15 millions d'euros, et qu'il est
devenu le deuxième musée, après celui de Hanovre, à posséder autant d'oeuvres de Niki
de Saint Phalle.
BORDEAUX : Musée des Beaux Arts
" Albert Marquet. La Collection du Musée de Bordeaux"
Du 31 mai au 15 septembre 2002 >>> Prolongation jusqu'au 20 octobre 2002
Le Musée des Beaux-Arts de Bordeaux rend hommage dans
cette exposition à Albert Marquet (1875-1947), et présente l'ensemble de sa collection
composée de 40 oeuvres peintes et 59 dessins, pour constituer l'une des plus importantes
expositions consacrée à cet artiste, depuis quelques années.
Albert Marquet qui est né à Bordeaux dans une famille d'origine modeste fut élève de
Gustave Moreau, mais rencontra également à l'Ecole des Arts Décoratifs Henri Matisse
avec lequel il se lia d'amitié. Parallèlement à une formation académique, l' artiste
commença à peindre dans la mouvance impressionniste, mouvement dont il n'oublia jamais
les leçons. Cependant dès 1898, il adopta une palette privilégiant la couleur pure et
annonçait ainsi déjà le fauvisme.
Au Salon d'Automne de 1905, Marquet participe avec
son ami Matisse à la première exposition fauve et présente en 1907, sa première
exposition particulière. Son oeuvre, marquée par une grande sensibilité, évolue très
vite ensuite après sa période fauve vers une palette plus nuancée mais toujours remplie
de lumière, et de transparence quand il s'agit de peindre des paysages ou les bords de
mer.
Ses compositions privilégient également les paysages urbains. qu'il peint depuis les
verrières de ses ateliers successifs, tous situés sur les quais, lorsqu'il habite à
Paris.
Ses oeuvres révèlent son goût et sa fascination pour les ambiances, les atmosphères,
qui montre son extrême sensibilité d'observation et des compositions faites de
sérénité très typiques de son art de peindre.
Albert Marquet était également un grand amateur de voyages. Ayant découvert
d'abord le Maroc et Tanger au cours de deux voyages en 1911 et en 1913, il visite
ensuite en 1920 l'Algérie qui deviendra en quelque sorte sa seconde patrie. En 1923, il
visite aussi la Tunisie, et quelques années plus tard en 1928, l'Égypte.
Mais c'est l'Algérie qui lui crée les plus fortes émotions, et qui l'amène ensuite à
retourner souvent à Alger. Ses toiles reflètent à chacun de ses voyages et du temps qui
passe qui passe ses préoccupations et ses découvertes. Grâce à sa femme Marcelle
Martinet, il n'a pas de contraintes matérielles. Il peut ainsi voyager, donner libre
cours à son inspiration et peindre.
En 1941, il acquiert une maison à Djenan Sidi Saïd, qu'il appelle "sa
campagne". Ce lieu est pour lui une source d'inspiration importante, et lui permet de
développer une palette très riche en motifs et en couleurs durant les années de
guerre. C'est donc à la présentation des différentes périodes de la vie et de l'oeuvre
de l'artiste que nous convie cette très belle et très riche exposition
ARLES : Fondation Vincent Van Gogh
" Francis Bacon : Van Gogh sur la route de Tarascon "
Du 10 juillet au 6 octobre 2002
Les oeuvres de Francis Bacon
(1909-1992) présentées ici pour la première fois en France, portent sur le thème des
"autoportraits de Van Gogh marchant sur la route de Tarascon" réalisées entre
1951 et 1957 par l'artiste britannique.
Ces huit toiles qui ont pu être rassemblées par la Fondation Van Gogh d'Arles est une
véritable gageure, car elle permet de voir ensemble des oeuvres, qui n'avaient pas été
présentées depuis l'exposition de la Hanover Gallery de Londres en 1957.
Cette exposition s'ajoute d'une oeuvre intitulée "Hommage à Van Gogh"
réalisée en 1958, par Bacon, et des deux "Etudes pour un portrait de Van Gogh"
en provenance de la Hirshhorn Collection de Washington. D'autres toiles en provenance des
Etats Unis, de la Tate et de la Hayward Gallery à Londres, mais aussi d'Allemagne, de
Suède, du Centre Pompidou à Paris ou de collections particulières complètent cette
exposition exceptionnelle. Des portraits photographiques de Francis Bacon réalisés
par Peter Beard, Perry Ogden, Lewinski ou Benson sont également présentés.
Cette série de tableaux peints par Bacon, est
directement inspirée de l'oeuvre de Vincent Van Gogh réalisée en 1888 et intitulée
"Autoportrait sur la route de Tarascon", détruite par les bombes qui tombèrent
sur le Musée de Magdebourg à Dresde durant la Seconde guerre mondiale. Francis Bacon
avait conservé en mémoire ce tableau, marqué et fasciné qu'il avait été par cet
autoportrait où Van Gogh se reproduit tel un personnage errant sous un soleil de plomb le
long d'une route avec un carton à dessins sous le bras, et un sac sur le dos.
Francis Bacon voulut reproduire dans cette série, cette fascination et cette sensation
d' incandescence qu'il eut devant l'oeuvre de Van Gogh en la conduisant jusqu'à son
extrême. Différentes études dont l'"Etude pour un portrait de Van Gogh II
" de 1957, s'arrête à nouveau à la retranscription de cette incandescence par des
couleurs rouges et jaunes données au paysage, par les ocres chauds et rougeoyants de la
route, le bleu vif du ciel, et traduire les brûlures accablantes du soleil sur le
peintre aux pas lents, le long d'un chemin aux arbres morts.
CAEN :
L'Abbaye aux Dames
" Camille Claudel "
Du 2 août au 6 octobre 2002
Le génie créateur de Camille Claudel, artiste passionnée, mais aussi inspiratrice,
modèle, confidente, et maîtresse de Rodin, on le sait aura été occulté par la gloire
de son maître et par une intensité créatrice qui l'aura conduit à la solitude
obsessionnelle, à la névrose, au délire de persécution et finalement à l'asile.
Artiste maudite, incomprise, presque oubliée, elle est revenue dans nos mémoires par la
magie du cinéma, sous les traits d'Isabelle Adjani.
Le Musée de l’Ephèbe du Cap d’Agde, niché dans son écrin de verdures
aux essences méditerranéennes, accueille une superbe exposition dont l' originalité, au
travers la présentation de plus de 220 pièces archéologiques, dont certaines
présentées pour la première fois au public, est de nous faire découvrir sur ce que fut
dans l'antiquité Gréco-romaine, l'usage, la production et le commerce des produits les
plus utilisés à cette époque, dans les échanges entre les pays du pourtour
méditerranéen. Le vin, l'huile, le miel, les épices, les plantes aromatiques, les
encens, les parfums, les élixirs sont au centre d'un commerce extrêmement dense en
effet, successivement entre les étrusques, les grecs, les romains avec l'ensemble des
habitants du sud de la Gaule, puis de la Gaule romaine, au travers un port de commerce
très important que fut Agde entre le VIème siècle avant J.C.et le IVème siècle après
J.C.
Ainsi au travers les "cinq sens ", la vue, l'odorat, l'ouie, le toucher
et le goût, cette exposition nous invite à un parcours dans ces temps de l'antiquité et
éveille de façon originale nos propres sens non seulement à la curiosité de ce que
pouvaient être la vie quotidienne, les arts de la table, les goûts et les senteurs, mais
encore nous fait découvrir la fabrication des parfums, des aromates, des mets, et
l'ensemble des arts et des objets liés au transport, à la conservation, à l'utilisation
des vins, des aliments, ou des onguents : amphores, vases, fioles et autres askos,
lécythes, oenochoes, ou balsamaires richement décorés.
A l'issue de l'exposition, un thermopolium, taverne où l'on vendait alors des
boissons chaudes, et un triclinium, petite salle à manger avec des lits, tels qu'on les
trouvait à Pompéi, proposent aux visiteurs une dégustation des produits que l'on
consommait à l'époque : le vin d'arthémise ( vin où a macéré de l'absinthe
avec du miel), le mulsum ( vin avec du miel, de la cannelle, du poivre et du thym),
l'hydromel, la cervoise, ou la posca pour les enfants (boisson à base d'eau fraîche
aromatisée au vinaigre), ou encore, le salsum ( pâté de poisson servi sur une tranche
de pain), le moretum ( fromage frais de brebis avec des pignons, des amandes et du miel),
ou la patina ( gâteau de poire).
BELFORT : Tour 46
" Fernand Léger : de la couleur et des couleurs"
Du 24 mai au 22 septembre 2002
Cette exposition est un hommage à Fernand Léger (1881-1955), par la réunion
d'une soixantaine d'oeuvres, en provenance notamment de la Donation Jardot faite à la
Cité de Belfort.
Le choix des oeuvres présentées démontre une fois encore quelle était l'importance de
la couleur pour le peintre, et davantage quelle était la fascination qu'elle produisait
sur lui, lui qui la considérait comme une "matière première, un élément vital,
un essentiel comme l'eau et le feu, indispensable à la vie", ainsi qu'il l'avait
déclaré en 1933 lors d'une conférence au Kunstmuseum de Zurich.
En dehors de la matière, les sujets que sont le
modernisme et le machinisme sont également au centre de l'oeuvre de Fernand
Léger, admiratif qu'il est des techniques, des engins et des machines agricoles symboles
de force et de puissance, et moyens d'une libération des hommes. Ses séjours qu'il
effectue aux Etats Unis et particulièrement à New York, entre 1940 et 1945, sont pour
lui un éblouissement et la révélation d'un nouveau monde possible grâce au machinisme
et à la technologie. L'homme lui-même dans son activités au quotidien, dans la rue,
dans sa vitalité, dans sa créativité, intéresse l'artiste et est le centre d'interêt
de nombreuses de ses oeuvres, car il est également la vie.
L'exposition laisse place également au travail d'illustrateur du peintre, et à son
travail d'édition, et permet de révéler s'il le fallait encore, la force poétique mais
aussi le génie de l'artiste, qui a su comprendre l'évolution du monde
contemporain.
STRASBOURG :
Musée des Beaux Arts
" Théodore Chasseriau, un autre romantisme"
Du 19 juin au 21 septembre 2002
Le peintre Théodore Chassériau (1819 -1856) n'avait pas fait l'objet d'exposition
importante et d'aucune rétrospective en France depuis 1933. Après l'exposition aux
Galeries Nationales du Grand Palais à Paris, cette présente exposition rassemble 46 tableaux, 60 dessins et 16 eaux-fortes, pour
présenter un aperçu différent et complémentaire de l'art de Chassériau.
Parmi ces 46 tableaux, quatre sont exposées en permanence au Musée des Beaux-Arts, au
sein de la section XIXème siècle comportant divers tableaux de Corot. Il s'agit
d'un "Intérieur de Harem", un des thèmes orientaux favoris de Chassériau, de
l'extraordinaire "Mazeppa "et de deux esquisses pour Othello, qu'accompagnera la
série des eaux-fortes sur ce thème.
Pour les dessins, 40 d'entre eux ne seront exposés qu'à Strasbourg, en provenance
du Louvre dont deux en provenance du Getty Museum et du Musée des Beaux-Arts de Dijon.
Grâce à ces dessins, la maîtrise du dessinateur que fut Chasseriau apparaît
parfaitement. Qu'il s'agisse du portraitiste éblouissant -19 dessins dont l'étude pour
le fascinant "Portrait de Mlle de Cabarrus"-, du spectateur de la nature ou du
peintre réalisant des compositions profanes et religieuses.
Le parcours ici a été conçu de manière à faire
ressortir diverses facettes de l'art de Chassériau.
A l'intérieur de chaque section thématique ressortent les évolutions et les
constantes perceptibles pendant la courte
carrière du peintre. Cela est particulièrement frappant pour ses portraits (salle
9 et 10). Sa méthode qui consiste à utilisant des ressources graphiques
et picturales, en particulier pour les grands décors, est mise en valeur (salles 6 et 7).
De même que les deux faces de l'Orientalisme de Chassériau sont mise en évidence : d'un
côté l' Orient brutal, de la conquête coloniale, face à un Orient
"ethnographique". Le thème féminin est permanent dans son oeuvre où la
douleur n'est jamais loin de la sensualité (salle 8). Des oeuvres au statut parfois
encore indéfini -esquisses ou oeuvres (in-) achevées ?- parlent à notre sensibilité
par leur « expressionnisme » (salle 13).
Occupant la presque totalité du Musée l'exposition laisse quatre salles pour présenter
une petite partie de ses collections permanentes en liaison avec Chasseriau, avec la
présence de ses contemporains et amis avec des oeuvres emblématiques, une esquisse de
Delacroix, des oeuvres de peintres orientalistes, telle celle de son ami Marilhat, ou des
bronzes de Barye, un tableau de Courbet, une importante peinture de Gustave
Doré, "Les Martyrs chrétiens " de 1871, prêtée par le Musée d'Art Moderne
et Contemporain de Strasbourg .
L'exposition a été conçue, telle qu' au XIXème siècle, et selon cette époque
où les musées s'inspiraient dans leur accrochage des palais, tels ceux de Rome que
Chassériau avait visité, en mélangeant les écoles et les périodes, comme on le
faisait alors.
Le musée des Beaux-Arts de Strasbourg possède une des plus importantes
collections de peintures anciennes en région. Toutes les écoles sont représentées des
Primitifs (Giotto) à Courbet et Carpeaux, en passant par Memling, Botticelli, Piero di
Cosimo, Raphaël, Véronèse, Corrège, Lucas de Leyde, Greco, Rubens, Champaigne,
Largillierre, Boucher, Canaletto, Tiepolo et Goya.
TROYES : Musée Saint-Loup
" Gustave Le Gray : l'émotion
photographiée"
Du 28 juin au 16 septembre 2002
Gustave le Gray (1820-1882), fut l'un des premiers pionniers
de la photographie. Le Musée Condé de Chantilly, avait proposé au printyemps la
présentation des photographies de Gustave Le Gray en provenance de la collection ayant
appartenu à Henri d’Orléans, Duc d’Aumale (1822-1897), lequel avait fait don
à l’Institut de France du Château de Chantilly en 1886, de ses collections de
peintures, de ses dessins et de ses livres précieux, mais également de son imposante
collection de photographies anciennes.
Le fonds
photographique du Musée Saint-Loup de Troyes qui constitue le second fonds d'importance
après celui de Chantilly conserve une importante collection de photographies
anciennes, dont 73 clichés de Gustave Le Gray sur papier datant en majorité de la
deuxième moitié du XIXème siècle, remarquables tant par la période ( clichés de 1856
à 1858), que par les sujets traités : marines, nuages et camp militaire de
Châlons sur Marne.
Dans la présentation de Chantilly, on retrouvait les photographies d'oeuvres d'art prises
par Gustave Le Gray telles "La Joconde" de Léonard de Vinci photographiée au
Musée du Louvre, ainsi que de nombreux portraits, et on trouvait également un grand
nombre de photographies de marines prises par Le Gray, acquises par le Duc d'Aumale en
1856 à Londres. Ici,
c'est toute l'émotion, la force et la générosité de l'artiste qui se dégagent, dans
des photographies moins connues, dont la série de nuages, mais aussi de quelques clichés
plus cèlèbres tel que celui de " La Vague Brisée" présente dans cette
superbe exposition.
AIX LES
BAINS : Musée Faure
" Henri Matisse : femmes assises"
Du 21 juin au 15 septembre 2002
Le Musée Faure a pu rassembler un grand nombre de gravures et de lithographies
réalisées par Henri Matisse entre 1906 et 1936, en provenance de différents musées
français sur le thème des femmes assises. Dans le prolongement de l'amour qu'il avait
pour la peinture, mais aussi pour le dessin, Matisse s'interessa également aux
différentes techniques de la gravure : eau forte, pointe sèche, lithographie, ou encore
gravure sur linoléum ou monotype.
C'est à partir de 1903 qu'il commence à utiliser ces différentes techniques au travers
un nombre important de liseuses, d'odalisques, de nus, qu'il réalise, et qui lui permet
de faire des recherches de modelés, des exercices de traits stylisés, en recherche de
réduction et de simplification des lignes entre les années 1910 et 1920.
A partir de 1922, Henri Matisse, s'arrête davantage
aux techniques de la lithographie, avec lesquelles il développe toutes les possibilités
que lui offrent l'utilisation du noir et de toutes les variantes du gris et du blanc, pour
des oeuvres plus riches et plus précises dans les détails. En 1929, il en revient aux
eaux-fortes représentant des nus, dans lesquelles, ce sont les lignes qui reprennent
l'avantage sur la texture qu'il avait travaillée par exemple par la lithographie, et il
se consacre également à l'illustration de livres, telles les eaux-fortes qu'il réalise
pour les poèmes de Stéphane Mallarmé, pour des oeuvres de Montherlant, ou plus tard
pour des poèmes de Ronsard destinés à des éditions en tirages limités.
Cette exposition permet ainsi d'observer, voire de découvrir l'évolution entre ces
différentes techniques utilisées par l'artiste et la mise en évidence de sa puissante
écriture graphique.
TOULOUSE : Musée des Augustins " Lubin Baugin, un grand maître retrouvé"
Du 27 juin au 9 septembre 2002
Lubin Baugin (1608-1663) est l'un des derniers grands peintres français du XVIIème
siècle à n'avoir pas encore fait l'objet d'une étude approfondie et d'une grande
exposition.
Après l'exposition inaugurée et présentée au Musée des Beaux-Arts d'Orléans,
l'artiste est présenté aujourd'hui au Musée des Augustins à Toulouse.
En effet, pour la première fois, ce sont une cinquantaine de tableaux qui ont été
rassemblés, pour permettre de mieux faire connaître l'oeuvre de ce grand peintre
oublié, et de dévoiler la personnalité subtile et plutôt étonnante de Lubin Baugin.
Parmi ses oeuvres de jeunesse, il faut en
particulier retenir ses natures mortes qui comptent parmi les plus belles et les plus
surprenantes du genre en France, telles " Nature Morte à l'Echiquier ", ou
" Nature Morte aux Gaufrettes " ou encore " La Coupe de Fruits" au
Musée de Rennes .
Plus tard ce sont ses " Vierges à l'enfant" qui lui ont assuré de son vivant
une réputation de peintre remarquable, ainsi que de grandes compositions religieuses
comme celle de Notre Dame de Paris, de par les empreintes de délicatesse et d'élégance
propre à Le Corrège et à Parmesan, de sensibilité, et de tendresse, héritées de
l'Ecole de Fontainebleau, qui caractériseront principalement ses compositions.
LYON : Musée des Beaux Arts
" L'Ecole de Barbizon"
Du 22 juin au 9 septembre 2002
Dans cette exposition, le Musée des Beaux Arts de Lyon rassemble une centaine d'oeuvres,
qui démontrent que les peintres impressionnistes n'ont pas eu le monopole de la peinture
en plein air, mais davantage, que les peintres de Barbizon, derrière Théodore Rousseau
et Jean François Millet , tous épris de nature, et de réalisme, plantaient les uns
après les autres leurs chevalets dans la campagne autour de Fontainebleau, pour exprimer
leur amour de la liberté, de la vie campagnarde et de ses paysages bucoliques.
Entre 1840 et 1860, se
réunissent et se rencontrent ainsi à Barbizon, à l'Auberge Ganne, les plus grands
paysagistes de l'époque, tels Troyon, Huet, Nanteuil, Corot, Caruelle d'Aligny, Diaz de
la Pena, Daubigny, Desgoffe, Dupré, qui vont dans la campagne et dans la forêt à la
recherche des émotions et des lumières qui en font en fait les véritables précurseurs
de l'impressionnisme.
Monet, Renoir et Cézanne firent vite oublier la plupart de ces artistes, pourtant
consacrés par Charles Baudelaire ou Théophile Gautier, dont l'histoire de la peinture en
a fait en quelquesorte des peintres "intermédiaires".
C'est une injustice que le Musée des Beaux Arts de Lyon ici contribue à réparer, ceux
là qui furent également les inventeurs du respect de la nature, et quelque part les
premiers écologistes à vouloir protéger les paysages en les fixant sur la toile, tout
en protestant contre les agissements des hommes à la défigurer, à l'exploiter et à
provoquer des déséquilibres. Théodore Rousseau écrivait déjà en 1872 : "L'homme
s'agite dans son ignorance, intervertit l'ordre dans la nature et rompt les équilibres
"
STRASBOURG :
Musée d'Art Moderne et Contemporain
" Joaquin Torres-Garcia, Rétrospective"
Du 24 mai au 8 septembre 2002
L’exposition rétrospective de Torres-Garcia ( Montévideo 1874-1949), présentée au
Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg offre au public une vision
complète de l’œuvre de ce créateur d’avant-garde en rassemblant une
centaine de pièces, des tableaux et sculptures, dessins et jouets, provenant d’une
part de collections privées, et d’autre part des collections des plus grands musées
français et étrangers (dont le Musée National d’Art Moderne à Paris, le Musée
d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Museu d’Art Contemporani à Barcelone, le
Museo Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, le MoMA à New York ou encore la Fondation
Torres-Garcia à Montevideo en Uruguay).
Cette manifestation demeure la première grande
exposition de Torres-Garcia présentée dans un musée français depuis celle de 1975,
organisée au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Elle s’attachera à
présenter l’ensemble des travaux de Torres-Garcia tout en réservant une place
particulière au séjour parisien de l’artiste, de 1926 à 1934.
Durant cette période il rencontre les principaux
acteurs de l’abstraction géométrique : Arp et Van Doesburg - historiquement
liés à la Ville de Strasbourg -, Domela, Hélion ou encore Mondrian. Membre fondateur du
Groupe "Cercle et Carré en 1930" aux côtés de Michel Seuphor, il développe
à Paris un constructivisme synthétique entre abstraction pure et valeurs archaïques
précolombiennes, entre la règle et l’aléatoire. Une section présentera des
œuvres de ces artistes d’avant-garde et mettra en lumière la place de
Torres-Garcia dans l’activité artistique de l’époque. L’accent sera mis
également sur les jouets de bois fabriqués par l’artiste parallèlement à sa
production picturale, qui furent présentés pour la première fois à la Galerie Dalmau
à Barcelone en 1918. Cette section permettra de souligner l’action pédagogique de
Torres-Garcia, qui, à son retour en Uruguay en 1935, créa une Association pour un Art
Constructif, école et centre intellectuel, véritable organe de diffusion de ses idées.
Cette rétrospective sera l’occasion d’éditer un important catalogue
d’environ 280 pages auquel collaboreront des spécialistes du monde entier et qui
rassemblera pour la première fois en France une anthologie des textes de Torres-Garcia.
GIVERNY :
Musée d'Art Américain
"Jasper Johns : l'oeuvre gravé 1960 - 2000 "
Du 23 juin au 8 septembre 2002
Le Musée d'Art Américain de Giverny présente ici une rétrospective de l'oeuvre de l'un
des peintres américains contemporains les plus renommés, qu'est Jasper Johns. On y
découvre toutes les techniques de gravures utilisées par l'artiste entre les années
1960 et 2000, bien connu pour ses peintures de drapeaux américains et ses sculptures de
boîte de bières, au travers une série d'oeuvres graphiques : estampes, lithographies,
sérigraphies, eaux fortes, comme autant d'oeuvres qui en font l'un des artistes les plus
influents sur le mouvement du pop'art.
Ce sont une soixantaine d'oeuvres ou copies que l'on découvre dans cette exposition qui
peuvent montrer l'influence qu'il a pu exercer sur d'autres artistes tels que Roy
Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenbourg, Tom Wesselman, James Rosenquist, Robert
Indiana, David Hockney ou Peter Blake, entre d'autres.
Jasper Johns qui né à Augusta en Géorgie en 1930, suit des cours à l'université de
Columbia en Caroline du Sud, puis s'installe à New York en1949, où il suit des
cours dans une école d'art, pour faire de la publicité, et vit de différents petits
métiers. Après son passage à l'armée, à la fin de 1954, il rencontre Robert
Raushenberg et John Cage, avec lesquels il se lie d'amitié, et commence à peindre ses
séries de lettres et de chiffres.
En 1955, il détruit une partie de ses oeuvres antérieures, et se met à peindre les
séries bien connues de drapeaux américains, ou de cibles, tout en travaillant à la
réalisation de boutiques de luxe. En 1958, la Galerie de Castelli de Lion à New York
organise sa première exposition individuelle avec succès.
Avec les années 60, Jasper Johns se concentre sur l'emploi d'objets de la vie courante
dans son art et il moule par exemple une sculpture composé de deux bidons de bière qu'il
intitule "bronze peint" et incorpore de vrais objets à ses toiles. Son art
prend peu à peu les objets de la vie quotidienne comme matière de ses compositions.
C'est la naissance du pop'art.
Dans les années 70, l'oeuvre de Johns se déplace vers des travaux monochromatiques et
des séries de peinture composées de hachures et de croix dans des formes géométriques,
tandis que les les années 80, il se concentre sur des thèmes plus
autobiographiques en incorporant des objets personnels dans son travail. Dans une
démarche totalement différente de celle de Marcel Duchamp et mouvement de Dada en France
dans les années 20, il ne détourne pas le sens des objets, tels qu'un porte-bouteille ou
un urinoir, pour leur donner une autre valeur et un autre référent, mais il incorpore
les objets communs dans sa peinture comme une réaction contre l'expressionisme abstrait
peu accessible au grand-public et sans aucun repère iconographique.A sa suite plusieurs
artistes américains du pop'art prendront le thème des objets journaliers en les
dépeignant sous une forme plus commerciale : images des boîtes de potage de soupe
Campbell, ou des hamburgers en grands formats, ou encore des sculptures composé
d'objets comme des machines à écrire. Les thèmes de ces artistes ne sont pas de
critiquer la société de consommation ou du commerce, mais d'extraire un modèle
artistique par l'emprunt qu'ils font à la société et aux médias. y compris par exemple
en détournant les techniques d'impression de la bande dessinée ou encore de la
publicité.
Il obtient le Grand Prix de la Biennale de Venise en 1988, avec une oeuvre intitulée
" Les Quatre Saisons" qui consacre son oeuvre et le reconnaît mondialement
comme l'un des plus grand artistes contemporains.
Cette excursion ici dans l'oeuvre
graphique de Jasper Johns montre la grande variété d'inspiration de l'artiste, mais
également des techniques utilisées, qui commencent par l'utilisation des motifs
iconiques que sont les chiffres et les lettres de l'alphabet, en passant par les séries
des cibles et des drapeaux, jusqu'à des oeuvres où apparaissent des motifs aléatoires
et abstraits composés avec des rayures ou encore des copies qui mettent en référence
l'histoire de l'art et les articles personnels significatifs de sa vie .
STRASBOURG : Musée d'Art Moderne et
Contemporain
" Silvia Bächli - Cabinet d'art graphique"
Du 24 mai au 8 septembre 2002
L’œuvre de Silvia Bächli est de la nature d’un journal intime :
sortes d’"instantanés" perceptifs de la vie quotidienne, sensations
fugitives et réminiscences qui s’organisent peu à peu à travers le dessin, en
formes simples ou complexes, selon la signification que le quotidien diffuse au travers de
la perception. Fragments de corps, objets isolés se rapprochent les uns les autres pour
former une image globale s’articulant en de multiples signifiants.
Le dessin, à l’encre, à la gouache, à la craie ou au fusain, mais toujours en noir
sur fond blanc, est le mode d’expression presque exclusif de Silvia Bächli. Son
travail consiste en séries de dessins, dont le dénominateur commun est le noir,
présentés parfois en feuilles séparées ou, plus souvent, regroupés selon une
disposition étudiée avec soin et qui est le fruit de combinaisons déterminées par
l’espace, par les parois et par l’environnement où les œuvres sont
exposées.
Née en 1956 à Baden (Suisse), Silvia Bächli vit à Bâle et Paris et enseigne à
l’Ecole des Beaux-Arts de Karlsruhe.
"Dans mes dessins,dit-elle, il est rarement
question de signification symbolique. Il s’agit simplement de ce qui est montré. De
brefs moments de sensation, de fugitives visions, l’œil qui s’attarde un
peu plus longtemps sur quelque chose que nous connaissons tous, mais auquel nous
n’accordons d’habitude pas autant d’attention […] Ou : la raison
d’un dessin peut être simplement le jeu avec la ligne, comme la mélodie d’un
saxophone".
Organisée en collaboration avec le Domaine de Kerguehennec – avec une présentation
différente dans chaque lieu – cette exposition constituera la première monographie
consacrée à l’artiste par un musée français.
En 1987, Jean-Christophe Amman lui avait consacré
une exposition personnelle à la Kunsthalle de Bâle. Ses travaux ont été présentés
depuis dans de nombreux musées et centres d’art en Europe.
ISSOUDUN : Musée de l'Hospice Saint Roch
" Serge Poliakoff : Peintures et gouaches "
Du 14 juin au 2 septembre 2002
Cette exposition qui fait suite à l'importante rétrospective de Dunkerque,
consacrée à l'oeuvre du peintre français d'origine russe Serge Poliakoff (1900
-1969), présente sur une période allant de 1938 à 1968, près de soixante-dix oeuvres
d'un des maîtres de la couleur et de l'abstraction du XXème siècle.
Composée d'un ensemble de toiles de différents musées européens, belges et allemands
notamment, et d'un certain nombre d'oeuvres en provenance de différentes collections
privées, on peut également découvrir deux tapisseries exceptionnelles des Gobelins
réalisées d'après des cartons de l'artiste .
Serge Poliakoff, qui est né à Moscou, quitte la
Russie en pleine guerre civile, et arrive à Paris en 1923. Pour vivre, il joue de la
musique dans les restaurants russes de la capitale, et y rencontre Robert Delaunay, et
Wassily Kandinsky .
En dehors de ses talents de musicien,
Poliakoff pratique aussi la peinture à l'huile, la gouache et l'aquarelle, en réalisant
des compositions faites d'éléments géométriques, vivement colorés et découpés selon
une inspiration fortement marquée par le futurisme. Ses oeuvres de 1938 à 1952 sont
fortement imprégnées d'abstraction géométrique et d'un art informel, avec un
agencement imbriqué de formes aux lignes diagonales, verticales ou horizontales
soulignées de couleurs intenses et vives.
Après cette première période, et jusqu'à sa mort en 1969, il développe dans
l'ensemble de ses oeuvres un jeu complexe de camaïeux et d'imbrications de formes
structurées en jouant sur l'intensité lumineuses et la juxtaposition de couleurs aux
textures granuleuses, épaisses, ou fluides afin de renforcer encore les teintes.
Son art et ses talents de coloristes, il les utilise aussi pendant cette période, à la
réalisation de décors pour des ensembles de faïence et d'émaux composés pour la
Manufacture de Sèvres, aujourd'hui très recherchés.
TOULOUSE : Musée des Jacobins " Arts Précolombiens d'Amérique Centrale "
Du 27 avril au 2 septembre 2002
Pour la première fois en France après de Paris, cette exposition rassemble un ensemble
exceptionnel d’art précolombien d’Amérique Centrale appartenant à la
célèbre collection Barbier-Mueller.
Couvrant la période des 1 700 ans qui ont précédé l’arrivée des Européens sur
le continent américain, cette cinquantaine de pièces rares offrent un impressionnant
témoignage de la richesse de l’art des anciens peuples du Nicaragua, du Costa-Rica
et du Panama.
Le visiteur découvre les caractéristiques de cet art très différencié selon les pays
et les régions géographiques. Coupes et vases globulaires aux motifs géométriques de
couleurs vives illustrent la région du Grand Coclé au Panama tandis que des sculptures
en roche volcanique caractérisées par des figures humaines ou animalières révèlent
les différentes productions du Costa Rica.
Objets de cérémonie ? Traduction d’une vision religieuse et surnaturelle du
monde ? Seule l’émotion est certaine devant cet art dont on est loin
d’avoir percé tous les secrets.
Faire découvrir les trésors d’autres
civilisations ou rendre compte de thèmes historiques ou patrimoniaux liés à Toulouse
telle est la mission que poursuit Monique Rey-Delqué, conservateur de l’Ensemble
Conventuel des Jacobins et Chargée du patrimoine de la Ville qui organise cette
exposition en collaboration avec la Mairie de Toulouse.
POITIERS : Musée Sainte-Croix " Louis Billotey : l'ambition classique"
Du 28 juin au 15 août 2002
Faisant suite à l'exposition du Musée de Beauvais, il s'agit pour le Musée Sainte Croix
de Poitiers de rendre hommage à Louis Billotey (1887-1940) peintre admirateur de Ingres,
et qui sa vie durant fut la discrétion même.
Issu d'une famille d'artistes, il débute sa carrière, en 1907, reçoit le Prix de Rome,
et participe au courant du début du XXème siècle qui concilie les novations plastiques
avec la tradition classique. L'académisme renaît entre les années 1925 et 1939,
notamment dans l'art monumental et décoratif auquel Louis Billotey participe au
travers les chantiers de reconstruction des années 1920. C'est ainsi qu'il participe à
la création des décors du Palais de Chaillot en 1937, au côté de Bonnard et de
Vuillard, avant de se suicider le 14 juin 1940, au moment de l'entrée des troupes
allemandes dans Paris.
Son souvenir s'efface ensuite rapidement de la
mémoire de ses contemporains. Pourtant nombre d'oeuvres remarquables sont peu connues du
grand public telles
" Le Sacrifice d'Iphigénie", acquis par l'Etat en 1935 pour le Musée National
d'Art Moderne, la fresque du Palais de Chaillot " La Tragédie ", peinte entre
1937 et 1938, " Les Cavaliers" en 1910, très bien accueilli au Salon des
Artistes Français en 1913, la "Dame au Cerf " de 1913, la "Vénus
Marine" de 1922, et " Le Paradis Terrestre" de 1924, de même que ses
vitraux, et un chemin de croix, réalisés dans les églises de la région de Beauvais
entre 1926 et 1934.
A sa mort, sa veuve Marie-Rose Billotey conserve tout le contenu de son atelier jusqu'en
1957. L'ensemble est ensuite remisé ensuite dans un garde-meuble, jusqu'en 1980, date à
laquelle les héritiers en font un inventaire complet, pour y retrouver de nombreux
tableaux très caractéristiques de son style. Parmi ceux là "Nu au miroir"
dans l'esprit d'Ingres, "Dame au Cerf ", le "Portrait de Marie-Rose Guérin
"qui deviendra sa femme, peint à Haramont dans l'Aisne en 1918, "Vénus
Marine", "Paradis terrestre" où l'on devine l'influence du Douanier
Rousseau, et de nombreuses autres oeuvres telles "Départ des Cavaliers" ou
" Départ pour la chasse" qui sera le motif d'une tapisserie par la Manufacture
des Gobelins en 1933.
Cette exposition fait apparaître au
travers les peintures, les dessins, et les esquisses, l' art subtil de ses compositions,
la finesse de ses traits, son sens de l'observation et du détail, le traitement allongé
des personnages et l'utilisation qu'il fait des drapés, par lesquels il parvient à
restituer des volumes et des formes que l'on retrouve dans l'art décoratif de son
époque.
L'importance de certains thèmes symbolistes et mythologiques, avec
des messages d'harmonie, de paix, de beauté, de sagesse, mais aussi des thèmes
comme celui de la chasse, celui du cheval, celui de Saint Sébastien, le patron des
archers, traduisent l'attachement de Louis Billotey à la tradition classique, mais aussi
son goût pour l'antique, .
LE HAVRE :
Musée Malraux
" On a découvert un nouveau Géricault "
Jusqu'au 29 juillet 2002
C'est à l'occasion d'une exposition en octobre 2000 au Musée du Château de Flers
consacrée au peintre Jean Victor Schnetz (1787-1870), que des experts ont pu identifier
ce portrait d'une vieille italienne comme étant une oeuvre de Géricault et non de
Schnetz, comme on l'avait considéré au prime abord pour cette exposition.
Ce portrait qui était conservé dans les réserves du Musée du Havre, et y avait
été oublié depuis 1873, était en réalité une oeuvre de Théodore Géricault
(1791-1824), peinte lors d'un dernier voyage du peintre en Italie dans les années
1820-1821.
Il est celui de la mère de Maria Grazia Boni,
qui fût le modèle et la compagne de Jean Victor Schnetz. En effet, Schnetz, élève de
David, avait rencontré Géricault à Paris, et l'avait retrouvé ensuite en Italie.
L'oeuvre avait été attribuée à Schnetz car il avait peint lui même la mère de sa
compagne à plusieurs reprises. A cette occasion, on fait découvrir au visiteur le
détail de l'enquête menée par les spécialistes, et plus largement sont montrées ce que sont les méthodes d'investigation pour
attribuer un tableau à son créateur.
MONTPELLIER : Musée Fabre
" Made in USA : l'art américain de 1908 à 1947"
Jusqu'au 23 juin 2002
"Made in USA", réunit une présentation d'oeuvres emblématiques de
l'art américain de 1908 à 1947, dans le cadre d'un projet d'échanges entre les musées
français et américains afin de familiariser en particulier le public français avec
l'art américain, depuis l'Ash Can School, issu de l'impressionnisme, jusqu'aux
oeuvres majeures des expressionnistes abstraits comme Barnet Newmann ou Jackson Pollock.
Cette exposition, rassemble des peintures et des oeuvres graphiques, mais aussi des
photographies et des sculptures, prêtées par différents collectionneurs et des musées
français et américains.
CHANTILLY : Musée Condé
" Gustave Le Gray, un pionnier de la photographie"
Jusqu'au 17 juin 2002
Gustave le Gray (1820-1882), fut l'un des premiers pionniers de la photographie. Le
Musée Condé de Chantilly nous propose ici la présentation des photographies de Gustave
Le Gray en provenance de la collection ayant appartenu à Henri d’Orléans, Duc
d’Aumale (1822-1897), qui avait fait don à l’Institut de France du Château de
Chantilly en 1886, de ses collections de peintures, de ses dessins et de ses livres
précieux, mais également de son imposante collection de photographies anciennes.
Ce fonds photographique conservé à Chantilly est constitué d’environ 1400 tirages
sur papier datant en majorité de la deuxième moitié du XIXème siècle. Henri
d'Orléans Duc d'Aumale en tant que donateur avait demandé à ce que que sa collection ne
puisse pas être prêtée.
Le Musée Condé de Chantilly expose donc ces épreuves rares de Gustave Le Gray dans les
lieux mêmes où ce fonds est conservé, alors que l'actualité des ventes concernant
certaines de ses épreuves et des expositions mettent sur le devant de la scène ce
pionnier de la photographie.
Dans la collection du Duc d’Aumale, on retrouve ici les photographies d'oeuvres d'art
prises par Gustave Le Gray telles "La Joconde" de Léonard de Vinci
photographiée au Musée du Louvre, ainsi que de nombreux portraits. Mais on trouve
également et surtout la collection la plus importante de photographies de marines prises
par Le Gray, et que le Duc d'Aumale avait acquises en 1856 à Londres.
Gustave Le Gray qui commença sa carrière comme
peintre, fut l'élève de Delaroche. Il se qualifiait lui-même
de « peintre photographe », et s'intéressa particulièrement à la recherche technique
pour l'amélioration du négatif papier en utilisant le collodion, en 1849, et en
inventant le négatif papier ciré. Le Gray réalisa différente photographies
reportages pour Napoléon III , comme la série du "Camp de Châlons" en 1857,
mais aussi les "Barricades de Palerme" en 1860), et réalisa de nombreux
portraits et des paysages . Il aurait fini sa carrière au Caire, comme professeur de
dessin et de peinture en pratiquant toujours la photographie et en ayant montré des
des photos d' 'Égypte à l'Exposition Universelle de 1867 à Paris.
PAU : Musée des Beaux Arts
" Traits de Picasso"
Du 27 avril au 12 juin 2002
Cette exposition intitulée " Traits de Picasso " constitue un
événement culturel non pas tant par la prouesse qui fait qu'un musée de province
accueille une exposition qui était à New York, il y a à peine quelques semaines, mais
sutout parce que les quarante-quatre gravures qui constituent cette présentation
couvrent, la quasi-totalité de la carrière du maître, entre 1905 et 1960, exception
faite de la période cubiste.
Le choix de cette exposition a été d'aborder le peintre non pas par ses toiles, le
côté le plus connu du grand public, mais par le côté plus intimiste de son oeuvre : le
dessin et les différentes techniques qu'il utilisera telles la pointe sèche,
l'eau-forte, l'aquatinte sur cuivre, au d'autres techniques encore .
En suivant pas à pas le parcours de cette
présentation sur les " Traits de Picasso", on décrypte mieux l'évolution et
la démarche de l'artiste, et ses différentes périodes, jusque dans ses dernières
années, en particulier celle où il cherche par le dessin à apporter des solutions au
problème de l'expression plastique du visage qu'il fait évoluer vers le masque, avec
l'exemple du "Portrait de Gertrude Stein" qu'il réalise en 1906, et qui le
conduit progressivement à l'abstraction.
Les études pour les "Demoiselles de la Rue d'Avignon " procédent de cette
même recherche en 1907, qui le feront quitter progressivement la figuration pendant une
dizaine d'années jusqu'en 1917, date à partir de laquelle, il retrouve son goût pour le
dessin et la ligne, tels les portraits qu'il réalise de ses amis musiciens, tels Igor
Stravinski, Eric Satie, Manuel de Falla, et par le retour à des compositions figuratives
aux influences classiques, tout en gardant son goût pour des figures stylisées qui
l'améneront ensuite à partir des années 1930 à des compositions très structurées
dont "Guernica" en 1937 restera l'oeuvre essentielle, au travers toutes les
études qui l'auront précédée.
Les années qui suivront Guernica, et la Seconde Guerre Mondiale, seront pour Picasso,
celles d'un retour à la jouissance de la vie, à la paix, durant " la période
d'Antibes", jusqu'à sa fin en avril 1973, où les traits de Picasso, expimeront des
visages, d'hommes, de femmes qui vivent, jusqu'aux scènes érotiques de sa dernière
période.
LILLE
: Palais des Beaux Arts " Berthe Morisot : 1841- 1895 "
Jusqu'au 9 juin 2002
Cette exposition du Palais des Beaux-Arts de Lille, est la plus grande rétrospective
depuis près de quarante ans, jamais consacrée à Berthe Morisot (1841-1895).
Elle réunit plus d'une centaine d'oeuvres choisies parmi les plus représentatives parmi
les quelques quatre cents oeuvres recensées de l'artiste.
Amie de Renoir, de Degas, de Cézanne, de Mallarmé, Berthe Morisot, fille de préfet,
bourgeoise et peintre impressionniste à ses heures, a "vécu sa peinture et peint sa
vie", comme l'a écrit Paul Valery.
Elle n'a pas eu à vivre de sa peinture. Mariée très honorablement à 33 ans, elle a
conduit sa carrière de peintre selon son vouloir, en ignorant totalement ce que cela
pouvait avoir de choquant dans son milieu, à son époque.
Ses thèmes préférés sont les représentations du
bonheur sans ombre, tels les visages de femmes et d'enfants, les fleurs dans les jardins
d'été en privilégiant la clarté et la lumière, au risque de laisser parfois
apparaître la trame de la toile, et elle pose elle même volontiers pour ses amis
peintres.
Cette superbe exposition propose d'ailleurs, parmi les oeuvres empruntées à différentes
collections privées ou à des musées américains, huit portraits réunis pour la
première fois et réalisés son beau-frère Edouard Manet, dont son fameux tableau "
Berthe Morisot au Bouquet de Violettes", peint en 1872.
DUNKERQUE : Musée des Beaux Arts " Rétrospective Serge Poliakoff "
Jusqu'au 2 juin 2002
Cette importante rétrospective consacrée à l'oeuvre du peintre Serge
Poliakoff (1900- 1969), sur une période allant de 1937 à 1969, et organisée par
le Musée des Beaux Arts de Dunkerque, en collaboration avec la famille de l'artiste,
réunit près de soixante-dix oeuvres d'un des maîtres de la couleur et de la composition
du milieu du XXème siècle.
Composée d'un ensemble de toiles de différents musées européens, belges et allemands
notamment, qui ont été réunies par le fils du peintre, et d'un certain nombre d'oeuvres
en provenance de différentes collections privées, on peut également découvrir dès
l'entrée dans les lieux, la dernière oeuvre inachevée de l'artiste .
Serge Poliakoff, né à Moscou, quitte la Russie en pleine guerre civile, et arrive à
Paris en 1923. Pour vivre, il joue de la guitare et de la balalaïka dans les restaurants
russes de la capitale, et y rencontre Robert Delaunay, et Wassily Kandinsky .
En dehors de ses talents de musicien, Poliakoff
pratique aussi la peinture à l'huile, la gouache et l'aquarelle, en réalisant des
compositions faites d'éléments géométriques, vivement colorés et découpés selon une
inspiration fortement marquée par le futurisme. Ses oeuvres de 1938 à 1952 sont
fortement imprégnées d'abstraction géométrique et d'un art informel, avec un
agencement imbriqué de formes aux lignes diagonales, verticales ou horizontales
soulignées de couleurs intenses et vives.
Après cette première période, et jusqu'à sa mort en 1969, il développe dans
l'ensemble de ses oeuvres un jeu complexe de camaïeux et d'imbrications de formes
structurées en jouant sur l'intensité lumineuses et la juxtaposition de couleurs aux
textures granuleuses, épaisses, ou fluides afin de renforcer encore les teintes.
Son art et ses talents de coloristes, il les utilise aussi pendant cette période, à la
réalisation de décors pour des ensembles de faïence et d'émaux composés pour la
Manufacture de Sèvres, aujourd'hui très recherchés.
ANGERS : Musée Jean Lurçat
" Pierre Vemaëre ou l'harmonie des contraires "
Jusqu'au 20 Mai 2002
Pierre Wemaëre, né en 1913, commence à peindre en 1935, avant de devenir en
1936, au côté du peintre danois Asger Jorn, l'élève de Fernand Léger. Jorn et
Wermaëre se lient d' amitié et s'imprégnent de la formation de leur maître, mais aussi
des travaux de Kandinsky et de Klee.
Pierre Wemaëre est contraint d'arrêter la peinture avec la guerre de 40, et il se met au
tissage dans lequel il trouve matière à une autre créativité artistique. Asger Jorn
est lui aussi attiré par cette technique et le rejoint dans cette activité par la
création d' oeuvres tissées qu'ils exécutent ensemble.
IEncouragé par son ami Asger Jorn, l'un des
créateurs du mouvement Cobra, Pierre Wemaëre reprend la peinture au cours des années
60. Son oeuvre faite de jaillissements, d'empâtements, de spontanéités et de couleurs
sauvages, font de lui un coloriste s'exprimant avec des violences et des déchirements
dans un graphisme où naissent des formes, figures et êtres fantastiques.
Pierre Wemaëre pendant les événements de 1968, avec Jorn, réagit avec fougue,
s'engage, auprès des révoltes étudiantes, et développe de nouvelles techniques
d'expression avec l'utilisation des papiers collés. Dans les années 1980, il renoue avec
la tapisserie, en conservant la même fougue et la même agressivité dans ses couleurs et
ses matières tout en poursuivant une oeuvre de peintre dont la palette demeure toujours
aussi vigoureuse et colorée et ne peut laisser personne dans indifférence Adresse : Musée Jean Lurçat - 4, Boulevard Arago
49100 Angers
MARSEILLE : Musée Cantini " De Cézanne à Dubuffet "
Jusqu'au 5 mai 2002
Ce sont quelques 150 peintures et dessins rassemblés par le collectionneur
suisse Jean Planque (1910-1998),
ami de Picasso et de Dubuffet, qui nous sont proposés dans cette exposition du Musée
Cantini de Marseille sous le titre "de Cézanne à Dubuffet".
Jean Planque qui est né en 1910 dans le Pays de Vaud en Suisse, après avoir fait
magasinier et des études de commerce à Lausanne, découvre la peinture moderne
devant une toile de Renoir représentant un bouquet de roses. Représentant de commerce,
il voyage, visite les musées et les galeries pendant ses loisirs, et prend le temps de
rencontrer des artistes. Son regard s'affine et il est très attiré par l'oeuvr e
de Paul Klee, qui lui donne alors qu'il a vingt ans l'envie d'étudier l'art
moderne.
Il achète pour son plaisir ses premiers tableaux. Mais il ne commence réellement sa
collection qu'à partir de 1945. Il rencontre Ernst Beyeler, en 1954, qui, subjugué par
l'acuité de son regard sur la peinture moderne, lui propose de travailler avec lui et le
charge d'acheter les oeuvres d'artistes qui lui paraissant digne d'intérêt. C'est ainsi
que Jean Planque acquiert pour le compte de la Galerie Beyerler un grand nombre de
tableaux qui en font sa réputation.
Il se lie d'amitié la même année avec Jean
Dubuffet, dont il pourra acquérir dans sa collection une quinzaine d'oeuvres
importantes, dont la "Légende de la rue" peinte en 1963, ou "Site
avec quatre personnages" peinte en 1981.en reconnaissant plus tard que c'est de lui
qu'il a tout apprit pour comprendre et analyser un oeuvre.
Il rencontre aussi Pablo Picasso, en 1960, qui lui indique lelien qu'il entretient
avec les maîtres tels que Rembrandt, Velasquez, Delacroix, ou Cézanne dans sa création.
C'est ainsi que Jean Planque et réunit dans sa collection une quinzaine de tableaux et de
dessins du maître, ainsi que près de 400 estampes, dont six sont présentées ici,
telles "le Sauvetage" réalisée par Picasso en 1933, "la Femme
au chapeau dans un fauteuil" de 1939, ou encore "la Femme au miroir" de
1959.
Jean Planque rencontre encore Giacometti, Bazaine, Bissière, Braque, Sonia et Robert
Delaunay, Tapiès et de multiples autres artistes avec lesquels il enrichit sa collection
au côté de certaines oeuvres de Cézanne, Redon, mais encore Degas, Monet, Van
Gogh, ou Gauguin.
Ce sont donc une grande partie de ces oeuvres qui sont donc présentées ici dans cette
très belle exposition qu'il ne faut pas manquer.
MARSEILLE
: Centre de la Vieille Charité " Rétrospective Dora Maar "
Jusqu'au 30 avril 2002
Cette exposition qui est la première grande rétrospective en France consacrée à Dora
Maar, de son vrai nom Théodora Markovic, photographe et peintre, nous offre le
privilège de découvrir le talent trop méconnu de cette femme qui fut le modèle, la
compagne de Pablo Picasso et l'égérie des surréalistes, et dont une seule exposition
avait été réalisée jusque là, en1990 à Paris.
Ce sont, pour l'occasion plus de 200 pièces, photographies en noir et blanc, oeuvres de
l'artiste elle même, tableaux de Picasso et oeuvres de plusieurs surréalistes qui ont
été rassemblés en provenance de nombreuses collections privées, et de divers musées
Cette exposition nous fait découvrir l'univers photographique de Dora Maar qui emprunte
à la fois au surréalisme et au photo-reportage de rue, avec des vues de Paris des
années trente.
Une série de photos totalement exceptionnelles nous font découvrir également les
différentes étapes en cours de réalisation du "Guernica" de Picasso, dans son
atelier de la Rue des Grands Augustins à Paris, en 1937.
Dora Maar qui est connue comme l'un des modèles
privilégiés de Picasso, et comme sa compagne durant quelques années, de 1936 à 1943,
s'installe ensuite près d'Avignon où elle se retire dans une maison pour y vivre seule
dans une profonde solitude. Elle meurt en juillet 1997, dans un appartement
délabré de la Rue de Savoie à Paris, où l'on retrouve de nombreuses oeuvres inconnues
de Picasso.
Elle devient célèbre pour le grand public suite à la vente aux enchères d'octobre
1998, où nombre de ses photographies et de ses biens, sont dispersés, parmi lesquels de
nombreux ouvrages dédicacés par des amis poètes et artistes, mais aussi des peintures,
des dessins, des collages et des bijoux de Picasso.
Morte à l'âge de 90 ans, elle était réputée pour sa beauté et pour son élégance,
mais aussi par ce qu'elle était une femme engagée qui fréquenta le groupe Octobre où
elle côtoya de nombreux artistes surréalistes, tels Paul Eluard, André Breton et Jean
Cocteau, mais aussi des photographes célèbres tels Brassaï, Cartier-Bresson ou encore
Man Ray.
STRASBOURG : Musée d'Art Moderne et Contemporain " Antonio Saura : la crucifixion "
Jusqu'au 21 avril 2002
Pour la première fois en Europe, cette exposition est consacrée à l'un des
thèmes dominants dans l'oeuvre des dernières années du peintre espagnol Antonio Saura,
celui de la crucifixion.
Antonio Saura (1930-1998) est l'un des peintres majeurs de l'art contemporain espagnol.
C'est à partir de 1947, et s'éloignant du surréalisme, qu'il s'oriente vers un art plus
informel ayant pour thèmes les portraits imaginaires, les foules, et les crucifixions,
surtout à partir de 1957 jusqu'en 1996.
Dans des couleurs sombres, ces dessins et ces toiles consacrés à la crucifixion,ne
répondent pas particulièrement à une préoccupation religieuse de l'artiste, mais à
une perception et à une représentation de la tragédie humaine.
NANCY
: Musée des Beaux Arts " Raoul Dufy "
Jusqu'au 1er avril 2002
Ce sont 130 tableaux qui ont été réunis ici pour retracer l'itinéraire du peintre
Raoul Dufy (1877-1953), appelé quelquefois
"le peintre de la joie de vivre", avant qu'ils ne regagnent pour une grande
partie les murs du Centre Georges Pompidou.
Sur les deux étages des salles d'expositions temporaires du musée, le visiteur peut
suivre le parcours de Raoul Dufy depuis ses premières oeuvres impressionnistes, en
passant par le fauvisme, jusqu'aux séries qu'il réalise à la fin de sa vie. C'est
ainsi que l'on peut retrouver les plus grands tableaux de sa période "fauviste"
comme "Les Baigneuses" mais aussi de nombreux paysages, ainsi qu'une une
série de portraits.
Raoul Dufy était un grand admirateur de
Matisse, dont il aimait les oeuvres colorées. Pour lui, les couleurs et la peinture
doivent exprimer, la vie, l'amour, la nature, les bords de mer, la gaieté, la joie de
vivre. Toute son oeuvre est guidée par cette démarche au travers les différents époque
de sa vie. Mais il aimait aussi de multiples autres formes d'expression artistiques, comme
la musique - il admirait Claude Debussy-, mais aussi le théâtre,- il a créé des
décors de théâtre, ou encore les beaux tissus et la couture, il a créé à une
période de sa vie des modèles de tissus après avoir notamment travaillé pour une
maison de soieries lyonnaise. Ce sont les différents aspects de cette oeuvre riche en
couleurs, et exprimant tous les plaisirs de la vie que l'on peut retrouver dans cette
très belle exposition.
AIX EN PROVENCE : Galerie d'Art -
Hôtel de Castillon
" Victor Hugo "
Jusqu'au 7 avril 2002
Le bicentenaire de la naissance de l'écrivain et poète français le plus
populaire en France et le plus connu au monde, Victor Hugo (1802-1885), s'accompagne
actuellement de nombreuses manifestations et expositions, dont la présentation au public
de son oeuvre artistique et graphique, composée d'environ trois mille pièces.
Car à côté de l'écriture et de la poésie, Victor Hugo s'est aussi consacré au
dessin, et au travail de l'encre et du lavis qu'il appréciait plus particulièrement, car
c'était pour lui le moyen le plus rapide et le plus précis, davantage que la description
par l'écriture pour fixer les images qui lui traversaient l'esprit. Son inspiration
fortement imprégnée du romantisme, lui permettait de tracer au crayon et à l'encre, les
restes d'un vieux mur, une tourelle de château en ruine, un vieil escalier, un arbre mort
démantelé, qui lui permettaient aussitôt de donner naissance à des histoires
fantastiques au profond des murs d'une forteresse abandonnée au sommet d'une roche, ou à
des scènes visionnaires et cauchemardesques faite de paysages tourmentés par des ciels
orageux et sombres.
Cette exposition permet d'en apprendre davantage sur
les talents de dessinateur, beaucoup moins connus que ses talents de poète, et de voir
ici, comment derrière lui, le grand écrivain a laissé cette image d'un grand
visionnaire, mais aussi comment il a transmis à ses héritiers, ce goût pour la
puissance évocatrice de l'image, au travers l'oeuvre entre autre de son fils Charles,
devenu photographe, ou de son petit fils Georges devenu peintre.
LA REUNION/ ST DENIS DE LA REUNION
: Musée Léon Dierx
" La Collection Ambroise Vollard "
Jusqu'au 7 avril 2002
Des oeuvres appartenant au patrimoine mondial tel que "Le Masque" de
Picasso, ou encore "L’Entrée du Jardin au Petit Gennevilliers" de Gustave
Caillebotte sont présentées actuellement dans les grandes salles rénovées du Musée
Léon-Dierx à Saint-Denis de la Réunion, après une tournée internationale dans
laquelle les quelques 157 oeuvres d'art de la célèbre collection Ambroise Vollard, ont
pu être exposées à Paris, à Reims, à Singapour, ou encore à New Delhi. La collection est présentée ici dans son intégralité, dont Lucien Vollard, le
frère du célèbre marchand d’art, avait fait don au Musée Léon Dierx en 1947.
Dans l'intégralite des chefs d'oeuvre que compose cette collection, les pièces les
plus précieuses, sont "L’Entrée du Jardin au Petit Gennevilliers" de
l’impressionniste Gustave Caillebotte, réalisée en 1893, des portraits de
Pierre-Auguste
Renoir peint en1903,"Le Repas
Frugal" de 1913 et "Les trois Amies" de 1927 de Pablo Picasso, et une mine
de plomb de d’Auguste Rodin de 1899, "Le Nu Féminin" qui ne sera exposée
que quelques jours en raison de son extrême fragilité à l’abri de la lumière et
de l’humidité.
On peut également admirer des sculptures de Pablo Picasso, dont "Le Masque",
des toiles de Paul Gauguin " Pot à Personnages Bretons", "Jeune Femme au
Capuchon", mais aussi "Tête d'Enfant" de Louis Valtat ou encore
"Eau ou Petite Laveuse"de Pierre-Auguste Renoir qui ont été restaurés, avec
diverses autres oeuvres pour l'occasion.
RENNES : Musée des
Beaux Arts
" Made in USA : l'art américain de 1908 à 1947"
Jusqu'au 31 mars 2002
"Made in USA", réunit une présentation d'oeuvres emblématiques de l'art
américain de 1908 à 1947, dans le cadre d'un projet d'échanges entre les musées
français et américains pour familiariser en particulier le public français avec l'art
américain, depuis l'Ash Can School, issu de l'impressionnisme, jusqu'aux oeuvres
majeures des expressionnistes abstraits comme Barnet Newmann ou Jackson Pollock.
Cette exposition, rassemble des peintures et des oeuvres graphiques, mais aussi des
photographies et des sculptures, prêtées par différents collectionneurs et des musées
français et américains.
GAILLAC : Musée des Beaux Arts
" Toulouse-Lautrec : visages spectacles "
Jusqu'au 17 mars 2002
Actuellement
Le centenaire de la mort d'Henri de Toulouse-Lautrec
fait l'objet de différentes expositions, à Albi, ville natale du peintre, à
Malromé, son dernier lieu de résidence, mais aussi à Gaillac au Musée des Beaux Arts,
où sont exposées une centaine d'oeuvres rarement présentées, en provenance de
différents musées, dont le Musée Paul Dupuy de Toulouse, ou de collections privées.
Car en effet, les aieux et la famille de Toulouse- Lautrec sont originaires de la
région de Gaillac depuis le XVIIéme siècle, ce qui a incité le Musée à célébrer aussi le
centenaire de la mort du peintre, par une présentation d'oeuvres mettant en avant deux
thèmes essentiels chez le peintre : les portraits et le cirque.
Toulouse-Lautrec a représenté le cirque à
la fin de sa vie, un sujet qu'il a toujours affectionné. C'est ainsi qu'il réalise, en
1899, alors qu'il est interné dans une maison de repos, différents dessins,
représentant ce sujet, dont le Musée a pu récupérer quelques planches d'un album
tiré à 12 exemplaires, et offerts par des imprimeurs à la famille du peintre,
quelques années après sa mort.
Ce sont également différentes affiches originales que l'on retrouve, dont quelques unes
représentant Jane Avril, May Belfort ou encore May Milton, largement inspirées dans leur
composition par les emprunts du peintre à la peinture japonais, avec de grands aplats de
couleur.
CASTRES : Musée Goya " Le livre d'Or de Willy Mucha "
Jusqu'au 17 mars 2002
Le Musée Goya de Castres consacre l'oeuvre de Willy
Mucha (1905-1995), qui pour la première fois présente "Le Livre d'Or" de
l'artiste, où sont apposées les signatures de ses amis artistes les plus prestigieux
ayant eu des liens avec lui à Collioure, de la deuxième guerre mondiale à 1983, et qui
sont reproduites et "accrochées" avec les oeuvres de Mucha lui même.
On peut ainsi regarder dans le détail les dessins, peintures ou les textes de créateurs
tel s Foujita, Maillol, Dufy, Cocteau, Chagall, Picasso, Braque, Dali, Ernst, Lartigue,
Butor, Kessel, Miro, ou encore Aragon ou Barjavel.
Willy Mucha fût le centre et le trait d'union
de l' attrait des artistes pour la petite ville de Collioure, véritable petite capitale
de l’art, avant lui mais aussi et surtout après guerre. Né à Varsovie en 1905,
Willy Mucha vient en France en 1920 après de multiples voyages au travers l'Europe,
après avoir connu la Russie, l’Allemagne et l’empire austro-hongrois. C'est en
1936, en allant en Espagne où vient d’éclater la guerre civile, qu'il s'arrête à
Collioure et décide d'y revenir. Après la guerre, Willy Mucha s'y s'installe et
trouve là , toute la source d’inspiration , l'élégance et la fraîcheur que l'on
trouve dans son oeuvre. C’est là qu’il reçoit alors de nombreux
créateurs et qu'il ouvre son fameux "Livre d’Or" dans lequel on vérifie
par les textes, les dessins ou les peintures que Collioure fût un lieu
d'inspiration intense et de fascination créatrice unique.
Adresse : Musée Goya - Hôtel de Ville 81100
Castres -
DIJON : Musée des Beaux Arts " Paysages de Bourgogne " Jusqu'au 11 mars 2002
L’exposition du Musée des beaux Arts de Dijon ," Paysages de Bourgogne : De
Corot à Laronze" couvre un siècle de peintures de paysages en Bourgogne.
La Bourgogne, est l'une des régions françaises, qui durant le XIXème siècle, a
bénéficié de l’intérêt des artistes pour le paysage et la pratique de la
peinture en plein air. C'est d'abord Constable, au début du siècle qui initie cette
pratique, en quittant son atelier, laquelle trouve son plein développement avec
Corot et les impressionnistes.
C'est ainsi qu' apparaissent un peu partout en France des villages qui constituent des
centres artistiques où s'installent les peintres. Peu éloigné de Paris, et remarqué
pour la beauté de son paysage, Barbizon est un exemple de ces villages.
La Bourgogne, fût aussi une région prisée par les
artistes, du fait que les transports par chemin de fer, raccourcisse la durée des
voyages et permettent des déplacements plus faciles entre la capitale et la
province. C'est ainsi qu'entre le Morvan et le Charolais, la beauté des paysages et une
douceur de vivre attirent nombreux les artistes entre 1830 et 1930.
C'est un siècle de peinture que l'on est invité à découvrir, au travers les
différents styles et sujets de paysages, dont l' évolution sur un siècle accompagne
tous les courants de la peinture depuis les paysages du Morvan de Corot, ou les aquarelles
réalisées dans le Nivernais de Jongkind, professeur de Claude Monet, ou encore de Jean
Laronze
peintre du Charolais, fortement imprégné de l'oeuvre de Jean-François Millet et de son
goût pour une peinture réaliste et sensible du monde paysan
ARRAS : Musée
des Beaux Arts " Ousmane Sow : séries africaines "
Jusqu'au 04 mars 2002
Cette nouvelle exposition du sénégalais Ousmane Sow consacre l'oeuvre de cet
artiste et sa reconnaissance tardive dans le domaine de la sculpture. Ousmane Sow dès son
plus jeune âge taille le calcaire, mais il est détourné de ce goût qu'il a pour la
sculpture, pour des études qui le conduisent au métier de kinésithérapeute.
Après ses études et vingt ans de vie et de travail en France, il retourne à Dakar
pour créer, sculpter et s'engager par son art dans la défense des tribus et des peuples
qui luttent pour survivre. Il sculpte pour encourager les hommes et les femmes à ne pas
baisser les bras, et à se battre pour leur liberté. Il sculpte avec sa technique
particulière qu'il améliore au fil de ses travaux, des visages indiens d'Amérique du
Nord, mais aussi et surtout les figures de guerriers Massaïs, de pasteurs Peuls, de
lutteurs Noubas, des Zoulous, qui sont pour lui autant de symboles des hommes et des
peuples qui veulent relever la tête, et qui s'opposent à l'oppression. Sa première
exposition se tient en 1987 au Centre Culturel Français de Dakar; il a alors 50 ans.
Ousmane Sow a inventé sa technique, mais
aussi sa matière. Son mélange secret fait de paille, de jute, de terre et de divers
ingrédients macère dans des cuves avant que d'être malaxée, collée et modelée de ses
doigts sur des structures métalliques. Ce n'est qu'avec réticence qu'il accepte de voir
ses sculptures moulées dans le bronze. Peu après l'exposition sur le Pont des Arts à
Paris en 1999, il accepte de fondre trois de ses oeuvres: " La Mère et
l'enfant", "le Nouba debout", et " La danseuse aux cheveux
courts". Il n'est pas opposé à cette technique, mais elle l'éloigne quelque peu de
l'émotion qui est la sienne dans le moment même de la réalisation de l'oeuvre, quand sa
matière prend forme directement sous ses mains. Pour Ousmane Sow, la valeur majeure parmi
toutes est la dignité.
CAEN : Musée
des Beaux Arts " Antonio Saura : l'oeuvre imprimé "
Jusqu'au 04 mars 2002
Le Musée des Beaux-Arts de Caen présente l'oeuvre imprimé d'Antonio Saura
(1930-1998) qui avait été défini par André Breton, comme le "Peintre des
présages". Antonio Saura fut une figure majeure de l'art espagnol de la fin du XXe
siècle.
Cette exposition qui constitue la plus importante rétrospective jamais organisée par un
musée français, rassemble un grand nombre d'estampes, plus de cent cinquante, sur quatre
thèmes : la femme, le portrait, la crucifixion, la foule, et présente de nombreux livres
illustrés, qui initie à une oeuvre qui demeure encore peu connue du public français.
L'estampe est restée pour Antonio Saura, l'un de ses moyens d'expression préféré tout
au long de sa vie. Il a en effet, selon le catalogue raisonné, d'Olivier Weber-Caflisch
et Patrick Crame, aux Editions Patrick Crame, édité à Genève en 2000, réalisé pas
moins de 632 gravures, lithographies et sérigraphies entre 1958 et 1998.
La maîtrise des techniques de l'estampe, et
de la sérigraphie chez Antonio Saura, est un jeu de superpositions de matières, de
collages et de recomposition d'images à partir de fragments de papiers déchirés, tels
les" Aphorismes de Lichtenberg", ou les autoportraits de la série
"Moi" .
QUIMPER : Musée
Départemental Breton " Ernest Guérin "
Jusqu'au 03 mars 2002
Ernest Guérin né
à Rennes, en 1887, étudie à l'Ecole des Beaux-Arts avant de venir à Paris poursuivre
sa formation auprès d'un architecte. Artiste original, il pratique avec le même bonheur
la gouache, l'aquarelle, et l'enluminure et participe à de nombreux salons alors à la
mode.
Très vite sa réputation grandit, par le caractère de son oeuvre qui peint la rudesse de
la vie, les coutumes des paysans bretons, les traditionnlles fêtes religieuses, et le
caractère sauvage de la Bretagne au travers ses paysages, son climat et ses atmosphères.
Au côté de Mathurin Méheut, il témoigne des traditions de la vie villageoise, et de
l'emprise des croyances religieuses sur le quotidien.
Cette exposition nous
fait découvrir quelques une des oeuvres marquantes de l'artiste, telles celle d'un"
Pardon Breton", qui illustre l'affiche de l'exposition et constitue un sujet
récurent chez Ernest Guérin. Mais parmi les différentes oeuvres présentées, on peut
aussi découvrir en particulier ses aquarelles, consacrées à la Tunisie et aux "
Femmes Touareg" , ou encore les enluminures illustrant sa vision de la vie de Jeanne
d'Arc, ou les illustrations d'un recueil de prières, autant d'oeuvres qui
restituent les nombreuses richesses de cet artiste.
TOURS : Château de Tours
" De la Figuration au Geste : Mirò à Tours "
Jusqu'au 27 février 2002
Intitulée "De la Figuration au Geste", cette exposition dont l'entrée est
libre se distingue des différentes rétrospectives réalisées sur l'oeuvre de Mirò par
l'accent mis sur les multiples talents de l'artiste, à la fois sur son oeuvre de
peintre, mais aussi de graveur, de céramiste et de sculpteur.
Ce n'est pas uniquement l'oeuvre, mais aussi l'homme qui est mis en avant à Tours par de
nombreuses photographies prises sur l'artiste dans son atelier de Palma de Majorque,
quelques mois avant sa mort, et par de nombreuses lettres échangées avec les artistes de
son époque.
Ce sont 125 gravures, aquatintes, pointes-sèches, ou lithographies qui sont présentées,
ainsi que 50 sculptures et 5 céramiques en provenance de la Fondation Joan Mirò de
Barcelone, et de la Fondation Maeght de
Saint-Paul-de-Vence, ainsi que de la galerie Lelong de Paris. Parmi les oeuvres exposées,
les célèbres lithographies telles que "Personnage au soleil rouge" (1950) ou
encore "Personnage et Oiseau" (1948), les sculptures telles que, "L' oiseau
lunaire" (1970), et un bronze monumental arrivé tout droit du Square Blomet dans le
15ème arrondissement à Paris, et qui n'avait jamais quitté ce lieu, à proximité de
l'atelier où travailla l'artiste l'année 1928.
TOULOUSE : Musée
des Jacobins " L'Or des Amazones "
Jusqu'au 20 février 2002
Cette exposition
intitulée" L'or des Amazones " ou l'histoire des peuples nomades d'Asie et
d'Europe du IVème av. J.-C. au IVème siècle ap. J.-C, après avoir été présentée au Musée Cernuschi à Paris, est reçue actuellement par Toulouse,
qui sera la seule ville de province en France à accueillir cette exposition de grande
qualité scientifique.
Elle propose la découverte d'un art ancien provenant du Nord de la Mer Noire, trouvé
dans la fouille des kourganes, les tertres funéraires de la région du delta du Don et du
Kouban et révèle la richesse des objets funéraires et de l'orfévrerie de la
civilisation des Scythes et des Sarmates.
L'exposition est organisée dans un parcours qui guide le visiteur parmi les trésors
découverts dans différentes chambres funéraires, jusqu'à celle d'une riche
princesse sarmate de Kobiakovo, qui fût découverte en 1987. Elle permet de
développer les connaissances que l'on peut avoir déjà sur le mode de vie de ces
peuplades et sur le mythe des Amazones, et découvrir ainsi les riches parures, les armes
et les harnachements utilisés par ces sociétés nomades ainsi que les trésors des
objets réalisés en or, associés aux pierres de couleur, les turquoises, les grenats,
les cornalines, qui démontrent le raffinement de ces peuples dits barbares, venant des
profondeurs des steppes d'Asie Centrale .
Cette exposition réunit de nombreuses pièces
rares qui illustrent ce que furent les échanges commerciaux entre les peuplades de
l'est et de sud de l'Oural, et celles de l'ouest, mais aussi les conflits entre ces
peuplades, et les migrations qui brassérent les formes traditionnelles et anciennes de
ces cultures et apportérent un renouvellement des coutumes, des traditions,
des connaissances.
DIJON : Bibliothèque Municipale
" Les Manuscrits de la Toison d'Or"
Jusqu'au 31 janvier 2002
C’est à Philippe le Bon que l’on doit la création de l’Ordre de
la Toison d’Or, inspirée directement de la mythologie grecque. La conquête de la
peau du bélier est assimilée à la poursuite de la sagesse, et de la vertu. Philippe le
Bon pour soutenir la foi chrétienne et exalter la chevalerie européenne créée
l’Ordre de la Toison d’Or à l’occasion de ses noces avec Isabelle du
Portugal, en 1430.
Au travers l'histoire, la tradition la Toison d’Or demeure encore très vivace en
Europe. La ville de Dijon témoigne ici de sa fidélité à cet Ordre du Duc de Bourgogne,
et présente dans cette exposition un certain nombre d'ouvrages rares faisant référence
à l'Ordre en écho à l'armorial équestre de la Toison d’Or publié récemment par
l’Hôtel de Région
Les objets essentiels représentatifs de l'Ordre de la Toison d’Or, que sont le
collier, les manteaux se trouvent à la Hofburg de Vienne, mais le public peut
découvrir ici les livres ornés d'enluminures et classés par ordre chronologique
qui décrivent comment l'Ordre a pu être mis en place. Plusieurs volumes aux riches
enluminures sont présentés, dont celles présentant Guillaume Fillastre, chancelier de
l’ordre offrant son livre à Charles le Téméraire, mais aussi l’armorial
manuscrit, dessiné par Anne d’Ennetières de Tournai, mais aussi le manuscrit qui
contet l’histoire de la Sainte Chapelle, détruite en 1802 et qui fût le siège de
la Toison d’Or.
Adresse : Bibliothèque Municipale de Dijon -
21000 Dijon -
NANTES : Musée Dobrée " Au Fil du Nil
Couleurs de l'Egypte Chrétienne "
Jusqu'au 20 janvier 2002
Le Musée Dobrée propose au travers de cette exposition près de 170 pièces
exceptionnelles, témoins de l’histoire de l’art de l’Egypte copte.
En collaboration avec le Musée du Louvre et le Musée Historique des Tissus de Lyon,
l'objet est de faire découvrir ici, suite à leur restauration, un ensembe de
tissus coptes issus de ses propres collections et apporter le témoignage de l'émergence
du christianisme en Egypte, au IIème siècle de notre ère.
L’Egypte copte, dans la filiation des traditions pharaoniques, hellénistiques,
romaines, puis plus tard musulmane, s’est construite une culture originale au travers
son art, et des artistes qui ont su créer de véritables chefs-d'oeuvre dans
le travail du textile, du bois, de la pierre ou du métal.
L’art du tissage est chez les Coptes tout
à fait exceptionnel, et sert de fil rouge à cette exposition, mais de nombreux objets et
documents permettent également de découvrir ce que fût la vie quotidienne en Egypte du
IIème au XIVème siècle de notre ère.
NANTES : Musée des Beaux Arts " Picasso "
Jusqu'au 14 janvier 2002
Cette exposition consacrée à Picasso (1882-1973) ouverte au Musée des Beaux-Arts de
Nantes présente un choix de 57 tableaux éxécutés par le peintre pendant les dix
dernières années de son activité, entre 1961 et 1972.
Ces tableaux qui sont pour certains inconnus du grand public, car ils ont été rarement
montrés, proviennent de la collection personnelle du petit-fils du peintre Bernard
Ruiz-Picasso. Certains d'entre eux n'ont jamais été exposés, ou qu'une seule fois, lors
d'une exposition au Palais des Papes à Avignon, en 1973.
Picasso poursuivit pendant cette période de
la fin de sa vie, ses recherches avec la même liberté de peindre, et la même
virtuosité que durant les périodes précédentes, exprimant tout autant une
modernité stupéfiante et une force d'expression unique qui en fait l' un des artistes
majeur du XXème siècle.
BESANCON : Musée des Beaux Arts et d'Archéologie
" Henri Matisse "
Jusqu'au 14 janvier 2002
Le Musée des Beaux Arts et d'Archéologie nous permet de découvrir Henri Matisse, à la
fois peintre, dessinateur et sculpteur, à la recherche permanente d'une expression
synthétique dans les trois moyens d'expression de l'art plastique.
Avec le dessin, Henri Matisse a toujours cherché à privilégier le rythme et
l'expressivité du trait. En peinture, il a cherché à apporter un système chromatique
nouveau. Dans le domaine de la sculpture, c'est l'animation de l'ensemble des surfaces, et
la mise en avant du volume qu'il a toujours voulu dévoiler et développer.
Cette exposition présente 11 oeuvres parmi les plus significatives de l'artiste dans
chacun des trois genres de l'expression plastique. Pour le dessin, c'est en particulier
"Femme Endormie" ,
que l'on peut admirer de près, parmi les peintures,
ce sont "Autoportrait" et "Nu Rose" qui ont été retenues et parmi
les sculptures " Le Serf ", en provenance de différentes collections, dont
celle du Musée Matisse de Cateau-Cambrésis, ce musée créé par Matisse lui-même dans
sa ville natale, mais aussi d'une collection particulière de Besançon .
STRASBOURG : Musée d'Art Moderne et Contemporain
" Tomi Ungerer et New York "
Jusqu'au 13 janvier 2002
Strasbourg, ville natale de l'artiste, fait honneur à Tomi Ungerer, à l'occasion de son
soixante-dixième anniversaire, par une grande exposition au Musée d'Art Moderne.
L'enfant du pays, né donc à Strasbourg un 28 novembre 1931, qui a grandi à Colmar
pendant la guerre, et par laquelle il fût profondément influencé dans une grande partie
de son oeuvre, est un grand voyageur. En 1956, il gagne New York, où il vend des dessins
et réalise des livres pour enfant. Il travaille aussi un peu dans la publicité, dans
l'édition, et milite contre la guerre au Vietnam ou la ségrégation raciale.En 1971, il
part au Canada, puis en 1976 pour l'Irlande, où il s'installe, et partage son temps dans
des voyages entre l'Alsace, les Etats Unis et l'Irlande .
Cette exposition retrace les années 1960 et la
période new-yorkaise de l'artiste en présentant plus de 250 dessins originaux,
ainsi que livres, affiches, sculptures et de multiples documents en provenance du Centre
Tomi-Ungerer de Strasbourg, mais aussi de diverses collections partriculières
américaines et françaises.
Adresse : Musée d'Art Moderne et contemporain - 1, Place Hans Arp 67000
Strasbourg - Renseignements : 03 88 23 31 31
ARLES : Musée de l'Arles Antique
" D'un monde à l'autre : Naissance d'une Chrétienté en Provence "
Jusqu'au 06 janvier 2002
L'exposition "D'un monde à l'autre : Naissance d'une Chrétienté en Provence",
proposée par le Musée de l'Arles Antique a pour but de montrer comment la Provence
change totalement d'univers entre le début du IVème siècle et la fin du VIèmesiècle,
par la rapidité du développement dans cette région de la religion nouvelle, qu'est le
christianisme.
Originaire de Palestine, cette religion arrive dans la Gaule romaine au IIème siècle.
C'est en l'an 313, après les nombreuses persécutions, qu'elle parvient à être
reconnue par l'Empire romain, et qu'elle devient à partir de l'an 392, la seule religion
officiellement admise. Les premiers chrétiens utilisent les images des croyances
anciennes ou les représentations des divinités antiques pour convertir les paiens à
leur nouvelle religion.
Jusqu'au VIème siècle, les évêques chassent dans les campagnes toutes les traces des
rites populaires anciens et faire disparaître les restes de paganisme dans les croyances
paysannnes Dans chaque village, on a élevé une chapelle, dans les cités des églises,
et la symbolique chrétienne envahit la vie quotidienne, avec la représentation des croix
et des signes de la chrétienté sur les objets, les armes, les meubles, ou encore la
vaisselle...
Cette exposition montre ainsi l'extrême influence
de cette nouvelle religion, qui s'est propagée rapidement, et l'importance des abbés et
des évêques, dans ce développement, au travers une centaine d'objets religieux
anciens tel par exemple, cet autel ancien ouvrant l'exposition qui montre Jupiter tenant
le sceptre et la foudre, mais au dos duquel on a gravé la croix du Christ, un sarcophage
du IIème siècle, ou plus loin tel l'ensemble des reliques récemment restaurées de
Saint Césaire, Evêque d'Arles (469-542).
Adresse : Musée de l'Art Antique - Presqu'île du Cirque Romain 13200 Bordeaux -
Renseignements : 04 90 18 88 88
GRENOBLE : Musée de Grenoble " Le Purisme : 1918-1925 "
Jusqu'au 06 janvier 2002
L'architecte Le Corbusier, et les peintres Fernand Léger et Amédée Ozenfant, sont au
centre de cette importante exposition du Musée de Grenoble, concernant le mouvement
"Puriste" entre 1918 et 1925 à Paris et dont les influences fûrent trés
importantes sur l'ensemble de l'art du début du XXème siècle. Le Purisme qui a pris
naissance autour d'une revue artistique intitulée "L'Esprit Nouveau", publiée
entre 1918 et 1925, se répand rapidement par la diffusion partout en Europe et dans le
monde de cette revue.
C'est alors la fin de la première grande guerre du siècle nouveau, et beaucoup
d'artistes sont impressionnés par le développement du nouveau monde industriel et
moderne. Les machines dans les usines, les moteurs, les trains, les bateaux, mais aussi
les ustensiles modernes de la vie quotidienne, attirent les artistes qui découvrent dans
leurs mécanismes dans leurs rouages,ou dans leurs formes, les références d'une nouvelle
esthétique, fonctionnelle, géométrique, angulaire, et totalement épurée.
Fernand Léger, Amédée Ozenfant et
Charles-Edouard Jeanneret dit Le Corbusier, parmi eux sont fascinés surtout par la
géométrie des formes, et par la technicité des machines. Ils transposent dans leurs
sujets que sont les peintures de natures mortes, des objets qui proviennent des
fabrications des chaînes industrielles, ou davantage ils en font souvent aussi le centre
de certaines de leurs oeuvres, tel par exemple le célèbre " Remorqueur" de
Fernand Léger, qu'il peint en 1920.
Cette exposition qui rassemble plus de 70 peintures, et quelques 20 dessins de ces trois
artistes reconstitue l'atmosphère des ces années, et l'intense créativité de cet
"esprit nouveau" qui règne alors.
TOULOUSE : Galerie Art Espace /Aéroport de Blagnac " Toutain "
Jusqu'au 05 janvier 2002
Tout dans l'oeuvre de Jean-Louis Toutain inspire et respire les bonheurs simples de la
vie. Les sculptures toutes en rondeurs, les aquarelles, les peintures, pleines d'humour et
des plaisirs des choses simples du quotidien, font du sculpteur, un artiste à part dans
la mouvance de l'art actuel en proie à ses écorchures, à ses angoisses, et à ses
doutes.
Ces plaisirs de la vie se retrouvent constamment dans ses sculptures monumentales, comme
dans celles qu'il présente à la Galerie Art Espace de Toulouse Blagnac. Telle cette
énorme "Maternité en bronze" de 4 m x 2 m en provenance du Jardin des Plantes
à Paris,
coulée en Allemagne et montée à Mulhouse et
exposée en ce moment avec trois autres grandes résines, ou encore ses
"Jumelles" , " Le Marchand de glace " et " Le Grand Bi
"qui attendent les voyageurs sur le parvis de l'aéroport, tandis que "
Les Endormis"et "Départ différé", occupent une partie du hall.
